Lakshmí de Pompeya

La Lakshmí de Pompeya es una escultura datada aproximadamente en la primera mitad del siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 50 d.C.), perteneciente al arte indio.

Lakshmí de Pompeya

Lakshmí de Pompeya

Fue descubierta en octubre del año 1.938 d.C. por el arqueólogo italiano Amedeo Maiuri durante las excavaciones arqueológicas realizadas junto a la Casa dei Quattro Stili, ubicada en la antigua ciudad de Pompeya.

Además destacar que a juzgar por sus restos arquitectónicos y su plano, se cree que esta casa, situada al lado de la Via dell'Abbondanza, perteneció a un próspero comerciante.

En la casa se encontraron objetos de lujo compuestos por numerosos artículos indios, lo que sugiere que los romanos del siglo I d.C. tenían fascinación por las antigüedades no solo de Grecia, sino también de culturas remotas y que deseaban adquirir objetos que consideraban exóticos.

Poco después de su descubrimiento la Lakshmí de Pompeya pasó a formar parte de la colección del "Gabinetto Segreto", una sección del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia.

Lakshmí de Pompeya

Lakshmí de Pompeya

Descripción

Tiene una altura de 24,5 cm. Está elaborada en marfil, mediante las técnicas de incisión, grabado, tallado y pulido.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento que representa a una mujer joven de pie, con las piernas giradas hacia un lado y un brazo doblado para sujetar unos pendientes.

Está representada prácticamente desnuda, salvo por su estrecha faja y sus suntuosas joyas, entre las que destacan los lujosos collares de cuentas, los brazaletes anchos, las tobilleras y los pendientes.

En el rostro destacan los ojos almendrados, las cejas finas, los pómulos marcados, la nariz chata, los labios carnosos y el mentón pronunciado. 

Mientras que el cabello largo se encuentra recogido en un elaborado peinado decorado con una joya que le cae por la frente y numerosas cintas que le sujetan el cabello.

También se encuentran representadas dos asistentes femeninas, una mirando hacia afuera a cada lado, que sostienen recipientes para cosméticos.

Aparte se puede observar como la estatuilla presenta un agujero perforado desde la parte superior de la cabeza, por lo que se piensa que originalmente podría haber sido el mango de un espejo.

En cuanto a la identidad de la mujer representada algunos investigadores creen que podría ser una representación de la diosa Lakshmí (diosa de la riqueza, de la fortuna, la prosperidad, la belleza y la abundancia), venerada por los primeros hindúes, budistas y jainistas.

Sin embargo, otros investigadores consideran que por la iconografía, en particular los genitales expuestos, lo más probable que la mujer representada sea una iaksi, es decir, un espíritu femenino de la naturaleza que en la mitología hinduista, budista y jaina representa la fertilidad.

O incluso podría ser una representación de una versión sincrética de Venus-Sri-Lakshmi de un antiguo intercambio entre las culturas clásicas grecorromana e india.

Para finalizar subrayar que la existencia de la escultura Lakshmí de Pompeya en la antigua ciudad de Pompeya (Italia) hacia el año 79 d.C., cuando el volcán del Monte Vesubio entró en erupción y sepultó la ciudad, da testimonio de la intensidad de las relaciones comerciales indo-romanas durante el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.).

Los conservadores del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles han datado ésta escultura como creada en la India en la primera mitad del siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 50 d.C.).

Aunque su origen no es del todo seguro, según los hallazgos arqueológicos y trabajos históricos, existe evidencia de las entonces activas rutas comerciales entre el Imperio romano y la India durante éste período.

Es más la evidencia arqueológica sugiere que el auge del comercio entre Roma y la India parece haber sido entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.).

Siendo éste comercio desarrollado a través de varias rutas terrestres, como las que cruzaban la Península Arábiga y Mesopotamia y marítimas desde el Mar Rojo y el Océano Índico.

Asimismo existe la posibilidad de que la escultura Lakshmí de Pompeya llegara a Occidente durante el gobierno del Satrap occidental Nahapana, en la zona de Bhokardan y fuera embarcada desde el puerto de Barigaza, llegando a la ciudad de Pompeya durante el reinado del emperador romano Augusto (también conocido como Cayo Julio César Augusto o Octaviano).

También destacar que se conoce que Roma desempeñó un papel importante en el comercio oriental de la antigüedad, puesto que importaba numerosos productos de la India y al mismo tiempo establecía sus propios centros comerciales en el país.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia.

Hoja para una Katana

La Hoja para una Katana es una hoja para espada datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Hoja para una Katana

Hoja para una Katana

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del coleccionista estadounidense Dr. Frederick Malling Pedersen.

En el año 1.947 d.C. por herencia la Hoja para una Katana pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. por herencia pasó a formar parte de la colección de arte "Collection of Etsuko and John Morris" ("Colección de Etsuko y John Morris"), propiedad de los coleccionistas Etsuko O. y John H. Morris Jr., ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.007 d.C. la Hoja para una Katana fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de armas y armaduras.

Descripción

La hoja tiene una longitud total de 104,2 cm. La longitud del filo es de 80,8 cm y el diámetro de la curvatura es de 1,4 cm.

Se trata de una hoja curva de un solo filo para una katana (espada japonesa tradicional) larga y ancha que emula a las espadas largas fabricadas en Japón en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.).

Se puede observar como inscrito en la espiga de la hoja, conocida como nakago (中子) (es decir, la parte metálica alargada que se extiende desde la hoja hacia la parte interior del mango), se encuentra la siguiente inscripción en idioma japonés:

"肥前国伊予掾源宗次"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Provincia de Hizen, Iyonojō Munetsugu"

Por lo tanto gracias a la inscripción se conoce que la hoja fue elaborada por el espadero japonés Iyonojō Munetsugu, de la provincia de Hizen (en la actualidad ubicada en la prefectura de Saga, en Japón).

Para finalizar subrayar que la Hoja para una Katana fue expuesta desde el 25 de enero del año 2.018 d.C. al 6 de enero del año 2.019 d.C. en la exposición "Japanese Arms and Armor from the Collection of Etsuko and John Morris" ("Armas y armaduras japonesas de la colección de Etsuko y John Morris"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Naturaleza Muerta con Biblia

La Naturaleza Muerta con Biblia es una pintura datada en octubre del año 1.885 d.C., perteneciente al arte postimpresionista.

Naturaleza Muerta con Biblia

Fue pintado por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

La pintura fue llevada por el artista de la ciudad de Nuenen a la ciudad de Amberes (Países Bajos).

En noviembre del año 1.885 d.C. la obra fue entregada por el artista a su hermano marchante de arte neerlandés Theo van Gogh.

Quien la trasladó a la ciudad de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

El 25 de enero del año 1.891 d.C. fue heredado por su viuda Jo van Gogh-Bonger y su hijo Vincent Willem van Gogh.

La pintura Naturaleza Muerta con Biblia fue administrada hasta su fallecimiento ocurrido el 2 de septiembre del año 1.925 d.C. por Jo van Gogh-Bonger.

Desde el 16 de diciembre del año 1.930 d.C. la pintura fue cedida en préstamo por Vincent Willem van Gogh al Stedelijk Museum de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos) y desde el 10 de julio del año 1.962 d.C. fue cedido a la Fundación Vincent van Gogh.

En concreto el 21 de julio del año 1.962 d.C. se firmó el acuerdo entre la Fundación Vincent van Gogh y el Estado de los Países Bajos, por el que se confía al Estado la conservación y gestión de la colección, así como su colocación en el Rijksmuseum Vincent van Gogh (Países Bajos).

Fue cedido en préstamo al Stedelijk Museum de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos), hasta que pasó el 2 de junio del año 1.973 d.C. pasó a estar en préstamo permanente en la colección del Rijksmuseum Vincent van Gogh (Países Bajos).

Hasta que desde el 1 de julio del año 1.994 d.C. la pintura Naturaleza Muerta con Biblia pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Van Gogh, localizado en la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos).

Naturaleza Muerta con Biblia

Descripción

Tiene una altura de 65 cm y una anchura de 78 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa dos libros colocados obre una mesa cubierta por un paño.

Llama la atención como en el centro de la mesa hay representa una edición encuadernada en cuero de la voluminosa Biblia de su padre, abierta en el capítulo 53 del libro de Isaías, uno de los poemas más citados del "Siervo de Dios".

La sacralidad monolítica del coloso bíblico, que Vincent se había preparado para traducir a cuatro idiomas, simboliza obviamente la firme religiosidad de su padre, un respetado pastor protestante a quien se le había confiado el priorato de Nuenen.

Una vela apagada situada en el lado izquierdo ofrece un sutil contrapunto a la monumentalidad de la Biblia, un elemento que evoca la pintura holandesa del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) y, en particular, la tradición iconográfica de las vanitas.

De hecho, alude a la fugacidad de la vida y a la inminente presencia de la muerte, pero también a la absoluta desconfianza hacia esa religión en la que Vincent van Gogh se había refugiado en vano años anteriores.

Aunque la pintura se sitúa dentro de la tradición histórico-artística, Vincent van Gogh rompe abiertamente con sus normas: en la pintura recurriendo al simbolismo personal para reconstruir la identidad del pintor.

Puesto que en un primer plano se encuentra representado un elemento que resalta la personalidad y los intereses del pintor, su propio ejemplar de la novela "La alegría de vivir" del escritor de novelas y periodista francés Émile Zola.

Una novela escandalosamente moderna que narra la pútrida desintegración de una familia francesa, agobiada por constantes duelos y acuciantes dificultades económicas.

La obra representa la confirmación de la modernidad de su autor: la mirada del observador se siente atraída por la portada amarilla de la novela moderna, como para subrayar la tensión ideológica y religiosa entre Vincent van Gogh y su padre (quién detestaba al escritor de novelas y periodista francés Émile Zola y a los naturalistas franceses, considerándolos "inmorales").

Con respecto a la composición sobretodo resaltar que la pintura muestra una considerable profundidad psicológica. 

Aparte dejándose llevar por su nuevo interés por el color representando a los libros sobre un primer plano de color marrón amarillento que presenta un toque adicional de amarillo limón.

Y por una técnica pictórica perfeccionada en sus cuatro años de estudio autodidacta, el autor establece en ésta pintura una serie de oposiciones entre lo grande y lo pequeño, lo abierto y lo cerrado, lo monocromo y lo coloreado, precisamente para traducir pictóricamente la irreconciliabilidad de su personaje con la personalidad de su padre.

Para finalizar subrayar que la pintura Naturaleza Muerta con Biblia se inspiró en una narración puramente autobiográfica, concretamente la muerte del padre del autor Theodorus van Gogh.

Cabe destacar que es conocido que su relación no fue nada fácil, ni estuvo extenta de contradicciones y emociones encontradas: los constantes fracasos profesionales y personales de Vincent van Gogh habían destrozado violentamente la apacible vida familiar en la que los Van Gogh habían basado su rutina diaria.

Es más enfatizar que la obra debe considerarse una respuesta pictórica a la estresante situación que surgió tras la muerte de Theodorus van Gogh, pero también un intento de interpretar el complejo y visceral vínculo entre padre e hijo.

De hecho, la pintura fue pintada en su momento en la ciudad de Nuenen (Países Bajos), la ciudad dónde vivían los padres de Vincent van Gogh y dónde el propio artista residió entre los años 1.883 d.C. y 1.885 d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Van Gogh, Países Bajos.

Armour

Armour, también conocida como Armadura, es una pintura datada aproximadamente en el siglo 1.926 d.C., perteneciente al arte abstracto.

Armour

Armour

Fue pintada por la pintora noruega Ragnhild Keyser.

Desde el año 1.977 d.C. la pintura Armour pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de la ciudad de Oslo (Noruega).

Descripción

Tiene una altura de 110 cm, una anchura de 50,2 cm y un grosor de 2,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de un hombre que lleva un escudo blanco con un punto, que se asemeja a una diana.

Destaca como la composición está dominada por una escala de grises apagada y un juego de formas claramente definidas.

Además se puede observar como las formas puras y planas se superponen para crear un espacio superficial y condensado en capas.

Situado en el centro el rojo intenso contra el blanco crea un contraste lúdico y dinámico con el sobrio juego de valores.

Sobretodo con respecto a la composición resaltar que la imagen parece inextricablemente ligada a la era de las máquinas, la industria y la tecnología.

Para finalizar subrayar que la pintura Armour fue expuesta en la exposición del año 1.927 d.C. denominada "Escándalo", donde se presentó el cubismo escandinavo y en donde la pintora noruega Ragnhild Keyser moderó su expresión hacia lo figurativo.

Es más resaltar que las obras de arte simplificadas creadas en la década de 1.920 d.C. son las que han convertido gradualmente a la autora en una parte natural de la narrativa del arte noruego del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, Noruega.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Los Modelos de Origami (Origata tehon), también conocido como 折形手本, son un conjunto de origamis datados en el año 1.697 d.C., perteneciente al arte japonés.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Modelos de Origami (Origata tehon)

En concreto fueron realizados durante el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.615 d.C. y 1.868 d.C.).

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte de "Jonathan A. Hill, Bookseller, Inc.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.013 d.C. los Modelos de Origami (Origata tehon) fueron vendidos al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Modelos de Origami (Origata tehon)

Descripción

El álbum presenta una altura total de 21,5 cm, una anchura de 14,5 cm y un grosor de 1,5 cm.

El envoltorio de papel tiene una altura de 43,8 cm y una anchura de 22,5 cm.

Están realizados en papel japonés y tinta.

Se trata de un álbum de recortes que incluyen varios ejemplos sueltos de artículos de caligrafía fechados en el tercer mes del año 1.607 d.C..

Según las inscripciones, éste conjunto de modelos sirvió como iniciación en el arte del origata para Kikuchi Fujiwara no Takehide por parte de un maestro de la escuela Ogasawara.

El álbum y los ejemplos son varias décadas anteriores a los manuales de envoltura impresos en madera y sirven como una evidencia física importante de la tradición del plegado de papel.

Además destacar que desde la antigüedad en Japón el papel decorativo para envolver formaba parte de los rituales formales de intercambio de regalos.

Siendo el conocimiento del arte del plegado de papel (origata) una habilidad esencial para aristócratas y guerreros de alto rango.

También es conocido que los orígenes del origata se remontan al período Heian (平安時代) (período de la historia de Japón comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C.), cuando se desarrollaron diversos estilos de envoltorio, incluyendo el de poesía, dinero y abanicos.

Con el tiempo, se formaron varias escuelas de envoltorio de papel, entre ellas, la más destacada, la escuela Ogasawara.

Es más enfatizar que las técnicas se enseñaban exclusivamente por transmisión oral y para el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.615 d.C. y 1.868 d.C.) el origata se popularizó incluso entre la gente común.

Aparte resaltar que el origami (折形紙), el arte del plegado de papel tan popular hoy en día, evolucionó del origata.

Para finalizar subrayar que los Modelos de Origami (Origata tehon) fueron expuestos desde el 17 de agosto del año 2.013 d.C. al 12 de enero del año 2.014 d.C. en la exposición "Brush Writing in the Arts of Japan" ("Escritura con pincel en las artes de Japón"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bullroarer (Imunu Viki)

Bullroarer, también conocido como Imunu Viki, es un instrumento musical datado aproximadamente en el siglo XIX d.C (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Bullroarer (Imunu Viki)

Se conoce que fue elaborado por un artista perteneciente al pueblo Namau.

Que se encuentra en el delta del río Purari, localizado en la costa sur de Papúa Nueva Guinea.

También es sabido que el instrumento formó parte de la colección de arte de la coleccionista, escritora y comisaria de instrumentos musicales estadounidense Mary Elizabeth Adams Brown.

En el año 1.889 d.C. el Bullroarer (Imunu Viki) fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de instrumentos musicales.

Descripción

Tiene una altura de 63,8 cm, una anchura de 7,6 cm y un grosor de 0,6 cm. Está elaborado en madera y tilo.

Se trata de un tipo de instrumento musical ritual formado por una hoja delgada hoja con forma estilizada y alargada, con un agujero por el que se pasa una cuerda y que se encuentra ornamentada en el anverso por diversos motivos geométricos y caras humanas blancos.

Aparte cabe destacar que sobretodo llama la atención como ésta delgada hoja aúlla o ruge al girar rápidamente en el aire sujeta por una cuerda, representando a las voces de espíritus en las ceremonias masculinas y funerales.

Para finalizar subrayar que se conoce que en Papúa Nueva Guinea los bullroarer ocupan un lugar de honor tradicional en los clubes ceremoniales masculinos.

Es más el pueblo Namau, del delta del río Purari, los utilizaba durante los funerales importantes y los denominaban "imunu viki" ("espíritus llorosos").

Además para el pueblo Namau se trata de un objeto sagrado, conocido solo por hombres iniciados y utilizado en rituales de iniciación masculina para representar a espíritus poderosos (Kaiaimunu).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

La Tablilla Cuneiforme: Carta Privada son dos tablillas datadas aproximadamente entre los siglos XX a.C. y XIX a.C. (período comprendido entre los años 2.000 a.C. y 1.801 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

Los investigadores piensan que las tablillas pueden proceder de unas excavaciones realizadas en yacimiento arqueológico de Kültepe (Karum Kanesh).

Una antigua ciudad ubicada en Anatolia central, en Turquía.

Lo primero que se conoce es que desde finales de la década de 1.920 d.C. a la de 1.930 d.C. formó parte de la colección de arte Jacques N. y Edith Aggiman, localizada en Turquía y Estados Unidos de América.

Hasta que en el año 1.982 d.C. la Tablilla Cuneiforme: Carta Privada fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a partir del año 1.983 d.C. a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

Descripción

La tablilla "a" tiene una altura de 4 cm, una anchura de 4,3 cm y un grosor de 1,7 cm, mientras que la tablilla "b" presenta una altura de 2,2 cm, una achura de 3 cm y un grosor de 0,7 cm.

Se trata de dos tablillas de arcilla con forma rectangular, incisas con inscripciones cuneiformes, que fueron enviadas en el mismo sobre o estuche de arcilla y que representan una sola carta.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

La carta, leída de izquierda a derecha, comienza en la tablilla rectangular más grande.

Aunque llama la atención como después de que su escritor, Ashur-muttabbil, agotara todo el espacio, incluido el borde, decidiera añadir una breve nota en una delgada tablilla ovalada.

Asimismo cabe resaltar que Ashur-muttabbil escribe para resolver lo que parece ser una disputa familiar en Kanesh, relacionada con la propiedad de esclavas.

Una de las destinatarias de la carta era la esposa de Ashur-muttabbil, Kunanniya (cuyo nombre es anatolio e indica que Ashur-muttabbil fue un comerciante asirio que se casó con una mujer local).

Además cabe enfatizar que la notable vida de Kunanniya se ha conservado en este texto y en varios otros, que narran sus desafortunadas experiencias al tratar con sus suegros y su propia familia como joven viuda tras la prematura muerte de Ashur-muttabbil.

Para finalizar subrayar que gracias a la Tablilla cuneiforme: Carta Privada, junto a la numerosas tablillas encontradas en el yacimiento arqueológico de Kültep (Karum Kanesh).

Es sabido que la antigua ciudad de Kanesh era una ciudad poderosa y cosmopolita ubicada en el norte de Capacio en la Anatolia Central, convirtiéndose a principios del segundo milenio a.C. en parte de la red de asentamientos comerciales establecidos en la región por comerciantes de la ciudad de Asur.

Aparte es conocido que los comerciantes asirios viajaban largas distancias en caravanas de burros, a menudo viviendo separados de sus familias, para intercambiar grandes cantidades de estaño y textiles por oro y plata, además de controlar el comercio del cobre dentro de la propia Anatolia.

Si bien los comerciantes adoptaron muchos aspectos de la vida anatolia local, trajeron consigo herramientas mesopotámicas utilizadas para registrar transacciones: escritura cuneiforme, tablillas y sobres de arcilla, y sellos cilíndricos. 

Utilizando una versión simplificada del complejo sistema de escritura cuneiforme, los comerciantes registraban préstamos, así como acuerdos y disputas comerciales, y enviaban cartas a sus familias y socios comerciales en la ciudad asiria de Asur.

Estos textos también proporcionan información sobre la historia política general de Asur y las ciudades-estado de Anatolia, así como detalles sobre la vida cotidiana de asirios y anatolios, quienes no solo trabajaban juntos, con el mismo esfuerzo, sino que también se casaban y tenían hijos. 

En concreto en el yacimiento de Kültepe se han hallado miles de estos textos, almacenados en archivos domésticos, que se conservaron cuando un incendio destruyó la ciudad alrededor del año 1836 a. C. y que ofrecen a los investigadores una visión de las complejas y sofisticadas interacciones comerciales y sociales que tuvieron lugar en Oriente Próximo a principios del segundo milenio a. C.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vertical and Diagonal Planes

Vertical and Diagonal Planes, también conocido como Planos Verticales y Diagonales, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.913 d.C. y 1.914 d.C., perteneciente al arte abstracto.

Vertical and Diagonal Planes

Fue pintado por el pintor y artista gráfico František Kupka.

La pintura permaneció en la colección de arte del autor hasta su fallecimiento ocurrido en el año 1.957 d.C..

Después en el año 1.960 d.C. fue adquirida por la galería de arte privada "Galerie Karl Flinker", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.966 d.C. la pintura fue vendida al productor de cine, abogado, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Joseph H. Hazen.

En el año 1.968 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de "Josep H. Hazen Foundation Inc.", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.971 d.C. la pintura de Vertical and Diagonal Planes fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 61 cm y una anchura de 50,2 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura dónde aparecen representadas diversas formas geométricas rectilíneas en colores saturados que se entrelazan entre sí, para sugerir múltiples aplicaciones potenciales como: vidrieras, diseño textil o biombos.

También se puede apreciar como situada abajo a la derecha se encuentra la firma del autor:

"Kupka "

Con respecto a la composición destacar que la obra combina los intereses del autor por el arte popular checo, la luz, la visión y la filosofía.

Dando como resultado una pintura radical que se encuentra englobada entre las primeras obras puramente no figurativas producidas en Europa.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura Vertical and Diagonal Planes son de © 2025 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Escultura de Gaja Lakshmi

La Escultura de Gaja Lakshmi, también conocida como Escultura de Gajalakshmi, es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte indio.

Escultura de Gaja Lakshmi

Escultura de Gaja Lakshmi

Los investigadores piensan que por sus características puede provenir de la región de Cachemira, ubicada en la zona norte del subcontinente indio.

En el año 1.993 d.C. la Escultura de Gaja Lakshmi fue subastada por la casa Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 25,1 cm. Está realizada en piedra mediante la técnica de incisión, tallado y grabado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de la deidad hindú de la riqueza, la prosperidad y la fertilidad Gaja Lakshmi (también conocida como Gajalakshmi).

La diosa aparece representada entronizada sosteniendo un loto en la mano izquierda y una cornucopia de loto en la derecha, mientras dos elefantes la bañan con agua vivificante.

Además se puede apreciar como también hay representadas a cada lado dos asistentes femeninas sosteniendo espantamoscas.

Aparte hay la figura de dos leones que flanquean sus pies y un par de figuras de donantes que sostienen vasijas boca abajo, vertiendo riquezas otorgadas por Lakshmi, evocando el río de la fortuna que fluye de la diosa.

Con respecto a la composición resaltar que las representaciones de la diosa Gaja Lakshmi aparecen por primera vez en ésta forma en el siglo I a.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 1 a.C.), lo que la convierte en una de las deidades reconocibles más antiguas del sur de Asia.

Para finalizar subrayar que la Escultura de Gaja Lakshmi fue expuesta desde el 29 de junio al 27 de noviembre del año 2.011 d.C. en la exposición "Mother India: The Goddess in Indian Painting" ("Madre India: La Diosa en la Pintura India"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Comedor

El Comedor es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.886 d.C. y 1.887 d.C., perteneciente al postimpresionismo, en concreto se encuentra englobada dentro del neoimpresionismo.

El Comedor

Fue pintado por el pintor francés Paul Victor Signac (también conocida como Paul Signac).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.896 d.C. la pintura formaba parte de la colección de arte "Collection Meunier", propiedad del pintor y escultor belga Constantin Meunier.

En el año 1.941 d.C. fue adquirida por el autor, historiador de arte y académico estadounidense John Rewald.

Pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 7 de julio del año 1.960 d.C. fue subastada, dentro del lote número 117, por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo la pintura El Comedor comprada por banquero, filántropo y coleccionista de arte Robert Lehman.

Hasta que en el año 1.975 d.C. la pintura fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

El Comedor

Descripción

Tiene una altura de 22,1 cm y una anchura de 25,9 cm. Está realizada en grafito y tinta sobre papel japonés.

Se trata de una pintura que representa una escena en un comedor entre tres personas, dos mujeres y un hombre.

En un primer plano y ocupando la mitad del espacio está representada una mesa con diferentes recipientes, platos y comida. 

La figura del hombre está representada en el lateral izquierdo, situada al fondo de la mesa hay representada una mujer sujetando una taza con su mano derecha, llevándosela a los labios para beber y entre éstas dos figuras una mujer está representada con delantal, de perfil, de pie y sosteniendo un plato con comida en sus manos

Sobretodo resalta como la escena exalta todos los rasgos de una cómoda casa burguesa, en la que el comedor es en realidad el de la familia del artista y sus habitantes, de hecho, las figuras representadas son la madre, el abuelo y el ama de llaves del autor Paul Signac.

Llama la atención como las figuras aparecen representadas en un silencio sepulcral, mientras coexisten en la mesa del almuerzo, por lo que aparece representada una familia incomunicada en un escenario carente de anécdotas.

Se puede observar como firmado a pluma en la esquina inferior derecha está la firma del autor: "P. Signac", también bajo el paspartú hay la siguiente inscripción:

"La Salle à manger P. Signac"

Con respecto a la composición destacar como el autor utilizando un dibujo subyacente de grafito cuidadosamente trazado, superpone la disposición de los puntos para variar la intensidad tonal y lograr peso y volumen.

La pintura ha sido realizada con un sistema de armonía cromática mediante una técnica peculiar de pinceladas divididas y puntos punteados.

Para finalizar subrayar que la pintura El Comedor fue realizada para ilustrar la revista francesa "La Vie Moderne" (una revista hebdomadaire ilustrada de arte y literatura francesa fundada en el año 1.879 d.C. en la ciudad de París (Francia)) publicada en abril del año 1.887 d.C..

Es más enfatizar que El Comedor retoma la pintura del pintor francés Paul Signac del mismo título y tema, que fue expuesta en el año 1.887 d.C. en el Salón de los Independientes de la ciudad de París.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Harpócrates Cabalgando un León

El Harpócrates Cabalgando un León es una gema datada aproximadamente entre los siglos II d.C. y III d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte romano.

Harpócrates Cabalgando un León

Harpócrates Cabalgando un León

En concreto fue elaborado durante el Periodo Imperial Romano (período comprendido entre los años 27 a.C. y 4.76 d.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del empresario y mecenas de las artes estadounidense John Taylor Johnston.

Hasta que en el año 1.881 d.C. el Harpócrates Calbalgando un León fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte griego y romano.

Harpócrates Cabalgando un León

Descripción

Tiene una un grosor de 0,8 cm. Está elaborado en jaspe rojo y verde.

Se trata de una gema realizada mediante la técnica de intaglio que se encuentra ornamentada en el anverso con la figura de Harpócrates (la versión griega del dios egipcio Horus Niños, también conocido como Har-pa-khered), representado de niño, desnudo, de perfil mirando hacia al lado derecho y cabalgando un león con cola de serpiente y un rayo debajo.

Además destaca como el león presenta una corona solar y Harpócrates se encuentra representado con el cabello recogido en una coleta lateral, el brazo derecho extendido hacia delante con la mano izquierda apuntado hacia arriba, mientras que con la mano izquierda sostiene un cetro apoyado sobre su pecho y hombro izquierdo.

En la parte superior de la figura, situada cerca del borde izquierdo se puede apreciar como está incisa una inscripción, pero aunque la inscripción se encuentra incompleta se puede leer: "Chabrach formula".

Mientras que en el reverso en grandes letras latinas se puede observar como está grabada la siguiente inscripción: "MARMARAZI".

Para finalizar subrayar que la inscripción hace referencia a la "fórmula Chabrach", una inscripción críptica de siete líneas dispuestas en patrones específicos, que se encuentra sobretodo en los amuletos mágicos del Egipto grecorromano.

Por lo tanto se trata de un poderoso canto codificado que ha sido utilizado en la magia antigua, suele aparecer con otros nombre e invocaciones formando parte de un texto gnóstico o mágico para atar espíritus o conceder deseos.

Aparte resaltar que suele estar grabado en amuletos, anillos y textos mágicos reflejando las creencias sincréticas (combinación de ideas, doctrinas o culturas diferentes con la finalidad de crear un nuevo sistema o práctica manteniendo los rasgos originales de la misma) en el Periodo Imperial Romano.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de la Actriz Jeanne Samary

El Retrato de la Actriz Jeanne Samary, también conocido como Retrato de Jeanne Samary o El Ensueño, es un retrato datado en el año 1.877 d.C., perteneciente al arte impresionista.

Retrato de la Actriz Jeanne Samary

Fue pintado por el pintor francés Pierre-Auguste Renoir.

Se conoce que el retrato formaba parte de la colección del empresario ruso y coleccionista de arte francés de vanguardia Iván Abramovich Morozov.

Tras la Revolución Bolchevique, en el año 1.918 d.C. el gobierno se apropió de su colección de arte.

En el año 1.919 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección del Segundo Museo Estatal de Arte Moderno Occidental. 

En el año 1.923 d.C. formó parte de la colección del Museo Estatal del Nuevo Patrimonio Histórico y Cultural.

Hasta que en el año 1.948 d.C. el Retrato de la Actriz Jeanne Samary pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Pushkin de la ciudad de Moscú (Rusia).

Descripción

Tiene una altura de 56 cm y una anchura de 47 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de un pintura que representa el retrato de la joven actriz de la Comédie-Française Jeanne Samary, quién debutó en el año 1.875 d.C. como Dorine en la obra de Molière, Tartufo.

Además se conoce que antes de casarse vivía cerca del estudio del pintor francés Pierre-Auguste Renoir, situado en la Rue Frochot de la ciudad París (Francia) y solía ir a su estudio a posar como modelo.

La actriz está se encuentra representada de busto sobre un etéreo fondo rosa, con una expresión apacible y dulce, apoyando la barbilla en la mano izquierda, ataviada con un vestido escotado azul y verde, ornamentado con flores en el corpiño y pulseras en la mano izquierda.

En el rostro destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados, los pómulos rosados, la nariz recta, los labios carnosos y el cabello marrón recogido en un elegante peinado que le dejan algunos mechones sueltos.

También destaca como situado en la parte superior derecha se puede leer la firma del autor: 

"Renoir. 77"

Con respecto a la composición destacar que en la apariencia de su modelo, el artista resalta sus mejores rasgos: su gentil gracia, su vivaz inteligencia, la mirada ligeramente traviesa de sus ojos azules y su radiante sonrisa que "ilumina todo a su alrededor".

Aparte resalta como el retrato de la figura femenina encarna la claridad espiritual, la pureza y la serenidad de la existencia.

Para finalizar subrayar que aunque el artista creó uno de sus retratos más bellos, recibió críticas bastante negativas por la crítica académica cuando la obra se expuso en la tercera muestra del grupo impresionista.

Asimismo se dice que la modelo la actriz francesa Jeanne Samary no quedó muy satisfecha con el resultado.

Actualmente se encuentra en el Museo Pushkin, Rusia.

"Lady Bloom"

"Lady Bloom" es un calzado datado en el año 2.013 d.C., perteneciente al arte japonés.

"Lady Bloom"

"Lady Bloom"

Ha sido realizado por el diseñador de zapatos Tatehana Noritaka (舘鼻 則孝).

En el año 2.014 d.C., el calzado "Lady Bloom" fue adquirido a través del Fondo de Dotación Alfred Z. Soloman-Janet A. Sloane por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección dentro del departamento del Instituto del Traje.

"Lady Bloom"

"Lady Bloom"

Descripción

Se trata un calzado artesanal fabricado en cuero y metal, ornamentado con patrones vegetales estilizados en tonos dorados que resaltan sobre un fondo rojo.

El calzado con formas que evocan a las getas (下駄) japonesas tradicionales, sandalias de madera con alzas planas y en particular las versiones altas y lacadas que usaban las oiran (花魁), es decir las cortesanas japonesas del alto rango durante el período Edo (江戸時代). 

Sobretodo llama la atención como el arco exagerado de los zapatos "sin tacón" también imita el perfil de un zapato occidental de tacón alto.

Además el calzado con alzas ha servido durante mucho tiempo como indicador de estatus e identidad en muchas culturales. 

Es más resaltar por ejemplo que las altas chopines (zapatos de plataforma alta) de la Italia Renacentista, representaban el estatus de la mujer como noble o cortesana.

Aparte al igual que sus precedentes históricos los zapatos "Lady Bloom" alteran necesariamente la forma de andar de quién los usa, desplazando precariamente el equilibrio hacia adelante.

Se puede apreciar como en la parte interior del tobillo hay estampado "Noritaka Tatehana/ Hecho en Japón 2013 d. C.".

También está estampado en la parte inferior del tobillo: "Noritaka Tatehana Atelier Tokio/ Noritaka Tatehana/ Sala 211 Palais Royal/ 5-4-6 Minami Aoyama/ Minato-Ku Tokio, 1070062 JPN".

Para finalizar subrayar que "Lady Bloom" fue expuesto desde el 18 de noviembre del año 2.016 d.C. al 5 de febrero del año 2.017 d.C. en la exposición "Masterworks: Unpacking Fashion" (Obras maestras: Desempacando la moda), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Antifonario Benedictino

El Antifonario Benedictino, también conocido como Benedictine Antiphonary, es un antifonario datado aproximadamente entre los años 1.467 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Fue realizado en la región de Lombardía, situada en Italia noroccidental por el iluminador y pintor italiano Belbello da Pavía (también conocido como Luchino di Giovanni Belbello).

Antifonario Benedictino

El antifonario procede del monasterio benedictino de San Giorgio Maggiore, edificado en la ciudad de Venecia (Italia).

En el año 1.924 d.C. fue adquirido por el marchante de arte y coleccionista italiano Carlo Bruscoli, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Florencia (Italia).

Posteriormente fue comprado por el banquero, propietario de caballos de carreras, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Robert Owen Lehman.

Hasta que en el año 1.960 d.C. el Antifonario Benedictino fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de manuscritos e iluminaciones.

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Descripción

Cada folio tiene una altura de 56,2 cm, una anchura de 41 cm y la altura del pentagrama es de 4,2 cm.

El antifonario cerrado tiene una altura total de 58,7 cm, una anchura de 42,5 cm y un grosor de 9,2 cm, mientras que el antifonario abierto presenta una altura total de 58,7 cm, una anchura de 81,9 cm y un grosor de 27,9 cm.

Está realizado en témpera, oro y tinta sobre pergamino, mientras que la encuadernación está realizada en cuero sobre tablas de madera con guarniciones y protuberancias de aleación de cobre.

Se trata de un antifonario, es decir, un libro litúrgico que contiene las antífonas (pasaje bíblico corto que se canta o se recita como un estribillo antes y después de un salmo o canto, durante la liturgia católica) que se cantan durante todo el año.

Cabe destacar que en el año 1.462 d.C. la exitosa carrera artística del iluminador y pintor italiano Belbello da Pavía pareció dar un giro desastroso, puesto que fue exiliado de la corte de Mantua por un crimen notorio.

Sin embargo, su traslado a la ciudad de Venecia (Italia) resultó ser una buena fortuna, tanto para el artista como para el abad del monasterio de San Giorgio Maggiore (Italia), quién le encargó la creación de un conjunto decorado de libros de coro.

Éste volumen de dicho conjunto contiene cantos para ser cantados en los servicios de oración diarios desde el Adviento, las cuatro semanas previas a la Navidad, hasta la Cuaresma, el tiempo de penitencia y ayuno previo a la Pascua.

Sobretodo llama la atención el sorprendente brillo del rosa y el verde ácido característico de la obra. Además resaltar que la atención prodigada a las letras decoradas evidencia la importancia del encargo.

Aunque lamentablemente, hoy en día sólo se conocen tres de los volúmenes encuadernados que sobreviven, y el Antifonario Benedictino, cuyas imágenes figurativas fueron recortadas en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), es el único que ha salido de la ciudad de Venecia (Italia).

Para finalizar subrayar que el Antifonario Benedictino fue expuesto desde el 30 de septiembre del año 2.003 d.C. al 1 de febrero del año 2.004 d.C. en la exposición "Treasures of a Lost Art: Italian Manuscript Painting of the Middle Ages and Renaissance" ("Tesoros de un arte perdido: Pintura manuscrita italiana de la Edad Media y el Renacimiento"), ocurrida en el  Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Gabinete de Manuscritos Tailandés

El Gabinete de Manuscritos Tailandés es un gabinete datado aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Gabinete de Manuscritos Tailandés

Gabinete de Manuscritos Tailandés

Fue elaborado durante el Reino de Rattanokosin (también denominado como el Reino de Siam).

Que comienza en el año 1.782 d.C. con la fundación de la dinastía Chakri y la fundación de Rattanakosin (Bangkok) como capital de Siam y acaba en el año 1.932 d.C. con la Revolución siamesa (también conocida como Golpe de Estado en Siam de 1.932 d.C.).

Se conoce que el gabinete perteneció a la colección de arte de la coleccionista de arte Caroline S. Hanway, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.971 d.C. el Gabinete de Manuscrito Tailandés fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Gabinete de Manuscritos Tailandés

Gabinete de Manuscritos Tailandés

Gabinete de Manuscritos Tailandés

Descripción

Tiene una altura de 158,8 cm, una anchura de 86,5 cm y una profundidad de 79,1 cm. 

Está fabricado en madera, láminas de pan de oro y laca.

Se trata de un gabinete de manuscritos fabricado en madera, ricamente ornamentado con oro sobre un fondo de laca y realizado mediante una técnica conocida como lai rot nam (laca negra dorada).

Además se puede apreciar como en la parte inferior del gabinete el soporte calado con dos cajones se encuentra tallado al estilo chino y probablemente el soporte esté datado en una fecha posterior.

Resalta como a la superficie de madera del gabinete se le ha aplicado varias capas de laca negra, para después trazar la ornamentación dónde las partes que quedan negras son pintadas con una mezcla gomosa amarilla.

Después se le ha aplicado sobre la superficie exterior una fina de capa de laca y para cuando la capa se hubiese encontrado semiseca aplicar pan de oro sobre toda la superficie exterior.

Sobretodo llama la atención como la decoración está compuesta por escenas de combate del Ramakien, es decir, escenas de la lucha épica que culmina con el enfrentamiento entre Phra Ram y el rey demonio Tosakanth por el rescate de Sida.

Las tropas de Phra Ram compuestas por guerreros monos liderados por Hanuman, se enfrentan en la batalla final en el reino de Lanka contra las fuerzas de Tosakanth.

Siendo el desenlace de la batalla la derrota de Tosakanth por una flecha que tira Phra Ram y que atraviesa el corazón de su enemigo poniendo fin a su reinado.

Con respecto a la composición resaltar que dentro del arte tailandés las representaciones de adoradores celestiales eran un tema predilecto, al igual que las representaciones de las escenas de combate del Ramakien como se puede observar en éste gabinete.

Para finalizar subrayar que tradicionalmente, éste tipo de gabinetes, como el Gabinete de Manuscritos Tailandés, se donaban a los monasterios, dónde servían para albergar y preservar las escrituras sagradas escritas en manuscritos de hoja de palma.

Así como los textos budistas asociados, a menudo escritos en papel washi, que narran las aventuras del venerable monje Pra Malai.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Un Oso Caminando

Un Oso Caminando, también conocido como Estudio de un Oso, es un dibujo datado aproximadamente entre los años 1.482 d.C. y 1.485 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Un Oso Caminando

Un Oso Caminando

Fue dibujado por el pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista italiano Leonardo di ser Piero da Vinci (también conocido como Leonardo da Vinci). 

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del pintor británico Thomas Lawrence, localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Después en el año 1.830 d.C. el dibujo fue comprado por el marchante de arte y pintor Samuel Woodburn, pasando a formar parte de su colección de arte.

El 8 de junio del año 1.860 d.C. el dibujo Un Oso Caminando fue subastado por la casa de subastas "Christie, Manson & Woods", en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), siendo adquirido por un coleccionista privado afincado en Gran Bretaña.

Posteriormente el dibujo fue adquirido por la galería de arte comercial más antigua del mundo "Colnaghi", ubicada en St. James's, en el centro de la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.936 d.C. el dibujo fue comprado por el banquero y coleccionista de dibujos de antiguos maestros alemán Ludwig Rosenthal (también conocido, posteriormente, como Lewis Valentine Randall).

En el año 1.942 d.C. Un Oso Caminando fue adquirido por la galería de arte "Schaeffer Galleries", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En febrero del año 1.945 d.C. el dibujo fue comprado por el banquero y coleccionista de arte estadounidense Robert Lehman, pasando a formar parte de su colección de arte "Colección Robert Lehman", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.975 d.C. Un Oso Caminando fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10,3 cm y una anchura de 13,3 cm. Está realizado en punta de plata sobre papel de color claro.

Se trata de un dibujo que representa la figura esbozada de un oso adulto de perfil, caminando hacia el lado derecho, con la pata delantera derecha levantada.

Destaca la presentación de la cabeza de gran tamaño, las orejas redondeadas, pequeñas y erectas, los ojos pequeños, el cuerpo pesado, robusto y una cola corta, apenas esbozada.

Aparte delante del oso hay dibujada una pata con los cinco dedos que acaban en uñas fuertes y recurvadas garras.

Además destacar que algunos investigadores consideran que probablemente el estudio natural, junto con la comprensión anatómica del animal, podría haberse visto facilitada por las disecciones de osos realizadas por el autor. 

Es más la lámina se relaciona con un grupo de estudios de osos que Leonardo da Vinci probablemente realizó para su tratado de anatomía, sobre el cual escribió:

"Hablaré de las manos de cada animal para mostrar cómo varían, 

como en el oso,

que tiene las ligaduras de los dedos unidas por encima del empeine"

Con respecto a la composición destacar que los tenues contornos de una mujer sentada son visibles debajo del dibujo del oso, lo que indica que el artista reutilizó la lámina.

Para finalizar subrayar que los abundante dibujos y cuadernos de Leonardo da Vinci dan testimonio de su aguda e incansable observación de todos los aspectos del mundo natural.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.