Giboshi

El giboshi o gibōshi, también conocido como 擬宝珠, ぎぼし o ぎぼうしゅ, es un ornamento arquitectónico consistente en una joya con forma de una flor de una cebolla verde.

giboshi
(Castillo Nijō de Kyōto Puente Higashi)

giboshi
(Puente Sanjo
 Ohashi, Kyōto)

giboshi
(Santuario Kobe
Minatogawa)

Los giboshis (擬宝珠) están unidos a los pilares principales (pilares principales alineados en ambos extremos y a intervalos regúlales) que se denominan bōshubashira "宝珠柱" (ぼうしゅばしら).  

Cabe resaltar que si el pilar principal es de madera, el giboshi suele ser de metal como cobre o bronce y también sirven para evitar que la madera se corroa debido sobretodo al agua de lluvia.

giboshi
(Templo Nara Yata)

Mientras que si el pilar principal es de piedra, el giboshi de imitación también podrá ser de piedra.

En casos raros todos los giboshi están fabricados en madera, aunque también se han hallado giboshi más antiguos fabricados con azulejos.

Aparte resaltar que es inusual, pero se puede apreciar éste ornamento en la punta de una pagoda budista, como una pagoda de cinco pisos.

Cabe destacar que existen diversas teorías sobre su origen, siendo una de ellas la que la forma provienen de la imitación de las joyas budistas.

Se dice que el giboshi tiene la forma de la urna de las cenizas de Buda (urna sari), o se dice que es una cuenta que salió de la cabeza del dios dragón y es sobre lo que descansan estatuas budistas como la del "Bodhisattva Jizo" en la palma de sus manos.

Otra teoría es que en la antigüedad se creía que el olor único de las cebollas verdes era un talismán contra los espíritus malignos, llegando a usarse como referencia a ese poder. 

Esto también explicaría porque el giboshi se utiliza en otros ámbitos además de la arquitectura budistas, como puentes y santuarios.

giboshi
(Santuario Mie Ise Ujibashi)

giboshi
(Santuario de Ishiza
en Kyōto Junisho Myojin)

giboshi
(Pilar principal
del Kyobashi de Tokyō)

Para finalizar subrayar que el giboshi es un ornamento tradicional en el arte chino, se pueden ver antiguos ejemplos de éste tipo de ornamento en las piedras imagen de la dinastía Han y en las pinturas murales de Dunhuang.

Siendo también un ornamento arquitectónico propio del arte japonés. El giboshi se coloca en los pilares de los puentes, santuarios, escaleras de templos y barandillas situadas en los bordes de los santuarios.

Además llama la atención como en ocasiones está grabado el origen de las joyas del puente, siendo el puente más antiguo existente con una inscripción es el que permanece parcialmente en el Puente Sanjo Ohashi, localizado en la ciudad Kyōto.

Aparte como curiosidad destacar que los únicos puentes en Edo (la actual ciudad de Tokyo (東京都)) que tenían giboshi eran: Nihonbashi (distrito de Chuo), Kyobashi (distrito de Chuo) y Shinbashi (distrito de Minato).

Retrato en Mármol de Matidia la Menor

El Retrato en Mármol de Matidia la Menor es una escultura datada aproximadamente entre los años 138 d.C. y 161 d.C., perteneciente al arte romano.

Retrato en Mármol de Matidia la Menor

Retrato en Mármol
de Matidia la Menor

Retrato en Mármol
de Matidia la Menor

Cabe destacar que en concreto fue esculpida durante la dinastía Antonina (casa reinante en el Imperio Romano entre los años 96 d.C. y 192 d.C., por lo que reinó por un total de 96 años siendo la dinastía más longeva).

Lo primero que se conoce es que pertenecía a la colección del marchante de arte italiano Alfredo Barsanti, ubicada en la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.921 d.C. el Retrato de Mármol de Matidia la Menor fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Retrato en Mármol de Matidia la Menor

Retrato en Mármol de Matidia la Menor

Descripción

Tiene una altura de 37,5 cm. 

Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, tallado, grabado y pulido.

Se trata de una escultura de mármol que representa la cabeza idealizada y juvenil de la dama romana Matidia la Menor (también conocida como Mindia Matidia).

En el rostro destacan los ojos almendrados finamente delineados, con la mirada hacia arriba, la nariz recta, parcialmente mutilada, los labios carnosos y el mentón redondeado.

El cabello largo ondulado está peinado en un complejo recogido que incluye un peluquín en forma de trenzas enrolladas en la parte superior de la cabeza.

Con respecto a la composición destacar que la mirada hacia arriba es una característica de muchos retratos, de personas pertenecientes a la familia imperial, a partir del período antoniano (período comprendido entre los años 96 d.C. y 192 d.C.).

Para finalizar subrayar que se conoce que el Retrato en Mármol de Matidia la Menor originalmente perteneció a una estatua de retrato honorífica de Matidia la Menor (también conocida como Mindia Matidia), quién vivió entre los años 85 d.C. y 162 d.C., era medio hermana de la emperatriz romana Vibia Sabina, esposa del emperador romano Publio Elio Adriano (también conocido como Adriano) y tía del emperador romano Tito Aurelio Fulvo Boyonio Antonino (también llamado Antonino Pío).

Además cabe destacar que en la actualidad existen otras cinco réplicas de éste tipo de retrato, reconocidas por una Estatua de Matidia la Menor descubierta recientemente en el teatro romano del municipio Sessa Aurunca, localizado en la región de Campania (Italia), de la que fue una importante benefactora.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Femenina Tripartita

La Figura Femenina Tripartita es una escultura datada aproximadamente entre los años 5.300 a.C. y 3.200 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte cicládico.

Figura Femenina Tripartita

Figura Femenina Tripartita

Figura Femenina Tripartita

Se conoce que formaba parte de la colección de arte de la galería "Michael Ward Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.993 d.C. la Figura Femenina Tripartita fue comprada por el empresario y filántropo multimillonario estadounidense Leonard Norman Stern, pasando a formar parte de su colección de arte "Leonard N. Stern Collection".

Entre los años 2.024 d.C. y 2.034 d.C. la escultura ha sido traslada a Grecia, para ser cedida para su exposición en el Museo de Arte Cicládico (también denominado Museo Goulandris de Arte Cicládico), ubicado en la ciudad de Atenas, en Grecia.

Figura Femenina Tripartita

Descripción

Tiene una altura de 9,7 cm y una anchura de 22 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura que representa una figura femenina de pie, tripartita y de mármol blanco que está completa con roturas reparadas y pérdidas que han sido restauradas.

Destaca como tiene una cabeza similar a la de un pájaro, un cuello largo casi cónico y su cuerpo se compone de dos partes trabajadas de forma diferente: un torso superior delgado y una parte inferior voluminosa y casi cilíndrica.

Los hombros puntiagudos y curvados se unen a dos brazos curvilíneos y planos para formar un círculo separado del torso por huecos casi circulares, que parecen encontrarse en un área engrosada en la parte inferior del vientre plano.

Además se puede observar un surco vertical profundo en el medio del pecho que delinea las dos formas ovaladas en altorelieve que representan los senos.

La parte inferior de la figura es gruesa, elipsoidal y redondeada, con una larga incisión vertical que delinea las dos piernas y una línea horizontal que la atraviesa indicando las rodillas.

Aparte en la parte posterior se puede observar un volumen especialmente redondeado, en la parte superior de la parte inferior más gruesa describe las nalgas y una profunda incisión vertical divide las piernas.

Con respecto a la composición destacar que la superficie de la figura está cubierta por una fina capa de color marrón rojizo en la parte delantera y una capa más gruesa de color beige en la parte trasera.

En cuanto al estado de conservación resaltar que la superficie de la escultura se encuentra bastante erosionada, con restos dispersos de adhesivos y abrasiones en la nariz, las mejillas, los brazos, la cintura y la espalda. 

También presenta una rotura horizontal reparada en la cintura y los brazos, y las pérdidas y reparaciones asociadas en ambos brazos son visibles bajo iluminación ultravioleta y en imágenes de "rayos X", siendo las reparaciones en la unión de los brazos con los hombros las menos fáciles de distinguir. 

Para finalizar subrayar que las grietas en el material de relleno en la parte posterior del brazo izquierdo indican que ésta zona es bastante frágil y las partículas de hematita, carbón negro y otros silicatos, probablemente están asociados con el entorno de un entierro, estando presente en la superficie de la figura e incrustadas en la capa, mientras que numerosas partículas de color azul y rojo brillante esparcidas en la superficie han sido identificadas como pigmentos sintéticos e interpretadas como contaminaciones modernas.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Cicládico, Grecia.

Placa Caligráfica Safávida

La Placa Caligráfica Safávida es una placa datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte safávida.

Placa Caligráfica Safávida

Placa Caligráfica Safávida

En el año 1.900 d.C. la placa fue adquirida por el oficial del ejército británico inglés Sir Percival Scrope Marling (tercer Baronet Marling).

Por descendencia pasó a ser propiedad de Sir John Stanley Vicent Marling (cuarto Baronet Marling) y Sir Charles William Somerset Marling (quinto Baronet Marling).

Hasta que en el año 1.987 d.C. la Placa Caligráfica Safávida fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Placa Caligráfica Safávida

Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm y una anchura de 38,1 cm.

Se trata de una placa de acero forjado y perforado con forma de cartucho que fue creada a partir de una única lámina de acero sólido, cuyo borde ancho y plano encierra un hemistiquio (misra') de un poema árabe identificado como una versificación del Chahardah Ma'sum.

Escrito en alabanza de los Catorce Infalibles, entre ellos Fátima, 'Ali y los doce imanes chiítas (los sucesores espirituales y políticos de Mahoma).

La inscripción caligráfica en árabe, en escritura thuluth (escritura cursiva grande y elegante), suspendida en un enrejado de arabescos calados es la siguiente:

"و بزهراء بتول و باُم ولدتها"

Cabe destacar que la inscripción es la tercera misra' del poema, que se refiere a Fátima, la hija del profeta Mahoma, y a su esposa Khadija, madre de Fátima.

Para finalizar subrayar la Placa Caligráfica Safávida originalmente formaba parte de un conjunto  epigráfico más grande, pertenece a un grupo de ocho placa relacionadas, que cumplían una función tanto decorativa como invocadora y a menudo adornaban las puertas de santuarios, mezquitas y escuelas teológicas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cubo de Terracota Micénico

El Cubo de Terracota Micénico es un cubo datada aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.190 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Cubo de Terracota Micénico

Fue elaborado durante el período Heládico Reciente III (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.100 a.C.).

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Zygouries, situado cerca del municipio de Corintio, en Grecia.

Lo siguiente conocido es que en el año 1.927 d.C. el Cubo de Terracota Micénico fue donado por el gobierno griego al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una longitud de 16,3 cm.

Se trata de un cubo de terracota, un cuenco poco profundo, con una pequeña base, con una sola asa y un lado doblado hacia adentro y hacia arriba.

Con respecto al estado de conservación resaltar que que uno de los bordes del cuerpo del cuenco se habría fragmentado y ha sido reparado durante una restauración moderna.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente el Cubo de Terracota Micénico podría haber utensilio de cocina y probablemente se utilizaba para quemar carbón, siendo el lado alto junto al asa el que protegería la mano del carbón encendido.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas

La Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas es una placa datada aproximadamente entre los años 1.000 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte medieval.

Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas

En concreto está englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Se conoce que fue elaborada en un taller ubicado en la ciudad de Colonia, situada en el estado de Renania del Norte-Westfalia, en Alemania. 

Perteneció al bibliotecario y coleccionista de libros alemán Carl Wilhelm Zeisberg (también conocido como Karl Zeisberg).

En el año 1.850 d.C. la Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas pasó a ser propiedad de sus herederos.

En el año 1.857 d.C. la placa pasó a formar parte de la colección de arte de la casa Stolberg-Wernigerode, formando parte de la colección ubicada en la Biblioteca Príncipe de Stolberg-Wernigerode, ubicada en el municipio de Hirzenhain, situado en el estado de Hesse, en Alemania.

En el año 1.930 d.C. la placa fue comprada por el banquero y coleccionista alemán George Blumenthal y, su esposa, la filántropa estadounidense Florence Meyer Blumenthal.

Pasando a formar parte de la colección de arte "George y Florence Blumenthal", ubicada en las ciudades de Nueva York (Estados Unidos de América) y de París (Francia).

Hasta que en el año 1.941 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas

Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas

Descripción

Tiene una altura de 36,2 cm y una anchura de 26,7 cm. 

Se trata de una placa de marfil con forma rectangular compuesta por tres placas pequeñas placas rectangulares unidas entre sí, que presentan en el anverso una escena tallada.

En el centro aparece representado Cristo en posición sedente, entronizado dentro de una mandorla y en posición frontal. La mano derecha se encuentra representada levantada, mientras que con la mano izquierda sostiene un libro apoyado en su rodilla izquierda.

Alrededor de la mandorla, en las cuatro esquinas, aparecen representados los cuatro evangelistas (Mateo, Marcos, Lucas y Juan) escribiendo sus Evangelios con la ayuda de sus símbolos característicos (el ángel, el buey, el león y el águila).

Sobretodo llama la atención la representación del buey de San Lucas que literalmente está representado abriendo los ojos para recibir la inspiración divina. 

Aparte también destaca la representación del león de San Marcos que parece que se encuentra representado hablando al autor.

También se puede apreciar como hay una inscripción ubicada debajo del frontispicio, pero es ilegible y aún está sin descifrar.

Para finalizar subrayar que se piensa que originalmente la Placa con Cristo en Majestad y los Cuatro Evangelistas estaba colocada en la tapa de un evangeliario (libro sagrado) otoniano.

En la actualidad la placa decorara la tapa de un leccionario evangélico datado a finales del siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bobèche de Myer Myers

El Bobèche de Myer Myers es un bobèche datado aproximadamente entre los años 1.755 d.C. y 1.760 d.C., perteneciente al arte rococó.

Bobèche de Myer Myers

Fue realizado por el orfebre y platero judío-estadounidense de origen asquenazí (judíos que se asentaron en la Europa Cental y Oriental) Myer Myers.

En su taller ubicado en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos de América.

Se conoce que perteneció a la colección de Charles Andrew Golden.

Ubicada en el pueblo de Meggett, localizado en el condado de Charleston, en el estado de Carolina del Sur (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.977 d.C. el Bobèche de Myer Myers fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Se trata de un bobèche, es decir, un ornamento, dispositivo o elemento ornamental con forma de plato con ondas pronunciadas, decorado en las esquinas con pequeñas palmetas en relieve.

Además también tiene una boquilla hueca y cónica, unida a la parte inferior del plato que es utilizada para encajar el bobèche a un candelabro.

También se puede apreciar como se encuentra marcado en la parte superior de la boquilla, se observa como en un rectángulo está grabado "MM".

Aparte resaltar que el bobèche es una pieza extraíble para facilitar su limpieza y es utilizado para atrapar la cera de las velas.

Como curiosidad resaltar que se conoce que sólo los estadounidenses más prósperos podían permitirse bobèches de plata incrustados en candelabros de plata, como el Bobèche de Myer Myers, que parecen haber sido fundidos a partir de un modelo inglés.

Para finalizar subrayar que el Bobèche de Myer Myers coincide con la parte superior del Candelero de Myer Myers, por lo que originalmente se encontraría incrustado en el candelero, ambos elaborados por el orfebre y platero judío-estadounidense de origen asquenazí Myer Myers.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cetro Lambayeque

El Cetro Lambayeque es un cetro datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.300 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayeque o arte sicán.

Cetro Lambayeque

Cetro Lambayeque

Fue hallado en octubre del año 2.011 d.C. durante las excavaciones realizadas en el interior de la tumba de la señora de Chornancap (también conocida como sacerdotisa de Chornacap).

La tumba está localizada en el complejo arqueológico de Chotuna-Chornancap, situado en el distrito de Lambayeque, en el departamento de Lambayeque, en el norte de Perú.

Poco después de su descubrimiento el Cetro Lambayeque pasó a formar parte de la colección de arte de Museo Arqueológico Nacional Brüning, situado en la ciudad de Lambayeque, en el departamento de Lambayeque (Perú).

Descripción

Tiene una altura de 23,8 cm y una anchura de 6,4 cm. 

Se trata de un cetro de oro que presenta un mango delgado con forma de espátula y en la parte superior hay representada una figura erguida en una plataforma rectangular y dentro de un templo.

La figura se encuentra ataviada con una camisa con ribete de flecos y un tocado con forma trapezoidal con estrías que representan plumas.

Además se puede apreciar como hay un elemento en forma de "U" con cuatro cabezas zoomorfas que rodea los lados y la parte inferior del rostro de la figura.

También cabe resaltar que el cetro fue hallado cerca de la mano izquierda de la sacerdotisa de Chornancap, posiblemente siendo un signo distintivo del alto rango que habría tenido en la sociedad lambayeque.

Con respecto a la composición resaltar que el cetro con forma de templo no es sólo un motivo representado en el arte lambayeque, sino que también se remite a la época moche, que existió varios cientos de años antes en la costa norte de Perú.

Para finalizar subrayar que desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. fue expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", ocurrida en el Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América).

También destacar que el Cetro Lambayeque fue prestado desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), para ser expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas".

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional Brüning, Perú.

Vinagrera de Myer Myers

La Vinagrera de Myer Myers es una vinagrera datada aproximadamente entre los años 1.765 d.C. y 1.776 d.C., perteneciente al arte rococó.

Vinagrera de Myer Myers

Fue fabricada por el platero judío-estadounidense de origen asquenazí (nombre dado a los judíos que se asentaron en la Europa Oriental y en la Europa Central) Myer Myers.

En su taller ubicado en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos de América.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del estadounidense William Ludlow.

Por herencia pasó a ser propiedad del coleccionista de arte estadounidense Maurice Pelham VanBuren.

En el año 1.963 d.C. la vinagrera fue comprada por la casa de subastas y tasadores de bellas artes, joyas, muebles, decoraciones, obras de arte asiáticas, monedas, sellos, libros raros, etc., "DOYLE", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 22 de abril del año 1.987 d.C. fue subastada en el "lote 376", siendo adquirida por el coleccionista y empresario estadounidense S. Dean Levy.

Hasta que en el año 1.987 d.C. la Vinagrera de Myer Myers fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vinagrera de Myer Myers
(detalle)

Vinagrera de Myer Myers
(detalle)

Descripción

Tiene una altura de 23,3 cm, una anchura de 21,9 cm, un diámetro de 21,9 cm y un peso de 705 g.

Se trata de una vinagrera de plata equipada con un asa central calada, patas en forma de concha y un cartucho asimétrico para un monograma grabado con escudo de armas o escritura.

Además destacar que la mayoría de las vinagreras de plata que se utilizaban en Estados Unidos de América se importaban de Gran Bretaña y se encontraban equipadas como la Vinagrera de Myer Myers.

También se puede apreciar como la vinagrera está marcada dos veces en el mango moldeado y una vez en la placa base con la inscripción: "Myers".

Para finalizar subrayar que que la Vinagrera de Myer Myers servía para colocar los recipientes para condimentos en la mesa.

Aparte es conocido que el azúcar, la pimienta y otras especias se servían en vasijas de plata y el aceite y el vinagre en vinajeras de cristal.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Alabarda Barroca

La Alabarda Barroca es una alabarda datada aproximadamente entre los años 1.601 d.C. y 1.630 d.C., perteneciente al arte barroco.

Alabarda Barroca

Alabarda Barroca

Perteneció a la colección de arte del coleccionista de armas y armaduras europeas William Henry Riggs, ubicada en la ciudad de Paris (Francia).

Hasta que en el año 1.913 d.C. la Alabarda Barroca fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una longitud de 228,6 cm, el largo de la cabeza es de 46 cm, la anchura es de 16 cm y un peso de 1.720,8 g. Está fabricada en acero, madera, pigmento, hierro y aleación de cobre.

Se trata de una alabarda que presenta el cuerpo de la cabeza perforado de manera elaborada, está ornamentada con volutas florales simétricas, con una flor de lis en el centro y en un lado tiene una hoja de hacha cóncava grabada con una luna creciente, mientras que en el lado opuesto hay un pico pronunciadamente curvado hacia abajo.

Una hoja de lanza estrecha está unida en el ápice mediante molduras de anillo, el anillo central con incrustaciones de latón, también está grabado con volutas de hojas.

El casquillo tubular está unido a la hoja mediante molduras de anillo, dos cerca del extremo superior, una en la base, se puede apreciar como los dos anillos más grandes tienen incrustaciones de latón.

Aparte el mango de madera está tachonado con clavos y pintado de negro en su totalidad, terminando en un cono de hierro.

Con respecto a la composición resaltar que las pesadas volutas foliadas que decoran la alabarda, junto con la correa foliada en la hoja de la lanza reflejan el gusto barroco del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Para finalizar subrayar que la robusta alabarda de combate de los suizos se transformó en toda Europa en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) en el arma ceremonial de los guardias de palacio.

En el siglo XVII (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) había sido adoptada por los militares como un arma simbólica de rango para los sargentos, por lo que se piensa que la originalmente la Alabarda Barroca podría haber sido llevada por un sargento, pero la calidad de su diseño delicadamente perforado y grabado sugiere que era una pieza especialmente hecha para un uso militar común.

Además es conocido que las alabardas decorativamente perforadas y grabadas también fueron llevadas por suboficiales en la América colonial, y las alabardas de fabricación estadounidense fueron copiadas de ejemplos europeos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Avalokiteshvara de Pie

El Avalokiteshvara de Pie es una escultura datada aproximadamente entre los siglos VIII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Avalokiteshvara de Pie

Avalokiteshvara de Pie

Cabe destacar que la procedencia de la escultura es desconocida.

Siendo lo primero que se conoce es que apareció en el año 1.990 d.C. en el catálogo de subasta de la casa de subastas "Hapsburg Feldman S.A.", ubicada en la ciudad de Ginebra (Suiza).

El 14 de mayo del año 1.990 d.C. la escultura fue subastada y comprada por los coleccionistas de arte Jonathan Rosen y Jeannette Rosen.

Pasando a forma parte de su colección de arte: "Collection of Jonathon Rosen", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 2.015 d.C. el Avalokiteshvara de Pie fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 19,7 cm, una anchura de 5,1 cm y una profundidad de 2,5 cm.

Se trata de una escultura de oro que representa la figura de Avalokiteshvara, es decir, el bodhisattva de la compasión, en posición de pie, descalzo y con la piel de un ciervo sobre el hombro izquierdo (una de las características de éste bodhisattva).

Destaca como en la parte superior de la cabeza lleva el Jaṭāmukuṭa (ಜಟಾಮುಕುಟ), una especie de tocado o peinado, compuesto por una base más ancha y estrechándose en la parte superior, similar a un moño de cabello.

También resalta como el cuerpo delgado y alargado, junto con la ropa sobria son consistentes con la producción de Si thep.

Aparte cabe destacar que el parque histórico Si Thep es un yacimiento arqueológico ubicado en la provincia de Phetchabun, en el norte de Tailandia.

Con respecto a la composición destacar que la escultura es una rara representación de escultura repujada en oro de Avalokiteshvara, que se fabricó a partir de muchas piezas de oro trabajado y ensamblado.

Para finalizar subrayar que el Avalokiteshvara es un bodhisattva que ofrecía compasión y protección a los devotos.

Además el mantra de seis sílabas del bodhisattva de la compasión, Avalokiteshvara, es Om mani padme hum (en sánscrito ॐ मणिपद्मे हूँ, oṃ maṇipadme hūṃ) y está considerado uno de los mantra más famosos del budismo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

Cuenta con Forma de Cabeza de Felino

La Cuenta con Forma de Cabeza de Felino es una cuenta datada aproximadamente entre los años 625 d.C. y 645 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Cuenta con Forma de Cabeza de Felino

Fue hallada en julio del año 1.987 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por la antropóloga peruana Susana Meneses, el arqueólogo peruano Walter Alva Alva y el arqueólogo peruano Luis Enrique Chero Zurita.

En el interior de una de las Tumbas Reales de Sipán, localizadas en el centro del complejo arqueológico de Sipán (también conocido como Huaca Rajada).

Ubicado en la ciudad de Chiclayo, situada en el departamento de Lambayeque, en Perú.

En el año 2.002 d.C. la Cuenta con Forma de Cabeza de Felino pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Tumbas Reales de Sipán, ubicado en la ciudad de Lambayeque (Perú).

Descripción

Tiene un diámetro máximo de 15,6 cm y el diámetro más pequeño tiene 8,6 cm. Está fabricada en cobre dorado e incrustación de concha de Spondylus.

Se trata de una cuenta con forma redonda y hueca, que presenta el anverso decorado con forma de cabeza de felino, destaca como el rostro elegantemente representado tiene una nariz rectangular, fosas nasales en espiral, ojos en forma de lágrima y unas fauces con dientes fabricados en concha de spondylus incrustada.

Con respecto a la composición resaltar que el artista moche trabajó dos piezas de lámina de metal de cobre dorado para formar la cabeza de felino y después las unió en los bordes mediante la técnica de soldadura.

Además cabe resaltar que los investigadores consideran que la Cuenta con Forma de Cabeza de Felino forma parte de un conjunto de quizás diez cuentas que formaban parte de un collar utilizado por un individuo de alto rango dentro de la sociedad moche.

Para finalizar subrayar que la cuenta fue prestada del 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. al Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América), para ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas".

También la Cuenta con Forma de Cabeza de Felino fue expuesta desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Tumbas Reales de Sipán, Perú.

Duein Fubara

El Duein Fubara es un santuario datado aproximadamente entre los años 1.850 d.C. y 1.900 d.C., perteneciente al arte africano.

Duein Fubara

Duein Fubara

Fue fabricada por los kalabari (subgrupo del pueblo ljaw), que viven en la región oriental del delta del río Níger, en Nigeria.

En el año 1.916 d.C. fue adquirido por el antropológo, escritor, coleccionista y botánico británico Percy Amaury Talbot.

Quién lo salvo de la destrucción iconoclasta de las "reliquias paganas" incentivado por Elijah II y sus seguidores.

Hasta que en el año 1.940 d.C. el Duein Fubara fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Duein Fubara

Descripción

Tiene una altura de 127 cm, una anchura de 93 cm y una profundidad de 39 cm. 

Está fabricado en madera, pigmento, fibra, tela y caña, mediante las técnicas de incisión, tallado y pintado.

Se trata de un santuario policromado, conocido como duein fubara, compuesto por una pantalla de caña en un marco de madera, en total contiene tres figuras de madera, de las cuales dos sostienen armas.

Sobretodo resalta como el tamaño de la cabeza de la figura principal, situada en el medio, está muy exagerado y junto con el tocado en la cabeza sobresale por encima de la parte superior del marco.

Además se aprecia como hay cuatro cabezas humanas de madera adicionales insertadas en la parte superior de la pantalla de caña.

También se puede apreciar como la pantalla de caña se encuentra ornamentada con diferentes motivos geométricos policromados, resaltando los motivos en color blanco que resaltan por encima del color de la madera.

Cabe destacar que dentro de la sociedad kalabari, el Duein Fubara es un biombo de altar ancestral o conmemorativo realizado para conmemorar al líder de una casa comercial después de su muerte.

Con respecto a la composición resaltar que los kalabari teninen en alta estima la madera, siendo utilizada como el material de construcción principal.

Además se tiene la creencia de que a través de la madera utilizada en la construcción, el poder de éstos individuos fallecidos o legendarios se podía recuperar y utilizar en acciones económicas o políticas.

Por lo que se considera que el poder del líder al que se construyó para conmemorar reside en la madera de la obra de arte.

Aparte de que tiene un significado similar al representar la comunicación con los difuntos, actuando como un portal a otro mundo, tendiendo un puente entre los vivos y los muertos.

Para finalizar subrayar que según la obra literaria "Tribes of the Niger Delta, their religions and customs" ("Tribus del delta del Níger, sus religiones y costumbre"), publicado en el año 1.967 d.C. por antropológo, escritor, coleccionista y botánico británico Percy Amaury Talbot.

Cuando todo está listo, los parientes envían a la isla de Fouché y encargan que un miembro de la familia Pokia, a la que se confía el privilegio de proporcionar éstos santuarios tallados, haga una imagen tallada del difundo.

Tan pronto como se recibe la noticia de que el santuario tallado está terminado, se hacen los preparativos para su recepción. 

Una canoa, tripulada por parientes, se pone en marcha en secreto y se transporta desde la isla Fouché a uno de los complejos de la ciudad natal, que puede que sea propiedad de un miembro de la familia en duelo.

Cabe destacar que ésto suele hacerse de noche, pero si se realiza de día, el santuario tallado debe cubrirse cuidadosamente para que pase desapercibida.

Al cuarto día de su llegada, los parientes van a dónde se ha depositado el santuario tallado armados como para una batalla y seguidos por las mujeres de la casa, gritando y cantando.

Entonces se lleva a cabo una lucha mímica con la gente del recinto dónde se ha buscado refugio, después de lo cual el santuario tallado es llevado triunfante por los familiares y colocados en un santuario, con forma de cenador conocido como Arua, preparado para su recepción.

Luego se realiza una gran fiesta para celebrar el regreso a casa, mientras la familia canta que ha traído a su familiar de regreso a salvo de quienes lo habían hecho prisionero.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Figura Masculina de Bronce

La Figura Masculina de Bronce es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.200 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte minoico.

Figura Masculina de Bronce

Fue fabricada durante el período Minoico Tardío III (período comprendido entre los años 1.420 a.C. y 1.075 a.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte del arqueólogo y escritor Richard Berry Seager.

Hasta que en el año 1.926 d.C. la Figura Masculina de Bronce fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 5,4 cm. 

Está fabricada en bronce, mediante las técnicas de fundición, grabado e incisión.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura esquemática de un hombre en posición de pie con los brazos extirados hacia delante y con la palma derecha abierta.

En el rostro alargado destacan los ojos, la nariz y la boca toscamente incisos, también se puede observar como el cabello largo está peinado en un recogido en dos mechones que le caen por los hombros enmarcando el rostro y dejando entrever las orejas.

Tanto el cuello alargado y robusto, como la cabeza son de un tamaño un poco desproporcionado al tamaño del cuerpo, aparte en la cintura lleva un cinturón grueso y la musculatura y el pecho se encuentra muy definidos.

Con respecto al estado de conservación destacar que la escultura se encuentra en muy mal estado, parte del bronce se ha corroído, le falta parte del brazo izquierdo y la mano izquierda está perdida.

También tiene una brecha en la parte superior de la cabeza y la escultura está cortada a la altura de los muslos, por lo que originalmente podría haber tenido un tamaño mayor.

Para finalizar subrayar que se conoce que los minoicos a menudo depositaban pequeños objetos de arcilla, piedra y metal, como la Figura Masculina de Bronce, en lugares sagrados, sobretodo cuevas y santuarios en las cimas de las montañas, como dedicatorias votivas a una deidad.

La práctica, una característica, tanto antigua como de religiones modernas, se basaba en la creencia de que uno podía comunicarse con lo divino a través de regalos simbólicos, ya sea con la esperanza de que el dios o la diosa concediera una petición o como agradecimiento por un resultado favorable.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dado Sasánida

El Dado Sasánida es un dado datado aproximadamente entre los siglos III d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Dado Sasánida

Dado Sasánida

Fue hallado en el año 1.935 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas bajo la dirección de los arqueólogos J.M. Upton, W. Hauser y C.K. Wilkinson en nombre de la expedición: "The Persian Expidition of the Metropolitan Museum of Art".

En la pequeña ciudad y fortaleza de Qasr-i Abu Nasr, localizada cerca de la ciudad de Shiraz, situada en la provincia de Fars, en el sur de Irán.

Cabe destacar que en la antigüedad la ciudad y fortaleza estaba edificada en un punto estratégico en la intersección de montañas defensivas, fuentes de agua disponibles y a lo largo de caminos que ingresan a la llanura de Shiraz.

En el año 1.936 d.C. el Dado Sasánida fue cedido, en la división de hallazgos, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 1,6 cm, una anchura de 1,6 cm y un grosor de 1,6 cm.

Se trata de un dado cúbico de cerámica, es decir, un poliedro limitado por seis caras cuadradas congruentes y cuyas caras se encuentran numeradas mediante disposiciones de puntos del número uno al seis.

La numeración de los lados opuestos (1-6, 2-5, 3-4), de tal manera que las caras opuestas suman un total de siete.

Además con respecto al estado de conservación destacar que en general el Dado Sasánida se encuentra muy desgastado, con numerosas ralladuras y la mayoría de las esquinas con muescas y desperfectos.

Por lo que se deduce que fue muy utilizado en la antigüedad, aunque no se sabe con certeza la finalidad de su uso, puesto que podría haberse utilizado en diversos juegos o también podría haber sido usado como parte de una práctica de adivinación. 

Para finalizar subrayar que se conoce que los dados cúbicos se han utilizado en Oriente Próximo desde el tercer milenio a.C. (período comprendido entre los años 3.000 a.C. y 2.001 a.C.) con diferentes sistemas de distribución de las puntas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Azulejo Nazarí en Forma de Estrella

El Azulejo Nazarí en Forma de Estrella es un azulejo datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Azulejo Nazarí en Forma de Estrella

Se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Azulejo Nazarí en Forma de Estrella

Perteneció a la colección de arte del industrial, empresario y refinador de azúcar estadounidense Henry Osborne Havemeyer.

También se conoce que después por herencia pasó al coleccionista y empresario estadounidense Horace Havemeyer.

Hasta que en el año 1.941 d.C. el Azulejo Nazarí en Forma de Estrella fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Azulejo Nazarí en Forma de Estrella

Descripción

Tiene una altura de 23,5 cm y una anchura de 23,5 cm. 

Está fabricado en loza pintada en reflejo metálico sobre esmalte blanco opaco.

Se trata de de un azulejo de loza con forma de estrella de ocho puntas que presenta diseños pintados con lustre en tonos cobre.

Resalta como está ornamentado con un patrón de hojas, vides enroscadas, y flores dentadas que irradian desde un medallón floral central, y una inscripción árabe en su borde.

La inscripción está grabada en nasji (también conocida como naski), un estilo de caligrafía árabe compuesto por formas redondeadas y letras pequeñas.

La parte legible de la inscripción es la siguiente:

"والاول؟[ ان کان الغرض منه الاحتراز عن الخطأ في تأدیة الفن المراد فهو [ ]. . .[ ]. . . [ ولاول

الفن الاول و إلا فهو مایع فیه وجوه التحسین و هو الفن الثالث و علیه میغ ظاهر یدمع بالک

. . . بعد ما اعرق و قیل رتبه علی مق] اطع . . ."

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

" (...) primero es la intención de evitar cometer errores y esa es la prioridad ... arte

Si no, hay un líquido para corregir (...) es es el arte ... 

tercero ... él crea aspectos de mejora, ... es el tercer arte y ... repele ... "

Con respecto a la composición resaltar la ligereza y la libertad de ejecución de las vides enroscadas y las formas vegetales naturalistas.

También destacar que la inscripción del borde inferior del azulejo es especialmente inusual y aunque algunas secciones de la escritura ya no son descifrables.

Lo que queda es un texto árabe que enumera las habilidades que necesitaba el artista de cerámica para esmaltar y decorar los azulejos de loza, por lo que la inscripción hace referencia a la técnica de arte del esmaltado cerámico nazarí.

Para finalizar subrayar que los azulejos con forma de estrella de ocho puntas datados en la España nazarí son raros, puesto que sobreviven pocos azulejos metalizados con ésta forma.

El Azulejo Nazarí en Forma de Estrella presenta motivos vegetales centralizados específicos de la cerámica de reflejo metálico de la ciudad de Málaga, ubicada en la costa sur de España y uno de los principales centros de fabricación de loza metalizada en el reino nazarí.

Mientras que las inscripciones poéticas desempeñaron un papel importante en la decoración arquitectónica de Andalucía (España).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Hacha Doble de Bronce

El Hacha Doble de Bronce es una hacha datada aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.050 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte minoico.

Hacha Doble de Bronce

Se conoce que fue fabricada durante el período Minoico tardío III (período comprendido entre los años 1.420 a.C. y 1.075 a.C.).

También es sabido que perteneció a la colección del arqueólogo y escritor Richard Berry Seager.

Hasta que en el año 1.926 d.C. el Hacha Doble de Bronce fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 15,5 cm y una anchura de 5,7 cm. 

Se trata de una hacha de doble filo de bronce con forma trapezoide que presenta en la parte inferior un agujero, posiblemente utilizado para encajar un soporte que facilitaría la utilización del hacha.

Para finalizar subrayar que se conoce que el hacha doble desempeñó un papel central en la sociedad y la religión minoicas.

Las versiones de tamaño real no sólo eran herramientas funcionales, sino también eran objetos ceremoniales que se exhibían o se dedicaban en santuarios y tumbas.

Los ejemplares en miniatura también servían como ofrendas votivas, mientras que las que tenían mangos perforados podían usarse como colgantes o amuletos.

Aunque la función y el significado religiosos del hacha doble no esta claro, los sellos y frescos minoicos a menudo la muestran en escenas que representan rituales y en conexión con una deidad femenina.

Es más el diseño también aparece como un signo individual en sellos y cerámica, como una marca de albañil en bloques de piedra y en las escrituras minoicas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Incensario del Tesoro de Attarouthi

El Incensario del Tesoro de Attarouthi es un incensario datado aproximadamente entre los años 500 d.C. y 650 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Lo primero que se conoce es que el incensario forma parte del tesoro de Attarouthi, encontrado en Siria.

En el año 1.940 d.C. el incensario estaba en posesión del comerciante de antigüedades libanés Elias Bustros.

En el año 1.965 d.C. fue adquirido por el coleccionista Sleiman Abou Taam, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Beirut (Líbano) y en Suiza.

Hasta que en el año 1.986 d.C. el Incensario del Tesoro de Attarouthi fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Descripción

En total tiene una altura de 38,2 cm, una anchura de 13,2 cm, un diámetro de 5,9 cm y un peso de 565,4 g. 

Mientras que sin la cadena el incensario presenta una altura de 8,2 cm y una anchura de 13,2 cm.

Está fabricado en plata y dorado con revestimiento de cobre.

Incensario del Tesoro de Attarouthi

Se trata de un incensario de forma semiesférica y cuerpo bulboso, que descansa sobre una base o pie hueco, ligeramente acampanado y decorado en la parte inferior con una roseta.

Además el borde superior cilíndrico del cuerpo presenta tres salientes con agujeros utilizados para colgar tres cadenas unidas a una anilla de sujección.

El cuerpo se encuentra ornamentado en relieve por tres cruces y tres medallones.

Un medallón está decorado con la imagén de Cristo, representado como un joven con cabello corto y con un halo cruciforme con tres brazos que representa la cruz en la que murió.

Aparte se observa como los dos medallones que lo flanquean están ornamentados con la figura de arcángeles, que son considerados los guardianes del cielo y sugieren que la composición muestra a Cristo en el cielo.

En la parte superior del cuerpo, situado debajo del borde y entre dos bandas con cenefas geométricas, hay una banda con una inscripción grabada en escritura griega, siendo una traducción aproximada de la inscripción la siguiente:

"De (la Iglesia de) San Juan del pueblo de Attarouthi"

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que el Incensario del Tesoro de Attarouthi originalmente podría haber sido utilizado durante el ritual litúrgico cristiano para quemar y dispensar incienso.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.