La Calle Mosnier con Banderas

La Calle Mosnier con Banderas es una pintura datada en el año 1.878 d.C., perteneciente al impresionismo.

La Calle Mosnier con Banderas

La Calle Mosnier con Banderas

Fue pintada por el pintor y grabado francés Édouard Manet.

Se piensa que en el año 1.879 d.C. la pintura pudo haber sido propiedad del bibliófilo, historiador del arte y grabador francés Melchior-Roger de Portalis o del coleccionista de arte francés Fernand Barroil.

En el año 1.894 d.C. la pintura fue comprada por barítono de ópera y coleccionista de arte francés Jean-Baptiste Faure.

Después en el año 1.898 d.C. fue adquirida por el empresario y coleccionista de arte francés Auguste Pellerin.

En el año 1.911 d.C. la pintura fue comprada por el magnate financiero, coleccionista de arte y mecenas de arte húngaro Marcell Nemes (también conocido como Marczell).

El 18 de junio del año 1.913 d.C. fue comprada por el coleccionista de arte, banquero y gran terrateniente judío húngaro Mór Lipót Herzog, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Budapest (Hungría).

En el año 1.932 d.C. la pintura La Calle Mosnier con Banderas fue adquirida por el banquero judío alemán Jakob Goldschmidt.

El 15 de octubre del año 1.958 d.C. la pintura fue subastada, dentro del "lote 3", por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el filántropo y criador de caballos purasangre de carreras estadounidense Paul Mellon.

Hasta que el 14 de noviembre del año 1.989 d.C. la pintura fue subastada, dentro del "lote 7", por la casa de subastas Christie's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo comprada por el Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América).

La Calle Mosnier con Banderas

Descripción

Tiene una altura de 65,4 cm y una anchura de 80 cm, mientras que con marco tiene una altura de 96,5 cm, una anchura de 112,4 cm y un grosor de 11,4 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una escena ocurrida en una calle parisina (actualmente la "Rue de Rome") engalanada para la Fiesta Nacional, una tarde festiva con una armonía patriótica de los rojos, blancos y azules de la bandera francesa que ondeaba en las ventanas de los nuevos edificios de la ciudad de París (Francia).

Sobretodo llama la atención los elegantes pasajeros en coches de caballos, como, en primer plano, a un obrero que transportaba una escalera.

Así mismo resalta la figura de un hombre de espaldas, amputado encorvado y apoyado en muletas, quizás un veterano de guerra o un mendigo, que pasa junto a los escombros cercados que quedaron de las obras de construcción de la estación Saint-Lazare. 

Se puede observar como situado en el ángulo inferior derecho la pintura se encuentra firmada y fechada: "Manet / 1878".

Con respecto a la composición destacar que se conoce que la pintura fue pintada desde una ventana del piso superior del estudio del artista, ubicado en la calle de Saint-Pétersbourg, localizada en la ciudad de París (Francia).

También enfatizar que la sensibilidad del pintor y grabador francés Édouard Manet ante los costos y sacrificios asociados a las guerras atenuó su visión optimista del orgullo nacional y la prosperidad recién adquirida por Francia.

Para finalizar subrayar que la calle urbana fue un tema recurrente en la pintura impresionista y modernista, muchos artistas buscaban mostrar no solo la transformación y el crecimiento de la era industrial, sino también su impacto en la sociedad.

Además resaltar que la pintura La Calle Mosnier con Banderas fue realizada para la Exposición Universal de París, ocurrida entre el 1 de mayo al 10 de noviembre del año 1.878 d.C., cuyo tema era Agricultura, Artes e Industria.

Aparte cabe destacar que para conmemorar la reciente clausura de la Exposición Universal, una celebración de lujo y prosperidad, el gobierno francés declaró el 30 de junio del año 1.878 d.C. día festivo nacional.

Ésta festividad, llamada Fiesta de la Paz, también conmemoraba la recuperación de Francia tras la desastrosa guerra franco-prusiana (ocurrida entre los años 1.870 d.C. y 1.871 d.C.), y la sangrienta y divisiva Comuna de París que le siguió. 

Siendo dos años después la festividad fue instituida por la ley Raspail al 14 de julio y desde el 14 de julio del año 1.880 d.C. es el día de la Fiesta Nacional de Francia.

Actualmente se encuentra en el Museo J. Paul Getty, Estados Unidos de América.

Iluminación en Forma de Jarrón

La Iluminación en Forma de Jarrón es una iluminación datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte indio.

Iluminación en Forma de Jarrón

Lo primero que se conoce es que fue pintado por un iluminador indio afincado en la ciudad de Bijapur, durante el Sultanato de Decán, en India.

También es conocido que formó parte de la colección de arte del Mercado de Arte de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.980 d.C. la Iluminación en Forma de Jarrón fue comprada por el pintor, coleccionista e impresor británico Gordon Howard Eliot Hodgkin.

En el año 2.017 d.C. la iluminación pasó a formar parte de la colección de arte "Collection Trust", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.022 d.C. la Iluminación en Forma de Jarrón fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

El marco tiene una altura de 33,5 cm, una anchura de 24,7 cm y un grosor de 1,5 cm, mientras que solo la imagen tiene una altura de 25,5 cm y una anchura de 16,8 cm. 

Está elaborado en tinta, acuarela opaca y oro sobre papel.

Se trata de un una iluminación de un libro que representa la figura de un jarrón florido y ornamentado sobre un fondo liso que resalta el objeto y la decoración.

La forma del jarrón se encuentra principalmente delineada por hojas de saz de bordes dentados, un sello distintivo del arte otomano del siglo XVI y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.700 d.C.).

Se piensa que el género otomano de dibujos a tinta de saz ejecutados con pluma de caña e incorporando los contornos de las hojas de saz en formas curvas y quebradas, debió ser conocido por éste iluminador indio, quién logró con éxito muchos de los mismos efectos.

La línea engrosada en algunos trazos se relaciona con la técnica caligráfica de los dibujos de saz, al igual que el tratamiento de las hojas, que se entrelazan en una tensión rígida.

También destaca como el jarrón tiene flores de estilo turcomano y otras de estilo más convencional, como lotos y peonías.

Aparte en la base del jarrón, una hilera de rocas con algunas plantas que creen sobre ellas rinde un guiño respetuoso al realismo, del que ésta composición fantasiosa se aleja por lo demás elementos decorativos.

También se puede apreciar como sobre el borde inferior está escrita la siguiente inscripción: "gul-i hazar gulha" (flor de mil flores) y en la parte inferior izquierda se puede leer: 32, 30, y una fecha ilegible.

Con respecto a la composición resaltar que la figura del jarrón se encuentra enriquecida con color y oro, siendo el efecto superficial del reflejo de la opulencia.

Para finalizar subrayar que la opinión más aceptada por los historiadores es que la Iluminación en Forma de Jarrón podría haber formado la apertura o el final de un álbum de pinturas y caligrafía de Bijapur (India).

Bijapur (también conocida como Vijayapura) es una ciudad histórica en el estado de Karnataka, en la India.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mango para Espantamoscas (Tahiri)

El Mango para Espantamoscas (Tahiri) es un mango datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Mango para Espantamoscas (Tahiri)

Se conoce que perteneció a la colección de arte del rey de Tahití Pomare II.

En el año 1.818 d.C. fue regalado al reverendo y misionero británico Thomas Haweis.

Después estuvo en posesión de "Maggs Bros., Ltd." ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.958 d.C. el Mango para Espantamoscas (Tahiri) fue comprado por "Brooks Art Originals, Ltd.", localizada en el pueblo de New Canaan, situado en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. el mango fue adquirido por el Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Oceanía, África, Europa y Asia.

Formando parte de su colección, hasta que en el año 1.978 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 29,8 cm, una anchura de 4,4 cm y un grosor de 3,8 cm. Está elaborado en marfil y fibra de cáscara de coco.

Se trata de un mango para espantamoscas elaboradamente tallado y construido íntegramente con secciones cortadas de marfil de ballena, unidas en tres puntos con secciones finamente trenzadas de cordón de fibra de coco.

Aunque en la actualidad le faltan varias secciones trenzadas de fibra de cáscara de coco que se habrían unido a su extremo inferior para extenderse hacia abajo en una cola o "espada".

Se puede observar como en un extremo en equilibrio sobre un amplio collar hay representada una distintiva figura arqueada hacia atrás que insinúa un espacio hueco o dosel desde el cual se extiende el tallo central de marfil en una serie de secciones caladas.

Resalta como el tallado en cada sección es diverso, desde secciones angulares con mínima intervención hasta secciones más complejas que incorporan figuras muy estilizadas que sostienen cada esquina.

Se observa como aquellas figuras con brazos y piernas extendidos dan paso a una serie de incisiones simples que indican rasgos faciales en figuras muy abstractas.

Pero lo más llamativo es la punta, en gran parte sin tallar, que permanece lisa, mientras que la serie final de detalles tallados se integra con la superficie cremosa del marfil.

También cabe destacar que se suele asumir que los matamoscas se utilizaban para ahuyentar las moscas de la comida ofrecida a los jefes en ocasiones rituales, una idea errónea reforzada y luego perpetuada por los primeros observadores misioneros que residieron desde el año 1.797 d.C. en Tahití.

Sin duda, los matamoscas eran importantes atavíos rituales reservados solo para la élite cacique, pero este enfoque en su probable función práctica eclipsa importantes aspectos cosmológicos que fueron un componente igualmente crucial de su elaboración. 

En cuanto a la composición destacar que codiciados por su rareza los dientes de ballena (conocidos como marfiles) eran particularmente apreciados.

Puesto que se consideraban que las ballenas eran la "ata" (sombra) o la encarnación del dios Ta'aroa (dios creador original de quien todos los demás derivaban).

Por lo tanto, los huesos y dientes de ballena no eran meramente simbólicos u ornamentales, sino reliquias imbuidas de la esencia y la potencia de Ta'aroa.

Fuertes y duraderos, eran considerados su "iho" (esencia) permanentes, siendo los huesos uno considerados como los huesos de todos, y de esta manera el Mango para Espantamoscas (Tahiri) funcionaba metonímicamente para indicar todo el linaje de los jefes y todos sus predecesores.

Por consiguiente los mangos para espantamoscas minuciosamente ahuecados a lo largo del mango, com éste ejemplo, se concibieron como una expresión visual, altamente abstracta de principios genealógicos fundamentales.

Para finalizar subrayar que se conoce que el Mango para Espantamoscas (Tahiri) perteneció a la familia real tahitiana.

A finales del siglo XVIII d.C., probablemente perteneció al jefe Tu-nui-e-a-i-te-atua, quién unificó en el año 1.791 d.C. Tahití y las islas vecinas bajo su dominio, adoptando el nombre de Pomare I.

Es más también se conoce que éste mango se encontraba entre un grupo de objetos enviados en el año 1.818 d.C. por su hijo y sucesor, Pomare II, un cristiano recién convertido, al misionero Thomas Haweis.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tetradracma de Alejandro Magno

El Tetradracma de Alejandro Magno es una moneda datada aproximadamente entre los años 325 a.C. y 319 a.C., perteneciente al arte persa, en concreto al arte selyúcida.

Tetradracma de Alejandro Magno

Tetradracma de Alejandro Magno

Fue hallada en el año 1.962 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas bajo la dirección del arqueólogo escocés David Brian Stronach, en nombre del Instituto Británico de Estudios Persas.

En la antigua ciudad de Pasargada, ubicada aproximadamente a unos 88 kilómetros al noroeste de la ciudad de Shiraz, en la provincia de Fars (Irán).

En el año 1.978 d.C. el Tetradracma de Alejandro Magno fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 0,45 cm y un diámetro de 2,8 cm.

Se trata de un tetradracma de plata que presenta en su anverso un busto juvenil de Heracles (semidios hijo del dios Zeus y la mortal Alcmena y sobretodo conocido por su fuerza sobrehumana) mirando hacia el lado izquierdo.

Destaca como el joven tiene una nariz grande, un mentón prominente, labios fruncidos y el ceño ligeramente fruncido.

Además lleva un tocado de piel de león, con las patas atadas alrededor del cuerdo y también se puede apreciar como un borde de puntos rodea toda la imagen.

El reverso de la moneda está ornamentado con la figura del dios Zeus (rey de los dioses, dios del cielo, del rayo y del trueno), mirando hacia el lado derecho.

Está representado en posición sedente en un trono de respaldo alto con las piernas ligeramente abiertas, con el torso desnudo y sosteniendo un bastón en la mano izquierda, mientras que un águila se posa sobre su mano derecha. 

Aparte se aprecia como el nombre, en escritura griega, "AΛEΞANΔPOY" (Alejandro) está grabado detrás de él.

Asimismo se observa la proa de un barco que se encuentra frente él, siendo probablemente una marca de ceca que indica quién fue el responsable de acuñar ésta moneda. 

Para finalizar subrayar que se conoce que las imágenes del joven Heracles y del dios Zeus entronizado que aparecen en el Tetradracma de Alejandro Magno son los tipos estándar utilizados en la acuñación de plata del rey de Macedonia, hegemón de Grecia, faraón de Egipto y Gran rey de Media y Persia Alejandro Magno (también conocido como Alejandro III de Macedonia o Alejandro el Grande) durante toda su vida.

Es más enfatizar que como miembro de la antigua familia real macedonia (la dinastía Argéada), afirmaba descender de Heracles, y Zeus, como rey de los dioses, era una imagen significativa para todos los griegos, sobre quienes Alejandro Magno aspiraba a gobernar.

Tras la muerte de Alejandro Magno en el año 323 a.C., su general Seleuco I (también conocido como Nicátor) continuó acuñando monedas con estas figuras, incluida el Tetradacma de Alejandro Magno, acuñada en la Casa de la Moneda de Susa, ubicada en el suroeste de Irán.

Tan sólo tras proclamarse rey de Babilonia y Siria en el año 305 a.C. Seleuco I introdujo sus propios tipos de monedas con imágenes a gran escala.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuatro Bretonas

Las Cuatro Bretonas, también conocida como Danza de Cuatro Bretonas o Mujeres Bretonas Conversando, es una pintura datada en el año 1.886 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Cuatro Bretonas

Fue pintada por el pintor francés Eugène Henri Paul Gauguin (también conocido como Paul Gauguin).

Lo primero que se sabe es que la pintura fue expuesta en la galería de arte Diot, ubicada en la Rue Laffitte de la ciudad de París (Francia).

El 22 de octubre del año 1.888 d.C. fue comprado por un precio de 600 francos por el marchante de arte neerlandés Theodorus "theo" van Gogh.

Después se conoce que la pintura pasó a estar englobada dentro de las Colecciones Estatales de Baviera, una de las instituciones artísticas más importantes de Alemania.

Siendo cedida en depósito en el año 1.964 d.C. a la Nueva Pinacoteca (también conocida como Neue Pinakothek), localizada en la ciudad de Múnich (Alemania), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 71,8 cm y una anchura de 91,4 cm. Está pintado en óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a cuatro mujeres jóvenes campesinas hablando en círculo en un entorno rural.

Destaca como tres de las mujeres están representadas en un primer plano, mientras que una está hablando situada detrás de una valla o muro.

Todas se encuentran ataviadas con vestimentas tradicionales y un tocado compuesto por cofias típicas de Pont-Aven (población y comuna francesa, ubicada en la región de Bretaña, situada en el departamento de Finisterre (Francia)).

Además se puede apreciar como al fondo hay representado un hombre labrando la tierra, mientras unas ocas pastan a su alrededor.

Con respecto a la composición resalta la utilización de una paleta cromática compuesta por colores vivos (amarillos, rojos, verdes y azules) y por las formas simplificadas, con los rostros representados mediante líneas perfiladas de contorno.

Aparte resaltan las representación de las mujeres como figuras planas, sin relieve ni perspectiva, así como áreas de color planas y contornos marcados.

Así mismo se puede observar como las figuras de las mujeres ocupan casi todo el espacio buscando un efecto monumental.

También se puede apreciar como situada en la esquina inferior izquierda está escrita la firma del autor: "P. Gauguin 86".

Para finalizar subrayar que la pintura Cuatro Bretonas refleja la búsqueda del pintor francés Paul Gauguin de un arte más primitivo, alejado de la pintura académica, siendo una de las obras clave en la evolución artística ocurrida durante su estancia en Gran Bretaña.

Actualmente se encuentra en la Nueva Pinacoteca de Múnich, Alemania.

Venus de Mauern

La Venus de Mauern, también conocida como la Rote von Mauern, la Venus Roja de Mauern o la Venus Roja de Weinberghöhlen, es una escultura datada aproximadamente entre los años 30.000 a.C. y 24.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Venus de Mauern

Venus de Mauern

En concreto se encontra englobada dentro del período gravetiense (período de la prehistoria comprendido entre los años 33.000 a.C. y 22.000 a.C.).

Fue hallada el 24 de agosto del año 1.948 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el noble y arqueólogo alemán Christoff von Vojkffy.

En las cuevas de Weinberghöhlen, en la ladera exterior, entre las cavidades dos y tres, ubicadas cerca del municipio de Mauern, situado en el distrito de Frisinga, localizado en el estado federado de Baviera, en Alemania.

También cabe destacar que las excavaciones realizadas entre los años 1.948 d.C. y 1.949 d.C. fueron dirigidas por el prehistoriador y arqueólogo alemán Lothar Friedrich Zotz.

Poco después de su descubrimiento la Venus de Mauern pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Bávaro, situado en la ciudad de Múnich, en Alemania.

Venus de Mauern

Venus de Mauern

Venus de Mauern

Venus de Mauern

Descripción

Tiene una altura de 7,2 cm. 

Se trata de una pequeña escultura hecha de piedra caliza y recubierta de ocre rojo, que puede interpretarse de dos maneras: como una representación estilizada de una mujer con grandes nalgas o como un pene con testículos.

En la parte superior presenta una depresión que puede interpretarse como el final de la uretra. 

Además cabe enfatizar que éste tipo de representación bisexual también se encuentra en otras figurillas englobadas dentro del arte paleolítico.

En cuanto a la funcionalidad, la opinión más aceptada, es que originalmente la Venus de Mauern habría sido un ídolo de fertilidad de piedra caliza.

Para finalizar subrayar que la Venus de Mauern es una de las pocas esculturas paleolíticas conocidas de Baviera y constituye un ejemplo excepcional del arte paleolítico en Europa Central.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Bávaro, Alemania.

Fin de Collation

Fin de Collation, también conocida como Naturaleza Muerta o Un Dessert, es una pintura datada en el año 1.637 d.C., perteneciente al arte barroco.

Fin de Collation

Fin de Collation

Fue pintada por el pintor neerlandés Willem Claeszoon Heda (también conocido como Willem Claesz. Heda o Willem Heda).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue saqueada por en el año 1.809 d.C. por los franceses durante la Guerra de la Quinta Coalición (conflicto en Europa Central donde el Imperio Francés de Napoleón enfrentó al Imperio Austriaco).

Siendo también en ese año, 1.809 d.C., cuando la pintura Fin de Collation pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de París (Francia).

Fin de Collation

Fin de Collation

Descripción

Tiene una altura de 44 cm y una anchura de 55 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 63 cm y una anchura de 73 cm.

Está pintado al óleo sobre madera.

Se trata de una pintura que representa una mesa de comedor después de una comida. La mitad de la mesa se encuentra cubierta con un mantel blanco ligeramente arrugado, sobre el que se colocan dos platos de plata, dos vasos de diferentes formas, una copa con intrincados tallados y un salero.

Además un vaso alto, delgado y poliédrico se yergue como un pilar sobre la mesa, mientras que otro vaso, situado a la derecha, se inclina sobre un plato.

Aparte se puede apreciar como un cuchillo reposa precariamente entre el vaso y el plato, amenazando con caerse de la mesa en cualquier momento.

En el plato hay trozos de pastel sin comer y una cuchara para servir. También sobre la mesa hay nueces, avellanas y aún queda un rastro de vino tinto en el vaso inclinado.

Cabe resaltar que ésta representación da una sensación de una vívida realidad, como si alguien acabara de levantarse de la mesa.

También llama la atención la ventana de la habitación que se refleja en la superficie curva del vidrio volcado y que es un testimonio de la habilidad del artista.

En cuanto a la composición destaca la paleta de colores suave y sobria, indicativa de una obra de la etapa intermedia del artista, junto con los fuertes contrastes entre los elementos horizontales y verticales.

La pintura monocromática muestra solo un tenue resplandor de luz. Sin embargo se puede observar la textura y las características de la superficie de cada objeto bañado por la luz creando una sensación de presencia que los parece hacer tangibles.

Para finalizar subrayar que en la copa de peltre se puede leer la firma del autor: "S.D. Heda 1637.".

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

La Terraza del Café (Diego Rivera)

La Terraza del Café, también conocido como The Café Terrace, es una pintura datada en el año 1.915 d.C., perteneciente al cubismo.

La Terraza del Café

La Terraza del Café

Fue pintada por el pintor mexicano Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Esstanislao de Rivera y Barrientos (también conocido como Diego Rivera).

En el año 1.916 d.C. la pintura pasó a formar parte de la galería de arte "Modern Gallery", propiedad del artista, escritor, galerista y mecenas mexicano Marius de Zayas Enriques y Calmet y ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 19 de julio del año 1.916 d.C. fue vendida, por un precio de 117 dólares, al fotógrafo estadounidense (de origen judío-alemán) Alfred Stieglitz.

Entre los años 1.944 d.C. y 1.946 d.C. la pintura estuvo en préstamo prolongado al Museo de Arte de Filadelfia (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.949 d.C. la pintura La Terraza del Café fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción 

Tiene una altura de 60,6 cm y una anchura de 49,5 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que retrata la vida bohemia de la ciudad de París (Francia) durante la Primera Guerra Mundial (conflicto bélico mundial entre dos coaliciones: los Aliados y las Potencias Centrales).

En concreto la pintura representa una escena de café en la ciudad de Paris, incluyendo la representación de una elegante botella de líquido verde, presumiblemente absenta, y la brillante cuchara de metal, necesarias para preparar la potente bebida.

Ambos objetos se combinan con una tira de mantel de camuflaje, una clara referencia  a la Primera Guerra Mundial.

Además el autor incluyó en la pintura referencias a su tierra natal, como la caja de puros con una etiqueta parcial que dice "BENITO JUA" debajo de un paisaje mexicano en miniatura.

Cabe destacar que ésta etiqueta hace referencia al presidente de México desde el año 1.858 d.C. hasta su muerte en el año 1.872 d.C. Benito Juárez.

También se puede observar como la pintura se encuentra firmada abajo a la izquierda: D. M. R, mientras que en el verso está firmado, fechado e inscrito: No. 4 LA TERRASSE / DU CAFÉ / Rivera. 15.

Con respecto a la composición destacar como la pintura representa las vanguardias europeas junto con las raíces mexicanas del autor, dando como resultado una composición intrincada y una paleta policromática dinámica.

Aparte resaltan la utilización de pequeños puntos de color, una técnica conocida como puntillismo, para amplificar los contrastes de texturas y patrón.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura La Terraza del Café pertenecen a © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tablilla Cuneiforme: Inscripción dedicatoria Sumeria

La Tablilla Cuneiforme: Inscripción dedicatoria Sumeria es una tablilla datada aproximadamente entre los siglos XVI a.C. y XV a.C. (período comprendido entre los años 1.600 a.C. y 1.401 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte casita.

Tablilla Cuneiforme: Inscripción dedicatoria Sumeria

Tablilla Cuneiforme:
Inscripción dedicatoria Sumeria
(detalle)

Los investigadores piensan que la tablilla pudo haber sido encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Nippur. 

Ubicada aproximadamente a 150 kilómetros al sureste de la ciudad de Bagdad, en Iraq.

En el año 1.928 d.C. la tablilla estaba en posesión del comerciante de antigüedades iraní Alex D. Messayeh, en su colección ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.931 d.C. fue comprado por el arquitecto y coleccionista de arte estadounidense William Gedney Beatty.

Hasta que en el año 1.941 d.C. la Tablilla Cuneiforme: Inscripción dedicatoria Sumeria fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento arte antiguo de Asia Occidental.

Descripción

Tiene una altura de 21 cm, una anchura de 22,9 cm y un grosor de 2,6 cm. Está elaborada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión, tallado y pulido.

Se trata de una tablilla cuneiforme que da fe de la restauración del tempo del dios Enlil, la tablilla con forma circular está ornamentada con una inscripción dedicatoria que ha sido tallada en la piedra por lo que se pensaba que la inscripción debía perdurar eternamente.

Es sabido que el nombre del donante es Hashamar-galshu y es casita. Además la inscripción se encuentra escrita utilizando la preferencia del período casita por los signos arcaicos y la lengua sumeria.

Aunque Hashmar-galshu no es una figura casita particularmente conocida, habría sido una persona de cierta jerarquía, habría sido capaz de realizar tal dedicatoria y de escribir su nombre con el determinativo divino.

Aparte se sabe que un determinativo divino era un marcador generalmente reservado para las deidades y rara vez era adoptado, incluso, por los gobernantes más poderosos.

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

" Presentación de Hashmar-galshu.

Un ladrillo de piedra para el Ekur

para Enlil, su señor "

Para finalizar subrayar que se conoce que la antigua ciudad de Nippur era hogar del dios Enlil (deidad suprema del panteón mesopotámico, señor del Viento y del aire, considerado rey de los dioses y guardián de las Tablillas del Destino), por lo que en Mesopotamia estaba considerada un importante centro religioso.

Los gobernantes que buscaban el favor del dios Enlil visitaban la ciudad para hacer ofrendas al dios y contribuyeron a la restauración de su templo y zigurat, conocido como Ekur (cuyo significado es "templo de la montaña").

Es más se sabe que los ladrillos estampados con las inscripciones de diferentes reyes fueron enterrados durante las obras de construcción y datan de las reconstrucciones arqueológicamente observables del templo desde finales del tercer milenio hasta principios del primer milenio a.C.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Aline Chassériau

Aline Chassériau, también conocida como Retrato de Aline Chassériau, es una pintura datada en al año 1.835 d.C., perteneciente al romanticismo.

Aline Chassériau

Aline Chassériau

Fue pintada por el pintor dominicano Teodoro Chassériau.

Perteneció a la colección del arte del arquitecto y pintor santo dominicano Charles Fréderic Chassérieu du Chiron (hermano del artista).

Después pasó a formar parte de la colección del corredor de bolsa y coleccionista de arte argelino Arthur Nedjma Chassériau.

Hasta que en el año 1.918 d.C. la pintura de Aline Chassériau fue donada al Museo del Louvre de Paris (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de pinturas

Aline Chassériau

Descripción

Tiene una altura de 92,5 cm y una anchura de 73,5 cm, mientras que con el marco presenta una altura de 116 cm y una anchura de 98 cm.

Está pintado al óleos sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la hermana menor del autor Aline Chassériau, a la edad de trece años, de pie, con el cuerpo girado ligeramente hacia el lado izquierdo y sobre un fondo oscuro.

En el rostro ovalado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta y pequeña, los labios carnosos rosados y el mentón partido.

También destaca como el cabello largo y oscuro está peinado en un elegante recogido sujeto en la parte superior de la cabeza y que le despeja el rostro. 

Además se puede apreciar como se encuentra ataviada con una capa ancha, con pliegues, de color marrón con cuello blanco.

También destaca como las manos se encuentran cruzadas en el regazo y la mirada de la joven se dirige directamente al espectador con una expresión sombría en su rostro pálido que resalta sobre el fondo oscuro.

Para finalizar subrayar que durante mucho tiempo se pensó que la joven representada era la hermana mayor del autor, Adèle Chassérie, quien ya había ejercido como modelo para su hermano.

Sin embargo en el momento en que se pintó la pintura Adèle Chassérie contaba con veinticinco años y no concordaba con la modelo representada que era una adolescente, por lo que ésta creencia fue descartada.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Botella con Pico de Estribo y Guerreros del Frijol

La Botella con Pico de Estribo y Guerrero del Frijol es una botella datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Botella con Pico de Estribo y Guerreros del Frijol

Botella con Pico de Estribo
y Guerreros del Frijol

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte Bruno J. Wassermann-San Blas, ubicada en la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

En el año 1.938 d.C. la botella fue comprada por empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella con Pico de Estribo y Guerrero del Frijol fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Pico de Estribo
y Guerreros del Frijol

Botella con Pico de Estribo
y Guerreros del Frijol

Botella con Pico de Estribo
y Guerreros del Frijol

Botella con Pico de Estribo
y Guerreros del Frijol
(detalle)

Descripción

Tiene una altura de 29,2 cm y un diámetro de 14,9 cm. Está elaborado en cerámica y engobe.

Se trata de una botella o vasija con pico de estribo, cuya forma recuerda al estribo de la silla de montar de un caballo, con el cuerpo y el pico totalmente ornamentado.

El cuerpo de la botella está ornamento con la figura de cuatro guerreros pintados con cuerpos en forma de frijol y con diseños que evocan el moteado que se puede observar en el frijol de Lima.

Se observa como el rostro se encuentra representado en el hilo del frijol, dónde habría estado unido al tallo de la planta durante su desarrollo.

Además se puede apreciar como cada guerrero lleva un tocado que se ata bajo la barbilla y está rematado por un adorno en forma de medialuna y otro adorno se proyecta hacia adelante sobre el rostro, como plumas.

También los guerreros del frijol llevan una nariguera, orejeras, escudos y maza. Completando su atuendo con diminutas espalderas, una especie de armadura corporal que normalmente cuelga de la cintura, a la espalda del porteador.

Asimismo una elegante pierna, adornada con pintura corporal, se extiende hacia adelante desde cada frijol (animado), indicando su rápido movimiento. 

Debajo de ellas, una delgada línea roja indica un terreno irregular y árido. Aparte el artista moche añadió frijoles adicionales entre y por encima de las figuras y a lo largo del pico de la vasija.

Con respecto a la composición destaca el trazo fino, un estilo caracterizado por las figuras y escenas detalladas pintadas delicadamente con un engobe rojizo sobre un fondo crema.

Para finalizar subrayar que en el mundo moderno se suele pensar que el frijol tiene una coloración uniforme, pero se conoce que los cultivos originales presentaban una variedad de colores y a menudo eran moteados.

El frijol, junto con el maíz, era un cultivo importante en la región andina costera, por lo que su representación podría estar relacionada con la importancia de unas temporadas de cultivo exitosas.

Sin embargo, también se puede considerar que para los moches el frijol tenía propiedades especiales para la adivinación, y la frecuente representación de individuos cargando pequeñas bolsas podría estar relacionada con el transporte del frijol.

No obstante la animación del frijol, como los que se aprecian en la Botella con Pico de Estribo y Guerreros del Frijol, dónde la legumbre es antropomorfizada y utilizada como arma, requiere una mayor consideración.

El frijol crudo puede ser tóxico, pero también es generativo y antiguamente podría haber sido visto como semillas que multiplicaban guerreros.

Otras propiedades, como la capacidad de la planta de frijol de lima para evitar depredadores, podrían haberse observado y considerado significativas.

Las plantas de frijol de lima pueden frustrar los ataques de ácaros herbívoros al atraer a los ácaros carnívoros, depredadores de los depredadores de la planta.

Por lo tanto diminutos pero poderosos, los frijoles podrían haber sido metáforas visuales de la astucia y la destreza de un guerrero.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Eirene

El Retrato de Eirene, también conocido como Retrato de Irene, es un retrato funerario datado aproximadamente a mediados del siglo I d.C. (período comprendido entre los años 40 d.C. y 50 d.C.), perteneciente al arte egipcio.

Retrato de Eirene

Retrato de Eirene

Se desconoce el lugar del hallazgo, siendo lo primero conocido que perteneció a la colección de arte Ernst Sieglin, propiedad del emprendedor y coleccionista de arte alemán Ernst von Sieglin.

Lo siguiente conocido es que el Retrato de Eirene pasó a formar parte de la colección de antigüedades, con el número de inventario 7.2, del Museo Landesmuseums Württemberg, ubicado en la ciudad de Stuttgart, situado en el estado Baden-Württemberg, en el suroeste de Alemania.

Descripción

Tiene una altura de 37,2 cm y una anchura de 22,2 cm. 

Se trata de un retrato funerario pintado con la técnica de pintura encáustica sobre un panel de madera de tilo de un milímetro de grosor.

Destaca como en la parte superior el panel tiene forma semicircular, aparte originalmente el panel se encontraba colocado en la zona de la cabeza de la momia de una mujer y aún en la actualidad se pueden observar a la altura de las clavículas restos de las vendas.

En el anverso del panel está representado el busto de una mujer joven, representada en vista frontal, con la cabeza ligeramente girada hacia el lado derecho.

El cabello corto está compuesto por finos y pequeños rizos, también lleva una corona de laurel dorada, a juego con los pendientes colgantes de plata que le cuelgan de los lóbulos de las orejas.

En el rostro alargado y estrecho, destacan las cejas pobladas, los grandes ojos almendrados, la nariz recta y grande, los labios carnosos y el mentón pronunciado.

Asimismo cabe destacar que los retratos de momias, incluidao el Retrato de Eirene, se encuentran entre las imágenes más impresionantes de la antigüedad.

Aparte gracias al clima egipcio, los paneles de madera con sus vibrantes colores se han conservado en un estado de conservación excepcional.

Aunque cabe enfatizar que se desconoce si los retratos fueron pintados en vida de los difuntos y si se exhibieron inicialmente en sus hogares.

En ocasiones, las inscripciones permiten identificar a la persona fallecida, como es el caso del Retrato de Eirene.

Para finalizar subrayar que el Retrato de Eirene representa una mezcla cultural de influencias egipcias, helenísticas y romanas.

Además resaltar que el nombre de Irene es de origen griego, derivado de Eirene (Εἰρήνη) que significa "paz" o "la que trae la paz".

En el panel hay escrita una inscripción demótica compuesta por tres líneas escritas a lo largo del cuello y por debajo de la barbilla, dónde se puede leer:

"Eirene, hija de Silvanos, su madre es Senpnoutis. 

Que su alma viva ante Osiris-Sokaris, 

el gran dios, señor de Abidos, para siempre"

Cabe enfatizar que no se conoce nada más sobre Eirene. Sin embargo parece que la retratada podría haber pertenecido a una clase media y alta étnicamente diversa, con una situación económica estable.

También llama la atención que dentro del arte egipcio es la única inscripción demótica conocida en un retrato de momia.

Actualmente se encuentra en el Museo Landesmuseums Württemberg, Alemania.

Virgen de la Servilleta

La Virgen de la Servilleta es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.668 d.C. y 1.669 d.C., perteneciente al arte barroco.

Virgen de la Servilleta

Fue pintada por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo (también conocido como Murillo).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue pintada para la Iglesia de los Capuchinos (en la actualidad Convento de los Capuchinos).

Ubicado en la ciudad de Sevilla, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Permaneciendo en el retablo de la iglesia por un período de 150 años.

Durante la Guerra de la Independencia Española (conflicto bélico ocurrido entre los años 1.808 d.C. y 1.814 d.C. entre las potencias aliadas compuestas por Gran Bretaña, España y Portugal contra el emperador, militar y político francés Napoleón Bonaparte (también conocido como Napoleón I).

El militar y político francés Jean-de-Dieu Soult (también conocido como Nicolás de Juan-Soult) quiso requisar la Virgen de la Servilleta.

Sin embargo en el año 1.810 d.C. los religiosos lograron trasladar la pintura, junto con otras obras, a Gibraltar, dónde permaneció hasta el año 1.814 d.C., año que término la guerra.

En el año 1.836 d.C. a causa de la desamortización de Mendizábal la Virgen de la Servilleta pasó a ser propiedad del estado.

Hasta que en el año 1.840 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Bellas Artes de Sevilla, situado en la ciudad de Sevilla, localizado en la provincia de Sevilla, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Descripción

Tiene una altura de 67 cm y una anchura de 72 cm. Está pintada óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de la Virgen María con el Niño Jesús en brazos sobre una habitación o lugar en penumbra que resalta sus siluetas y hace que las figuras se diluyan con el fondo.

La Virgen aparece representa de frente, con el cuerpo ligeramente girado al lado izquierdo, el brazo derecho apoyado, mientras sujeta con sus manos a su hijo.

Está ataviada con una túnica de manga larga roja, un manto azul y un velo traslúcido, que le cubre parte del cabello oscuro, en un peinado suelto hacia atrás que le despeja el rostro.

Además en el rostro ovalado destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados con la mirada fija en el espectador transmitiendo ternura e intimidad, la nariz recta, los labios carnosos y las mejillas sonrosadas.

En cuanto al Niño Jesús resaltar que su pequeño cuerpo está parcialmente cubierto por un manto blanco y aparece representado inclinado hacia delante, casi como si quisiera emerger del lienzo.

Con respecto a la composición resaltar que la obra evoca la influencia de tres de los artistas admirados por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo. 

Los colores vivos y la delicadeza de las formas evocan la pintura del pintor italiano Rafaello Sanzio (también conocido como Rafael Urbino o Rafael), mientras que la atmósfera casi imperceptible denota el conocimiento de las obras del pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez y del pintor alemán Pedro Pablo Rubens.

Aparte llama la atención el contraste entre la vitalidad del Niño Jesus y la actitud serena y de afecto de la Virgen María, estando ambos representados en una composición cercana, casi cotidiana.

Para finalizar subrayar que existen dos leyendas relacionadas con el nombre del la pintura, según una primera versión los frailes capuchinos notaron que entre sus ajuares faltaba una servilleta, siendo devuelta a los pocos días, junto con la pintura, por el propio artista el pintor español Bartolomé Esteban Murillo.

La segunda versión, más aceptada, se dice que fue un fraile capuchino del convento el que le pidió al pintor español Bartolomé Esteban Murillo una representación de la Virgen con la finalidad de orar en privado en su celda.

El pintor accedió pidiéndole a cambio un lienzo para la pintura. Sin recursos económicos el fraile le entregó una servilleta sobre la cual el pintor pintó la pintura.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, España.

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

La Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire es una talla datada aproximadamente entre los años 1.677 d.C. y 1.680 d.C., perteneciente al arte barroco.

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

Fue tallada por el escultor, tallador, albañil y diseñador Edward Pearce.

Lo primero que se conoce es que la talla formó parte de la colección de arte del estadista, político, virrey y revolucionario británico Arthur Feliz Capell (I Conde de Essex).

Después es sabido que la talla formó parte de la colección de "Edwards and Sons", ubicada en Gran Bretaña.

Hasta que en el año 1.932 d.C. la Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de escultura y artes decorativas europeas.

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

Descripción

Tiene una altura de 472,4 cm.

Las contrahuellas y los peldaños han sido tallados en roble, los frisos de balaustrada y los remates en olmo, los postes de la escalera, largueros, zócalos, bases de balaustres y el pasamanos están tallados en pino.

Se trata de una exuberante talla de una escalera, destaca como el diseño consiste en elementos vegetales naturales contenidos y ordenados por el arte.

Sobretodo llama la atención una voluta de acanto dramáticamente socavada con vainas de semillas que sostiene la balaustrada entre postes cuadrados.

Además se puede apreciar como las hojas de roble que se encuentran cuidadosamente dispuestas componen la moldura inferior y remates de piñas coronan los postes esquineros (elementos colocados en los cantos y bordes).

Para finalizar subrayar que la Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire se encuentra en consonancia con los ideales englobados dentro del arte barroco.

Es más enfatizar que la talla es similar a la obra del escultor holandés Grinling Gibbons, considerado un artista influyente en la Gran Bretaña del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella con Colibríes

La Botella con Colibríes es una botella datada aproximadamente entre los años 1 d.C. y 400 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella con Colibríes

Botella con Colibríes

Lo primero que se conoce es que la botella fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la Costa Sur de Perú.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del coleccionista Emilio Sánchez.

En el año 1.962 d.C. la botella fue donada al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Oceanía, África, Asia y Europa.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Botella con Colibríes pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm y un diámetro de 12,7 cm. Está elaborada en cerámica y engobe.

Se trata de una botella de cerámica de doble pico policromada y finamente pintada que originalmente pudo haber sido utilizada como una ofrenda funeraria.

Pudiendo haber sido una parte integral del consumo ritual de alimentos y chicha de maíz que se realizaron en Cahuachi (centro ceremonial de la cultura Nazca), ubicado en el valle del río Nazca y cerca de las Líneas de Nazca.

El cuerpo de la botella se encuentra ornamentado con la figura de colibríes con picos largos y delgados alimentándose de flores pintadas en la base de cada pico.

En cuanto a la composición destacar que la iconografía Nazca incluye una gran variedad de plantas, animales y más de veinte especies de aves.

También cabe resaltar que el uso de botellas con decoración elaborada se relacionaba con festines, procesiones y otras actividades de prestigio realizadas por individuos y familias de alto estatus.

Para finalizar subrayar que aunque aún no se ha descubierto ningún taller de cerámica en territorio Nazca, la alta calidad técnica de la cerámica y la complejidad de la iconografía indican que las vasijas policromadas probablemente fueron elaboradas por artesanos nazca especialistas.

Es más enfatizar que los arqueólogos han descubierto evidencia dispersa de producción cerámica (pigmentos, pinceles y pulidores) en Cahuachi, el principal sitio monumental de Nazca.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Moneda Selyúcida

La Moneda Selyúcida es una moneda datada aproximadamente entre los siglos XI d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte selyúcida. 

Moneda Selyúcida

Moneda Selyúcida

Fue hallada en el año 1.938 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por la "Expedición Persa" del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) en virtud de un acuerdo con las autoridades iraníes, en la que estuvieron involucrados arqueólogos estadounidenses y cientos de trabajadores iraníes.

En el sitio arqueológico de Qanat Tepe, ubicado en la ciudad histórica de Nishapur, localizada en la provincia de Razavi Khorasan, en el noroeste de Irán.

Los artefactos recuperados se dividieron a la mitad entre ambos países, dando como resultado un depósito de más de cuatro mil objetos que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) conserva en la actualidad.

Por lo tanto en el año 1.939 d.C. la Moneda Selyúcida fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) en la división de hallazgos.

Descripción

Tiene una altura de 2,3 cm, una anchura de 1,8 cm y un peso de 2g. 

Se trata de una moneda de cobre conocida como "fals de cobre", es decir, una moneda de menos valor que el dinar de oro y el dírham de plata que se utilizaba para uso cotidiano. 

Destaca como tanto el anverso y como el reverso se encuentran ornamentados con motivos astrológicos y simbólicos, como una estrella de ocho puntas y un sol estrella.

También cabe destacar que con frecuencia en las monedas selyúcidas aparecían estrellas, soles y medias lunas, en la mayoría de los casos integradas en los diseños del anverso o reverso junto con inscripciones árabes.

Además el hallazgo de la moneda refleja que la ciudad de Nishapur fue vital durante los períodos islámicos tempranos y medio, ubicada a lo largo de una de las principales rutas que conectaban Irán y las tierras islámicas de Asia Occidental con Asia Central y China.

Para finalizar subrayar que el término "Rutas de la Seda" suele referirse a estos itinerarios, siendo también cruciales para el movimiento de materiales y objetos, así como de personas e ideas.

Se conoce la diversa población de Nishapur y sus alrededores, desde grupos de élite compuestos por  comerciantes, aristocracia terrateniente y letrados, hasta los artesanos, agricultores, mineros y sirvientes menos conocidos.

Aunque todos ellos fueron fundamentales para la adaptación de las tendencias culturales globales que llevaron a la creación de un lenguaje visual distintivo.

Es más esto se aprecia en los restos materiales de la vida cotidiana en la Nishapur medieval: desde ollas y sartenes hasta artefactos de iluminación, tinteros, textiles y adornos, joyas, juegos y juguetes, talismanes, armas, monedas, como la Modena Selyúcida, y fragmentos arquitectónicos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Página de Caligrafía

La Página de Caligrafía es una página datada entre los años 1.664 d.C. y 1.665 d.C., perteneciente al arte otomano.

Página de Caligrafía

Página de Caligrafía

Lo primero que se conoce es que entre el 22 y 23 de mayo del año 1.986 d.C. la página fue subastada, dentro del lote número 207, por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo adquirida por la galería de arte "Ahuan Islamic Art", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En ese mismo año 1.986 d.C. la Página de Caligrafía fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

La página tiene una altura de 21,9 cm y una anchura de 35,9 cm. El paspartú tiene una altura de 36,2 cm, una anchura de 48,9 cm y el marco presenta una altura de 38,7 cm y una anchura de 51,4 cm.

Se trata de una página de caligrafía elaborada en tinta sobre papel teñido, que destaca por la impactante belleza con las curvas y bucles de las letras en tinta blanca que se encuentran realzadas con puntos azules sobre un rico papel marrón.

Sobretodo llama la atención como está combinación policromática cautiva la vista hasta el punto del que el contenido, difícil de descifrar, parece irrelevante.

La primera línea, algo agrandada, reconoce los beneficios y las bondades recibidas, mientras que las tres líneas siguientes contienen expresiones de gratitud y buenos deseos.

Mientras que la última línea contiene la firma del autor y la fecha en la que fue escrita la Página de Caligrafía.

El texto de la última línea en escritura divani dice: "escrito por el pobre miserable Khawaha ( ... nombre ilegible); que Alá lo guarde con vida hasta el día de la resurrección, en el año 1.075 de la hégira, de la migración del Profeta de gloria y honor".

Cabe destacar que el año en que se encuentra firmada la página, el año 1.075 de la hégira, se corresponde con los años 1.664 d.C. y 1.665 d.C.

Para finalizar subrayar que se conoce que los estilos de caligrafía utilizados en las cancillerías se desarrollaron de forma diferente a los utilizados en el Corán o en textos literarios y culminaron en la escritura divani otomana (de diwan, "secretariado" o "asamblea de funcionarios").

Es más se sabe que los calígrafos que destacaban en ésta escritura pertenecían a una élite dentro de la burocracia otomana.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.