sábado, 19 de abril de 2025

Fragmento de Túnica Wari

El Fragmento de Túnica Wari es un fragmento de túnica datada aproximadamente entre los siglos VII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari

Fragmento de Túnica Wari

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de la galería de arte "Julius Carlebach Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.953 d.C. el fragmento de túnica fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.956 d.C. y 1.978 d.C. fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, Europa, África y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Fragmento de Túnica Wari fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 32,7 cm y una anchura de 53,3 cm. Está elaborada en pelo de camélido y algodón.

Se trata del fragmento de una túnica que muestra cuatro figuras de perfil portando un bastón. Llama la atención como las figuras de color marrón claro con ojos partidos tienen aspecto humano y colmillos de seres dotados de poderes sobrenaturales.

Mientras que se puede observar como las figuras de color verde presentan manchas, hocicos y garras de felino. También se aprecia como todas las figuras tienen alas, cinturones que terminan en flores estilizadas y parecen correr o arrodillarse.

Para finalizar subrayar que las túnicas wari se encuentran entre los textiles más elaborados de la América Precolombina.

Sus coloridos diseños se basan en cuadrículas, con filas verticales de cuadrados frecuentemente separados por bandas monocromáticas.

Además resaltar que las composiciones son altamente geométricas y a menudo ilegibles a simple vista. Las figuras representadas se distorsionan, comprimen, expanden y rotan hasta alcanzar los límites de la abstracción.

Sin embargo, las figuras tejidas se refieren en última instancia a humanos y animales conocidos dentro de la iconografía wari, como portadores de bastón, cabezas humanas de frente y de perfil, felinos y aves rapaces.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 18 de abril de 2025

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

La Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut) es una chaqueta datada aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

Se conoce que en el año 1.981 d.C. la chaqueta fue comprada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña) por el anticuario y coleccionista estadounidense Henry David Ginsburg, pasando a formar parte de su colección.

Hasta que en el año 1.983 d.C. la Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut) fue adquirida por el Museo Real de Ontario, ubicado en la ciudad de Toronto, en Canada.

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)



Descripción

Tiene una altura de 69 cm y una anchura de 155 cm.

Se trata de una prenda, una chaqueta o camisa, ornamentada con cabezas de monstruos en la parte delantera y las mangas, y lo que podría ser representaciones de una cota de malla.

Ésta confeccionada a partir de una sola pieza de tela, con el cuello cortado en la abertura delantera y cosido por separado.

Resalta como en cada hombro se ve el mismo rostro de perfil, un collar de nubes de estilo chino, que simboliza protección, aparece sobre el rostro temeroso de un demonio grotesco con ojos saltones y con las mandíbulas bien abiertas apreciándose los colmillos. 

Aparte destacar que ésta figura tailandesa a menudo en la iconografía tailandesa y arte general se denomina Kiartimuk (también conocida Kiatimuk, una figura monstruosa con una nube de collar chino simboliza protección).

También cabe resaltar que Kiartimuk se encuentra inspirada en la deidad hindú Rahu, que se piensa que es la causa de los eclipses solares y lunares.

Con respecto a la composición enfatizar que aunque pertenece al arte tailandés las telas fueron tejidas en la costa sureste de la India, para después importarlas para el mercado tailandés.

Los pintores de chintz de la India realizaron algunas de sus obras más finas y distintivas para la corte real de Tailandia.

Originalmente, solo los reyes tailandeses, sus nobles y la guardia real tenían permitido vestir chintz indio. Los gobernantes enviaban agentes a la India para encargar telas especiales con líneas blancas finamente dibujadas, motivos en forma de llamas e imágenes de deidades budistas y en Tailandia se realizaban algunos acabados en oro (dorado).

Para finalizar subrayar que la Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut) es una rara superviviente del tipo de prenda que usaban las Krom Klone, es decir, la guardia personal del rey de Siam (rey de Tailandia), compuesta exclusivamente por mujeres y establecida en el año 1.688 d.C., siendo responsables de la seguridad de la familia real y del mantenimiento del orden en los terrenos del palacio.

Es más los pocos ejemplares que se conservan son extremadamente raros, siendo éstas prendas militares reales representadas en pinturas tailandesas y que han sido documentadas por observadores extranjeros.

Actualmente se encuentra en el Museo Real de Ontario, Canada.

jueves, 17 de abril de 2025

Sección de un Torso Masculino

La Sección de un Torso Masculino es una escultura datada aproximadamente entre los años 490 a.C. y 480 a.C., perteneciente al arte griego.

Sección de un Torso Masculino

Sección de
un Torso Masculino

Sección de
un Torso Masculino

Fue hallada en el año 1.836 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas al este del Partenón de Atenas, ubicado en la Acrópolis de Atenas, situada en la ciudad de Atenas, en Grecia.

Poco después de su descubrimiento la Sección de un Torso Masculino pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia).

Sección de
un Torso Masculino



Descripción

Tiene una altura de 0,34 m y una longitud de 0,335 m. 

Está fabricada en mármol de Paros, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de parte de la parte inferior de un torso de un joven desnudo, quizás un deportista. Aunque tan sólo se conservan parte de las caderas y los muslos.

Además cabe resaltar que el órgano masculino era un inserto, fue tallado en una pieza separada de mármol de Paros.

Es más enfatizar que las asimetrías y la ligera inclinación de los glúteos indican que originalmente la escultura estaba de pie, con la pierna izquierda fija y la derecha relajada, según el estilo severo de la escultura griega.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores atribuyen la Sección de un Torso Masculino a la misma escultura que el Efebo Rubio, sin embargo otros investigadores señalan algunas diferencias en las proporciones que hacen que la asociación sea precaria.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

miércoles, 16 de abril de 2025

Cuenta Moche

La Cuenta Moche es una cuenta datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Cuenta Moche

Lo primero que se conoce es que la cuenta se encontraba en la colección del abogado y empresario peruano Guillermo Ganoza Vargas, situada en la ciudad de Trujillo, en el noroeste de Perú.

En el año 1.955 d.C. la cuenta fue comprada por el coleccionista Allan Caplan, formando parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. fue adquirida por la filántropa y coleccionista de arte estadounidense Alice K. Bache.

Hasta que en el año 1.977 d.C. la Cuenta Moche fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 12,7 cm. Está elaborada en oro.

Se trata de la cuenta de un collar alguna vez pudo haber formado parte de una tira de quizás cinco cuentas, que presenta en su anverso un rostro grande y sobrenatural realizado mediante una lámina de oro desde atrás mediante la técnica de repujado.

Los investigadores piensan que los grandes ojos y la boca del ser sobrenatural originalmente podrían haber estado incrustados con concha.

Además la cabeza presenta dos apéndices bajo la barbilla, posiblemente representado brazos y cuatro elementos rizados que se extienden desde la parte superior de la cabeza.

Aparte las extensiones laterales de la cabeza podrían representar el hocico de un canino o un zorro con las fauces abiertas y la lengua fuera.

Cabe resaltar como se puede observar como en el reverso hay una pequeña bolita de cobre que tintineaba al moverse quien la llevaba.

Con respecto a la composición destacar que el ser sobrenatural representado en la cuenta evoca el rostro feroz representado en los relieves arquitectónicos de brillantes pinturas de un importante sitio moche conocido en la actualidad como Huaca de la Luna, ubicado en el Valle de Moche, en la costa norte de Perú.

También se pueden observar como hay representados rostros similares que se repiten en los muros interiores del nivel inferior del Gran Patio.

La Cuenta Moche es una de las más grandes conocidas, puesto que la mayoría que se han encontrado tiene un tamaño que varía desde los 3 cm a 8 cm de ancho.

Es más se conoce que las personas de alto rango en la sociedad moche solían ser enterrados con múltiples collares compuestos por cuentas de diferentes dimensiones.

También es sabido que las cuentas grandes de los collares moche no solían llegar hasta la nuca, como se representa en su cerámica y se deduce del limitado número de cuentas excavadas en los entierros.

Para finalizar subrayar que se conoce que los collares compuestos por grandes cuentas de oro o plata eran objetos de prestigio y poder en el antiguo Perú y se han encontrado en múltiples pertenecientes a la élite moche.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 15 de abril de 2025

Beato de El Escorial

El Beato de El Escorial es un manuscrito iluminado datado en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Beato de El Escorial

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste está englobado dentro del arte mozárabe.

Beato de El Escorial

Fue elaborado por el monje español Beato de Liebana (también conocido como san Beato).

Los investigadores piensan que probablemente fue creado en el monasterio de San Millán de la Cogolla, edificado en el municipio de San Millán de la Cogolla.

Situada en la Comarca de Nájera, localizada en la provincia de La Rioja, en la comunidad autónoma de La Rioja (España).

Lo primero que se conoce es que en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) el Beato de El Escorial formaba parte de la colección de arte de la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (también conocida como la Laurentina o la Escurialense), ubicado en el municipio de San Lorenzo de El Escorial, localizado en al comunidad autónoma de la Comunidad de Madrid, en España.

Beato de El Escorial
Beato de El Escorial



Descripción


Se trata de un manuscrito iluminado escrito en tinta roja y negra sobre pergamino.

En la actualidad se conservan un total de 151 folios, con una altura de 335 mm y una anchura de 225 mm.

Beato de El Escorial
Además se encuentra ornamentado con un total de cincuenta y dos miniaturas, de las cuales tan solo veintisiete son las ilustraciones originales.

La imaginería de las iluminaciones proviene de relatos bíblicos, pero lo más destacable de las ilustraciones es que están acompañadas de comentarios que representan el Apocalipsis.

Cabe destacar que el autor consideraba el Apocalipsis era esencial para comprender la Biblia en su conjunto y la primera iluminación representa a Adán y Eva, mientras que la última representa a Daniel.

Las imágenes, junto con el texto se encuentran densamente agrupadas, incluso se puede observar como en varias de las iluminaciones y miniaturas, el texto y las inscripciones en los márgenes se superponen con las propias iluminaciones.

Beato de El Escorial
En algunas páginas los márgenes fuera de las iluminaciones están casi completamente llenos de inscripciones.

Debido a esta superposición entre el texto y las iluminaciones, parte del texto no se puede leer con claridad.

Sin embargo, hay algunos casos en los que el texto no se corresponde necesariamente con las imágenes de las iluminaciones.

Aunque no se comprende del todo la razón, es posible que el texto ya existiera, pero el iluminador no lo leyó. 

Pero también puede ser que el texto y las iluminaciones pudieron haberse producido juntos al mismo tiempo y ésta discrepancia sugiere que el iluminador no fue el escriba.

Es probable que el escriba escribiera las inscripciones en los márgenes para proporcionar un índice del tema adecuado para el iluminador.

Beato de El Escorial
Beato de El Escorial
Beato de El Escorial


Beato de El Escorial
En cuanto al estado de conservación resaltar que en algún momento el Beato de El Escorial fue encuadernado, pero con descuido.

Como resultado se han perdido las páginas iniciales y finales originales y también se han perdido más de una docena de ilustraciones.

Pero aunque se han perdido páginas, el Beato de El Escorial sigue siendo un buen ejemplo de manuscrito iluminado de estilo mozárabe.

Con respecto a la composición resaltar que es ligeramente más pequeño si se compara con otros manuscritos iluminados de la época.

Aparte es uno de los manuscritos más conocidos que utilizan el estilo artístico mozárabe.

Beato de El Escorial
La representación de los pliegues de los ropajes y las vestimentas de forma tubular es casi completamente plana.

También destacan los marcos de las iluminaciones que están profusamente decorados y la obra utiliza colores oscuros en los patrones y fondos amarillos.

Es más enfatizar que posteriormente el Beato de El Escorial influiría en otros estilos artísticos como el arte románico y el arte carolingio.

Para finalizar adjunto un enlace de la página web de la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial en el que se puede leer online el Beato de El Escorial.

Actualmente se encuentra en la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, España.

Beato de El Escorial
Beato de El Escorial
Beato de El Escorial

lunes, 14 de abril de 2025

Máscara Mixteca

La Máscara Mixteca, también conocida como Máscara Ñudzavui, es una máscara datada aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Máscara Mixteca

Lo primero que se conoce es que la máscara llegó a Europa durante el siglo XVI d.C. (período conocido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

También es sabido que formó parte de la colección de arte del coleccionista y aristócrata italiano Cosme I de Médici (duque de la República de Florencia y Gran duque de Toscana).

Hasta que la Máscara Mixteca pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Prehistoria y Etnografía "Luigi Pigorini", ubicado en la ciudad de Roma, en la región del Lacio (Italia).


Descripción

Tiene una altura de 24 cm, una anchura de 15,8 cm y un grosor de 8 cm. 

Está elaborada en turquesa, madera, nácar y concha.

Se trata de una máscara de madera con un rostro enmarcado por las fauces de un yelmo con forma de cabeza de animal que presenta su superficie cubierta por aproximadamente 14.000 teselas de turquesa.

La máscara también presenta incrustaciones de fragmentos de concha spondylus roja y morada, el bivalvo sagrado para los mixtecas que habitaba en las aguas costeras del océano Pacífico, y nácar (madre perla).

Llama la atención los ojos almendrados huecos, la nariz aguileña y el diseño escalonado sobre la boca, que es un tipo de adorno nasal asociado con las diosas mixtecas y que también usaban las mujeres mixtecas de élite.

Cabe destacar que se conoce que las mujeres y las diosas ocupaban un lugar muy destacado en la cultura mixteca. 

Eran gobernadoras importantes por derecho propio, poseían tierras y propiedades y con frecuencia se forjaban alianzas matrimoniales estratégicas para obtener más poder.

Además destacan las dos serpientes entrelazadas que rodean la frente y emergen a ambos lados de la cabeza, probablemente sean una representación de una deidad serpiente de fuego (conocida como xiuhcoatl).

Con respecto a la composición destacar que éste tipo de turquesa era muy apreciado en la sociedad mixteca por sus usos medicinales y se conoce que era utilizada o ingerida por las víctimas de los rayos.

Aparte destacar que la turquesa es mucho más fácil de trabajar que el jade y rápidamente se convirtió en un material predilecto de los artistas mixtecos.

Para finalizar subrayar que la Máscara Mixteca fue prestada desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. al J. Paul Getty Museum (Estados Unidos de América) para ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América). 

También la máscara fue prestada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) pasa ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América) ocurrida entre el 26 de febrero y el 28 de mayo del año 2.018 d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Prehistoria y Etnografía "Luigi Pigorini", Italia.

domingo, 13 de abril de 2025

Džube

El Džube, también conocido como Džube de Prizren, es un abrigo datado aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Džube

Džube

Se conoce que fue elaborada en un taller ubicado en la ciudad de Prizren, en Kosovo.

También es sabido que perteneció a Ljiljana Grkinić.

Cabe destacar que se conoce que el abrigo fue heredado de su madre y traído a Gran Bretaña por la familia al abandonar la antigua Yugoslavia en la década de 1.950 d.C..

Hasta que en el año 2.012 d.C. el Džube fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Džube

Džube


Descripción

Tiene una altura de 111,50 cm.

Se trata de un abrigo largo sin mangas conocido como džube de terciopelo de seda morado oscuro, con corpiño estrecho y falda amplia, decorado integralmente con trenzado y un bordado en hilo metálico dorado y plateado.

Además tiene una banda ancha de trenzado delimita el cuello, las sisas, la abertura delantera y el dobladillo, y en su interior se encuentra una cinta tejida con hilo metálico.

También se puede apreciar un gran y elaborado estampado floral de estilo otomano, bordado en hilo metálico que llena la parte delantera a cada lado, mientras que la espalda está cubierta con tiras alternas de trenzado y cinta, formando franjas horizontales cuando el abrigo se extiende y cuando se cuelga franjas diagonales.

Aparte se encuentra forrado integralmente con algodón a rayas rojas y amarillas, que ha sido tejido comercialmente.

Con respecto a la composición destacar que el diseño se inspira en una gran variedad de fuentes: los intrincados patrones de las vestimentas eclesiásticas, la formalidad de los uniformes militares y la innegable influencia de la estética indumentaria otomana.

Destacando sobretodo los elaborados motivos florales de estilo otomano, meticulosamente aplicados al terciopelo, brillan con un brillo metálico mientras que las bandas horizontales de trenzado y cinta adornan la espalda.

Es más resaltar que éstos detalles no sólo eran estéticos, sino también es una declaración del estatus de quien lo llevaba y el uso de costosos hilos metálicos indicaba riqueza y prestigio.

Para finalizar subrayar que se conoce que el abrigo sin mangas Džube confeccionado en rico terciopelo de seda de color púrpura intenso es un testimonio de la grandeza de la época y la destreza de los artesanos.

Además no es un abrigo cualquiera, es una historia entrelazada con hilos de oro y plata que narra una narrativa de amor y compromiso.

Puesto que se conoce que fue regalado por el novio a su novia, siendo el primer abrazo ocurrido en el lugar de su boda, marcando su transición a la vida matrimonial.

De hecho en el mundo de la indumentaria otomana donde cada hilo cuenta una historia el Džube teje una historia de amor, artesanía y convergencia cultural.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

sábado, 12 de abril de 2025

V-J Day in Times Square

V-J Day in Times Square es una fotografía datada en el 14 de agosto del año 1.945 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

V-J Day in Times Square

Fue tomada por el fotógrafo, fotoperiodista y teórico de la fotografía alemán-estadounidense Alfred Eisenstaedt

La fotografía fue publicada una semana después en la revista Life, entre muchas fotografías de celebraciones en todo Estados Unidos de América que fueron presentadas en una sección de 12 páginas titulada "Victory Celebrations" (Celebraciones de la Victoria).

Cabe destacar que la revista Life fue una revista estadounidense fundada en el año 1.883 d.C. como semanario.

Entre los años 1.883 d.C. y 1.936 d.C. era una publicación de interés general y humor, pero desde el año 1.936 d.C. la revista se relanzó para convertirse en la primera revista estadounidense de noticias íntegramente fotográficas, siendo su última edición en el año 2.007 d.C..

Aparte resaltar que la revista Life señala que la fotografía V-J Day in Times Square fue tomada con un cámara Leica Illa (también conocida como Leica G).


Descripción

Se trata de una fotografía en blanco y negro que retrata a un marinero de los Estados Unidos de América abrazando y besando a una completa desconocida, una enfermera vestida de blanco, el Día de la Victoria sobre Japón el 14 de agosto del año 1.945 d.C..

Cabe enfatizar que la fotografía no muestra claramente el rostro de ninguno de los involucrados y numerosas personas han afirmado ser los sujetos.

En concreto la fotografía fue tomada alrededor de las 5:51 de la tarde, justo al sur de la calle 45, mirando hacia el norte desde un punto donde convergen Broadway y la Séptima Avenida, en Times Square, en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Según las declaraciones desde el punto de vista de Alfred Eisenstaedt, caminaba entre la multitud el Día de la Victoria sobre Japón, buscando fotos de un evento espontáneo ocurrido en Times Square durante la gran expectación pública ante el anuncio del fin de la guerra con Japón (que haría el presidente estadounidense Harry S. Truman a las siete en punto).

Entonces vio a un marinero que se acercaba por la calle, agarrando a todas las mujeres que se encontraba y las besaba a todas. 

También vio a la enferma, de pie entre esa enorme multitud, se concentró en la enfermera y tal como esperaba el marinero se acercó, agarró a la enfermera y se inclinó para besarla.

El contraste entre el vestido blanco de la enfermera y el uniforme oscuro del marinero le da a la fotografía un impacto adicional.

Además resaltar que se tomaron en pocos segundos un total cuatro fotos de la escena, pero solo una es correcta debido al equilibrio. En las demás fotografías el énfasis está mal: el marinero de la izquierda es demasiado bajo o demasiado alto.

Para finalizar subrayar que la fotografía V-J Day in Times Square se convirtió en un ícono cultural de la noche a la mañana y Alfred Eisenstaedt al establecer sus derechos de autor controló cuidadosamente los derechos, permitiendo solo un número limitado de reproducciones que determinaban su uso.

Es más es una de las fotografías más icónicas de la historia, que simboliza la alegría y el alivio tras el fin de la Segunda Guerra Mundial.

Actualmente la fotografía se encuentra la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos de América y en la colección del Museo de Bellas Artes de Houston (Estados Unidos de América).

viernes, 11 de abril de 2025

Tablilla de Escritura Anglosajona

La Tablilla de Escritura Anglosajona es una tablilla datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte anglosajón

Tablilla de Escritura Anglosajona

Tablilla de Escritura Anglosajona

Se conoce que fue hallada en los terrenos del antiguo priorato de Blythburgh, edificado en el pueblo de Blythburgh, ubicado en el distrito de East Suffolk, en el condado de Suffolk (Gran Bretaña).

También es sabido que perteneció a la colección de arte del pintor y dibujante británico John Seymour Lucas.

Hasta que en el año 1.902 d.C. la Tablilla de Escritura Anglosajona fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Tablilla de Escritura Anglosajona

Tablilla de Escritura Anglosajona


Tablilla de Escritura Anglosajona

Tablilla de Escritura Anglosajona

Descripción

Tiene una altura de 9,30 cm y una anchura de 6,40 cm. Está fabricado en hueso de ballena y aleación de cobre.

Se trata de un panel rectangular de hueso de ballena de una tabla de escribir, con un hueco en la parte posterior y dos orificios para correas.

En el anverso se observa como está ornamentado con un diseño de nudo cuatripartito inciso en bajorrelieve dentro de un marco cuadrado y rematado con un quincunce (disposición geométrica de cinco piezas ) de remaches secundarios de aleación de cobre, con un sexto en una de las esquinas del marco.

En el hueco de la parte posterior, que originalmente contenía cera, se encuentran restos de letras rúnicas muy sutilmente incisas, dispuestas en tres líneas a lo largo del eje longitudinal.

Hay un pequeño grupo en el borde, justo junto a la esquina rota, lo que ha sobrevivido parece decir "u n Þ", mientras que el resto de las runas están grabadas en el hueco que contenía la capa de cera.

Sin embargo, aquí la superficie está muy desgastada y picada por lo que las letras rúnicas no son fáciles de distinguir. 

Lo que sí se puede afirmar es que están dispuestas en una serie de filas irregulares, aparentemente sin formar un texto continuo.

De echo algunos investigadores piensan que podrían haber sido formas de letras de prueba sin mucha lógica, siendo la secuencia la siguiente: "o c u a t * * Þ", "l s u n " y "m a m æ m æ m".

Con respecto al estado de conservación se puede apreciar como una de las esquinas de la tablilla se encuentra rota y partes están desgastadas y picadas.

Para finalizar subrayar que la Tablilla de Escritura Anglosajona está claramente relacionadas con las tablillas de escritura romanas tardías y medievales tempranas.

Los huecos se rellenaban con cera y el texto se grababa en ella con un punzón, dejando a veces rastros de la escritura en la madera o el marfil.

Es más los tenues rastros de letras en la Tablilla de Escritura Anglosajona siguen el eje longitudinal, al igual que en las tablillas romanas.

Aunque cabe enfatizar que también se ha sugerido que debido a la calidad decorativa hay una posibilidad de que se trate de los restos de un díptico usado durante la misa de la iglesia medieval temprana.

Sí éste sería el caso, los nombres de aquellos que merecían una conmemoración especial se inscribían en la cera o en otros casos, se escribían los nombres con tinta directamente sobre el marfil para ser leídos durante el canon de la misa. 

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

jueves, 10 de abril de 2025

Botella con Pico de Estribo con Felino

La Botella con Pico de Estribo con Felino es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.100 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Botella con Pico de Estribo con Felino

Botella con Pico de Estribo con Felino

Se conoce que en el año 1.938 d.C. la botella pasó a pertenecer a la colección de arte "Bruno J. Wassermann-San Blas Collection", ubicada en la ciudad de Buenos Aires, en Argentina.

En el año 1.954 d.C. la botella fue comprada por el empresario, inversor y filántropo judío-canadiense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella con Pico de Estribo con Felino fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Pico de Estribo con Felino

Botella con Pico de Estribo con Felino


Descripción

Tiene una altura de 28,6 cm, una anchura de 25,7 cm y un grosor de 13 cm.

Se trata de una botella de cerámica con pico de estribo que presenta la figura de un felino agachado, con las fauces abiertas, encima de una cámara rectangular.

Llama la atención como el animal parece tener un collar delgado alrededor del cuello, lo que sugiere que se trata de un animal cautivo.

Además el recipiente tiene un pico en forma de estribo, puesto que la forma del pico de la botella se asemeja al estribo de la silla de montar de un caballo.

También resaltar que en la unión del pico y el estribo hay una pequeña orejera con la forma de un pequeño mono.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que aunque la Botella con Pico de Estribo con Felino fue realizada en un molde, se encuentra muy bien modeladas con superficies cuidadosamente acabadas que implican una considerable inversión de tiempo y habilidad del artista chimú.

Es más el color negro fue logrado mediante la cocción de la cerámica en condiciones de oxígeno limitado, lo que generó hollín que se adhirió a partes de la superficie del recipiente.

Aparte se conoce que la botella de cerámica fue pulida después de la cocción para producir la superficie negra brillante.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 9 de abril de 2025

Metate con Rostro

El Metate con Rostro es un metate datado aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 200 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Metate con Rostro
Metate con Rostro

Se conoce que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de San Lorenzo.

Ubicado cerca del municipio de Texistepec, localizado en el sureste del estado de Veracruz (también conocido como Veracruz de Ignacio de la Llave), en México.

Poco después de su descubrimiento el Metate con Rostro pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Antropología de Xalapa, situado en la ciudad de Xalapa, en México.

Metate con Rostro
Metate con Rostro


Metate con Rostro





Descripción


Tiene una altura de 14,5 cm, una anchura de 15,7 cm y una longitud de 15,1 cm. 

Está esculpido en piedra, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de un metate fragmentado compuesto por una plancha con forma rectangular de piedra pulida y un poco cóncava en la parte superior y con dos patas situadas en la parte inferior delantera de la base.

Además se puede apreciar como está ornamentado con un rostro humano con rasgos olmecas, sobretodo destacan los ojos rasgados, la nariz ancha y la boca con los labios hacia abajo.

Para finalizar subrayar que se conoce que el Metate con Rostro originalmente fue utilizado para la molienda de granos como los de maíz o los de cacao, incluso pudo haber sido utilizado para la molienta de chiles para mole e incluso arroz.

Aparte destacar que el metate ha sido un instrumento muy importante dentro de la sociedad olmeca y también dentro de las sociedades precolombinas, siendo el medio principal usado para obtener harinas, salsas y molientas de una infinidad de elementos.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, México.

martes, 8 de abril de 2025

Cabeza de una Deidad Masculina

La Cabeza de una Deidad Masculina es una escultura datada aproximadamente entre los años 600 d.C. y 650 d.C., perteneciente al arte tailandés.

Cabeza de una Deidad Masculina

Cabeza de una Deidad Masculina

Se piensa que la escultura procede del yacimiento arqueológico de Si Thep, en la provincia de Phetchabun (Tailandia).

Lo primero que se conoce es que la escultura formó parte de la colección de arte del coleccionista Peter Marks, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.970 d.C. la Cabeza de una Deidad Masculina fue comprada por el Museo de Arte de Cleveland, localizado en la ciudad de Cleveland, situada en el estado de Ohio, en Estados Unidos de América.


Descripción

Tiene una altura de 26,1 cm.

Se trata de una escultura de piedra que representa la cabeza de una figura humana masculina con el cabello peinado en rastas (peinado consistente en enredar el cabello en mechones tubulares) y rasgos juveniles.

En el rostro destacan las cejas marcadas, los ojos rasgados ligeramente hundidos en la piedra, parte de la nariz recta mutilada, los labios carnosos con el labio superior en forma de corazón, el mentón redondeado y las orejas grandes con adornos colgantes.

Para finalizar subrayar que las rastas sugieren que ésta figura se encuentra relacionada con el dios hindú Shiva (dios de la destrucción, la transformación, la creación, el yoga y la danza) y la delicada representación de los rasgos faciales indica que fue tallada durante la fase inicial de la producción de esculturas en piedra en Tailandia.

Es más también destacar que en el sur de la India, una deidad de ésta descripción es venerada como guardián en las afueras de las aldeas, las orillas de estanques y embalses, siendo ésta deidad menor conocida como Aiyanar.

Aiyanar significa "Señor" en idoma tamil (idioma drávidico hablado por el pueblo tamil originario del sur de la India, Sri Lanka y Malasia). 

Por lo que alternativamente ésta figura es un asceta o seguidor del dios Shiva (dios de la destrucción, la transformación, la creación, el yoga y la danza).

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Cleveland, Estados Unidos de América.

lunes, 7 de abril de 2025

Pequeño Panel Mameluco

El Pequeño Panel Mameluco es un panel datado aproximadamente entre los siglos XIV d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte mameluco.

Pequeño Panel Mameluco

Se piensa que fue elaborado en algún taller mameluco ubicado en la ciudad de El Cairo, en Egipto.

Lo primero que se conoce es que el panel perteneció a la colección de arte del comerciante de arte Panayotis Kyticas, localizada en la ciudad de El Cairo (Egipto).

En el año 1.907 d.C. fue adquirido por el arqueólogo y egiptólogo estadounidense Albert Morton Lythgoe.

En ese mismo año, 1.907 d.C., el Pequeño Panel Mameluco fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 8 cm, una anchura de 6,2 cm  y un grosor de 1,2 cm. 

Se trata de un panel fabricado en madera tallada con incrustaciones de marfil tallado y liso y ébano tallado.

En la parte superior del anverso destacan las incrustaciones realizadas en una madera más oscura, zonas tallada con adornos geométricos y zonas talladas lisas, es decir, sin adorno.

Cabe destacar que la madera de tonos oscuros realzan el contraste con la incrustación de marfil, que se encuentra ornamentada con un sencillo zarcillo.

También cabe resaltar la disposición de las tiras lisas de marfil que dan la impresión de una ornamentación con partes de puntas de estrellas entrelazadas.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Pequeño Panel Mameluco probablemente formaba parte de la esquina de un diseño geométrico mayor compuesto por diversas formas, como estrellas, pasadores, elementos poligonales, etc..

Además destacar que éste tipo de ensamblajes eran muy comunes en el Egipto mameluco para muebles de madera, así como en puertas y minbares de mezquitas.

Aparte diseños similares también se pueden observar en otros materiales, como la marquetería de mármol policromado, que se empleaba frecuentemente como revestimiento de suelos o paneles de pared.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 6 de abril de 2025

Quemador de Incienso con Forma de Ganso

El Quemador de Incienso con Forma de Ganso, también conocido como 明初 銅鵝形香薰, es un quemador datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte chino.

Quemador de Incienso con Forma de Ganso

Quemador de Incienso con Forma de Ganso

En concreto el Quemador de Incienso con Forma de Ganso fue elaborado durante la dinastía Ming (período de la historia de China comprendido entre los años 1.368 d.C. y 1.644 d.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de un coleccionista privado afincado en el estado de California (Estados Unidos de América).

El 16 de septiembre del año 2.013 d.C. el quemador fue vendido en la subasta de Nueva York (Estados Unidos de América) "Chinese Art from the Scholar's Studio" (Arte chino del estudio del erudito).

Siendo adquirido por la galería de arte "J. J. Lally & Co. ", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América). 

Hasta que en el año 2.020 d.C. el Quemador de Incienso con Forma de Ganso fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 36,8 cm y una anchura de 47,6 cm.

Se trata de un quemador de incienso de aleación de cobre utilizado para el sahumerio del incienso, presenta una base con forma de flor que tiene un borde exterior formado por los pétalos dispuestos uno al lado de otro concéntricamente.

Además en el borde del centro de la base hay una filigrana granulada y se puede observar como la parte superior está decorado con pequeñas protuberancias.

Sobre la base está representada la figura de un ganso sentado sobre sus patas palmeadas, el cuello largo y grácil se encuentra representado estirado acabado en el pico que está abierto.

Sobretodo llama la atención como el quemador está ingeniosamente diseñado para que el fragante incienso se exhale desde el pico abierto del ganso.

También destaca como múltiples tipos de líneas incisas delinean el plumaje y la cola del ganso enfatizando la maestría del artista en el grabado y en los detalles anatómicos.

Es más con respecto a la composición resaltar como el quemador de incienso combina ingeniosamente naturalismo, detalles ornamentales y una apreciación histórica a través de su referencia a los quemadores de incienso con forma de pájaro que existen en China desde la dinastía Han (período de la historia China comprendido entre los años 206 a.C. y 220 d.C.).

Para finalizar subrayar que el Quemador de Incienso con Forma de Ganso refleja la cuidadosa escultura y los meticulosos detalles anatómicos que demuestran el nuevo gusto y los altos estándares de la corte imperial Ming.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 5 de abril de 2025

Moai Tukuturi

El Moai Tukuturi es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Moai Tukuturi

Moai Tukuturi

Moai Tukuturi

Fue hallado en el año 1.956 d.C. por el aventurero y etnógrafo noruego Thor Heyerdahl.

En una de las laderas cel cráter volcánico de Rano Raraku (también conocido como Silla de San Carlos), ubicado en la isla de Pascua.

Moai Tukuturi

Moai Tukuturi

Descripción

Tiene una altura de 3,70 metros y pesa aproximadamente 10 toneladas.

Está fabricado en toba lapilli, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un moai, es decir, es una escultura monolítica humanoide que representa una figura femenina representada en posición arrodillada con las piernas dobladas hacia atrás y con sus nalgas descansando sobre los talones.

También se puede apreciar como la cabeza redondeada está ligeramente elevada hacia el cielo, con los ojos tallados mirando hacia el frente y la barbilla prominente.

Además se puede apreciar como las manos aparecen colocadas sobre los muslos, siendo ésta postura muy usada en Polinesia para mostrar reverencia.

Para finalizar subrayar que de entre todos las esculturas moai que han llegado hasta la actualidad el Moai Tukuturi es el más antiguo y el único que está colocado mirando hacia el cráter del volcán Rano Raraku, puesto que el resto de esculturas moai encontradas están colocadas dando la espalda al volcán.

Actualmente se encuentra en su ubicación original, en una de las laderas del volcán Rano Raraku, en la Isla de Pascua.

Fragmento de Túnica Wari

El Fragmento de Túnica Wari es un fragmento de túnica datada aproximadamente entre los siglos VII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre ...