Alma Maldita

El Alma Maldita, también conocida como Alma Condenada o Anima Dannata, es una escultura datada en el año 1.619 d.C., perteneciente al arte barroco.

Alma Maldita 

Alma Maldita

Lo primero que se conoce es que la escultura fue encargada por el cardenal español Pedro de Foix Montoya al arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini.

Originalmente se encontraba expuesta en la sacristía de la Iglesia de Nuestra Señora del Sagrado Corazón (también conocida como Iglesia de San Giacomo de los Spagnouli o Iglesia de Santiago de los Españoles), situada en la ciudad de Roma, en la región de Lacio (Italia). 

En el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.) el Alma Maldita fue transferido al Palacio de España (también conocido como Palacio Monaldeshi), ubicado en la ciudad de Roma, localizada en la región del Lacio, en Italia.

Cabe resaltar que actualmente ésta localización es utilizada como la embajada española ante la Santa Sede (también denominada como Sede Apostólica, Sede de Pedro o Sede de Roma).

Alma Maldita

Descripción

Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, tallado y pulido.

Se trata de una escultura a tamaño natural que representa el busto de un hombre jovén, con el rostro girado hacia el lado derecho, la vista fija hacia el frente y una expresión en el rostro de sorpresa y horror.

En el rostro destacan la frente surcada de arrugas por la preocupación, los ojos almendrados abiertos, la nariz recta y grande, los labios finos con la boca abierta y el mentón cuadrado.

Además llama la atención como el cabello corto y ondulado se encuentra erizado, con los mechones de pelo enmarcando la cara.

También resalta como las arrugas de expresión (también conocida como arrugas dinámicas) expresan que el hombre cristiano aparece representado oprimido y atormentado, como si estuviera sintiendo los horrores del infierno.

Sin embargo algunos investigadores sostienen que más que un hombre condenado al infierno, la figura podría representar a un sátiro, es decir, una criatura mitológica masculina caracterizada por tener un carácter despreocupado, cruel y lascivo.

Que formaban, junto con las ménades y las ninfas, el séquito del dios Dionisio (dios del vino, del teatro, de la danza, las festividades, los excesos y los placeres).

Para finalizar subrayar que el Alma Maldita se contrasta con la obra de arte Alma Bendita (ambas esculpidas por Gian Lorenzo Bernini), siendo la opinión más aceptada que las dos obra son el ejemplo de las almas condenas a la condena eterna del infierno y el de las almas salvadas que van al cielo.

Actualmente se encuentra en el Palacio de España (también denominado Palacio Monaldeshi), Italia.

Candelero de Myer Myers

El Candelero de Myer Myers es un candelero datado aproximadamente entre los años 1.755 d.C. y 1.760 d.C., perteneciente al arte rococó.

Candelero de Myer Myers

Candelero de Myer Myers

Fue realizado por el orfebre y platero judío-estadounidense de origen asquenazí (judíos que se asentaron en la Europa Central y Oriental) Myer Myers.

En su taller situado en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos de América.

Perteneció a Catharine Livingston Lawrence, después se conoce que pasó a ser propiedad de la colección de Louisa Esther Flint Patterson.

En el año 1.860 d.C. el Candelero de Myer Myers fue adquirido por "Harry Arons Antiques Inc.", localizado en la ciudad de Bridgeport, situado en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.972 d.C. el candelero fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 25,9 cm, una anchura de 14 cm y un peso de 643,2 g.

Se trata de un candelero de plata, es decir, un objeto o utensilio portátil que es utilizado para sostener una vela. Está compuesto por un cilindro hueco unido a un pie mediante una barra pequeña.

Resalta como el pie o base tiene forma lobulada y se encuentra decorada con motivos vegetales, aparte el cilindro hueco también está ornamentado con motivos vegetales estilizados y diferentes arandelas lisas de diferentes tamaños, cóncavas y convexas.

Además se puede observar como en la parte superior del candelero se encuentra incrustado el Bobèche de Myer Myers, dónde habría estado incrustada la vela.

Para finalizar subrayar que hay una inscripción grabada en inglés en la parte inferior del pie, siendo la inscripción la siguiente:

"THE GIFT of PETER & SARAH V "N" ":" BRUGH TO CATHA ["E" ":"] LIVINGSTON [pellet]"

También en la boquilla está grabado en un rectángulo: "MM".

Aparte destacar que gracias a las inscripciones grabadas se conoce que el Candelero de Myer Myers forma parte de una pareja de cuatro candeleros que fueron un regalo de sus abuelos maternos,  Pieter y Sarah Van Brugh, a Catherine Livingston.

Es más seguramente se fabricaron para ser un regalo de boda, cuando Catherine Livingston se casó con el comerciante John Lawrence.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Femenina Tlatilco

La Figura Femenina Tlatilco es una escultura datada aproximadamente en el siglo X a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 901 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte tlatilco.

Figura Femenina Tlatilco

Se conoce que perteneció a la colección de arte Esther Scheinman, ubicada en el distrito de Brooklyn, situado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.951 d.C. la escultura fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.961 d.C. y 1.978 d.C. la Figura Femenina Tlatilco fue cedida para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de África, América, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. finalmente la escultura fue cedida al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 7,5 cm. 

Se trata de una escultura de cerámica modelada a mano que representa la figura de una mujer en posición de pie. Destacar como la cerámica es de color rojizo amarillo y se encuentra pintada con un pigmento rojo anaranjado.

También resalta como las caderas son bulbosas, la cintura pequeña y los brazos diminutos, además se puede apreciar como el artista presta poca atención a la precisión anatómica.

Se observa como un collar se adapta a los contornos gruesos del cuello y el moño central se extiende hasta la parte posterior de la cabeza. Sin embargo ninguna de las pequeñas perforaciones en las orejas de gran tamaño continúan hacia la parte trasera.

Para finalizar subrayar que la Figura Femenina Tlatilco pertenece a un grupo de efigies de cerámica conocidas colectivamente como las "damas bonitas" de Tlatilco.

Éstas esculturas de mano, que representan a mujeres con cabezas grandes, cinturas pequeñas y caderas prominentes, presentan un tipo de cuerpo bastante estandarizado y generalmente están decoradas en tonos rojos, beige o marrones.

Aparte resaltar que dentro de la sociedad tlatilco ése tipo de esculturas se encuentran consideradas encarnaciones populares de una forma femenina ideal y son parte de una tradición de siglos en la que predominan las excentricidades y la imaginería religiosa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sultán Solimán el Magnífico con el Casco Tachonado de Joyas

El Sultán Solimán el Magnífico con el Casco Tachonado de Joyas es una xilografía datada aproximadamente entre los años 1.540 d.C. y 1.550 d.C., perteneciente al arte otomano.

Sultán Solimán el Magnífico con el Casco Tachonado de Joyas

Se conoce que fue realizado por un artista anónimo veneciano que habría vivido en Italia en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Estuvo en posesión de P. & D. Colnaghi & Co. (un concesionario de arte) situado en el barrio de St Jame's, ubicado en el centro de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.942 d.C. el Sultán Solimán el Magnífico con el Casco Tachonado de Joyas fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

¿Quién fue Solimán el Magnífico?

Solimán el Magnífico, también conocido como Solimán I o Kanuni, fue el sultán del Imperio Otomano desde el año 1.520 d.C. hasta el año 1.566 d.C.. En su reinado de 45 años y 341 días destacaron los cambios legislativos en los ámbitos de la sociedad, la educación, la fiscalizad y el derecho penal.

Así como la expansión territorial llevando al Imperio Otomano a su máxima expansión, destacando sobretodo como la flota otomana dominaba los mares desde el mar Mediterráneo hasta el mar Rojo, que atravesaba el golfo Pérsico.

Descripción

Tiene una altura de 89 cm y una anchura de 51,3 cm. 

Se trata de una xilografía que representa el busto de perfil, mirando hacia el lado izquierdo, del sultán Solimán I. En el rostro de perfil destacan el ojo almendrado, la nariz aguileña, los labios finos, el bigote y el mentón pronunciado.

En la cabeza lleva puesto un magnífico casco de cuatro niveles, que fue la pieza central de un grupo de joyas producidas por orfebres venecianos en conjunto con empresarios alemanes para venderlas al sultán otomano.

Aparte destacar que el casco sigue el modelo de la tiara de tres niveles del Papa, es más éste tocado aparentemente imperial estaba destinado a señalar el derecho del sultán Solimán I a la soberanía universal. 

Algunos investigadores piensan que el Gran Visir del Imperio Otomano, Ibrahim Pasha (también conocido como Ibrahim el Magnífico), también podría haber colaborado en su diseño, puesto que también se conoce que orquestó entradas triunfales al estilo romano que incluían asombrosas demostraciones de la riqueza del sultán como desafío al gobierno de los Habsburgo.

En la parte superior de la composición hay una pancarta con una inscripción inscrita con letras en bloque en las que se puede leer:

"SVLIMAN OTOMAN / REX / TVRC  X"

En pluma y tinta marrón, situado en el centro izquierda se puede leer: "[...] / 80000 [...]" y debajo se encuentra escrito los siguiente: "Die Kron dieses Turckishcen keyseis Solimanni / ist geschatzt auf funffmal hundert tausend ducaten".

También se puede observar el sello de coleccionista situado en la esquina superior derecha.

Para finalizar subrayar que el casco con incrustaciones de diamantes y perlas se exhibió públicamente en el año 1.532 d.C. en el Palacio Ducal de Venecia, situado en el extremo oriental de la plaza de San Marcos, en la ciudad de Venecia (Italia).

Además los investigadores piensan que ésta exposición pudo haber sido la ocasión en que el artista pudo haber realizado un estudio detallado del casco con la finalidad de crear la obra.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija Marlik con Pico

La Vasija Marlik con Pico es una vasija datada aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte marlik.

Vasija Marlik con Pico

Los investigadores piensan que pudo haber encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el oeste de Irán formado por las Tierras Altas de Armenia, el norte de Zagros y la llanura de Juzestán.

Además se conoce que formó parte de la colección de arte del coleccionista Elias S. David, ubicada en Long Island City, un barrio localizado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América). 

En el año 1.947 d.C. la Vasija Marlik con Pico fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 8,82 cm y una anchura de 7,76 cm. 

Se trata de una vasija de bronce con un cuerpo globular, una base plana, un cuello cilíndrico, un borde abocinado y un pico largo en forma de "S".

Además el asa de la cesta se fija al borde mediante dos remaches de cabeza redondeada y el pico se encuentra sujeto al cuerpo de la jarra con un total de trece remaches.

La parte posterior de la vasija está ornamentada con una placa, unida a la vasija con remaches, que muestra una figura humana masculina alada y mirando frontalmente. 

Se puede observar como está ataviado con una túnica larga, también se aprecia como en el rostro destacan la nariz grande, los ojos y boca pequeños, la barba, las orejas y los mechones de cabello que le caen por ambos lados del rostro.

Con respecto a la composición destacar que el cuerpo de la vasija se encuentra fabricado mediante la técnica de martillado, mientras que el pico y la placa fueron fundidas en moldes para después ser grabadas e incisas.

Para finalizar subrayar que se piensa que originalmente la Vasija Marlik con Pico fue utilizada para verter algún líquido que contenía posos, como el vino, ya que el cuerpo redondo y el pico largo evitaban que los posos acabaran en la copa.

Es más se han encontrado algunas vasijas de éste tipo en el interior de las tumbas junto a copas, lo que sugiere que pudieron haber sido utilizados en un banquete o un ritual funerario antes de ser colocados en la tumba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Gotero de Agua en Forma de Pez

El Gotero de Agua en Forma de Pez, también conocido como 백자청화 잉어모양 연적 조선 o 白磁靑 鯉魚形 硯滴 朝鮮, es un gotero datado aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Gotero de Agua en Forma de Pez

En concreto fue elaborado durante la dinastía Joseon (período de la historia coreana comprendido entre los años 1.392 d.C. y 1.910 d.C.).

Perteneció a la colección de arte "Kang Collection", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.003 d.C. el gotero fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 1,9 cm y un diámetro de 7,6 cm. 

Se trata de un pequeño gotero de porcelana con vidriado azul cobalto que presenta forma de pez, posiblemente una carpa.

Resalta como la carpa se encuentra representada enrollada, con la cola y la cabeza juntas en la parte inferior, mientras que la curva del cuerpo donde aparecen representadas las escamas es lo que ocupa la parte superior del gotero.

También cabe destacar que dentro de la sociedad coreana la carpa representa la fertilidad y un par de carpas están consideradas un símbolo de la unión de las energías femeninas y masculinas, de la mente y el corazón y de crear equilibrio.

Para finalizar subrayar que durante la dinastía Joseon los goteros de porcelana formaban parte de los instrumentos de escritura utilizado por los eruditos. Aparte se conoce que el agua de los goteros era utilizada para moler la piedra o barra de tinta y hacer la tinta líquida.

Además a menudo los goteros presentaban numerosas formas orgánicas, siendo las más habituales la forma de carpa, pero también se utilizaban goteros con forma de frutas como el melocotón, forma de animales como ranas y tortugas y formas de montañas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Collar Céltico

El Collar Céltico es un collar datado aproximadamente entre los años 400 a.C. y 300 a.C., perteneciente al arte celta.

Collar Céltico

Collar Céltico

Lo primero destacar que los investigadores piensan que por sus características pudo haber sido fabricado en el sur de Alemania o en Suiza.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista francés Julien Gréau.

Después estuvo en posesión del empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Collar Céltico fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 15,1 cm, una anchura de 14,9 cm, un grosor de 1,9 cm y un peso de 171 g. Está fabricado en aleación de cobre con restos de incrustaciones de pasta de vidrio.

Se trata un collar, torque o anillo para el cuello dónde la mitad inferior presenta la forma de una serie de cuentas grandes que alguna vez estuvieron incrustadas con esmalte rojo.

Aunque en la actualidad el collar se encuentra algo corroído, en general la pieza da una idea de cómo los artesanos celtas elaboraron la forma básica en forma de anillo.

Cabe resaltar que éste tipo de collar era utilizado tanto por hombres como por mujeres, es más a menudo era considerado como un símbolo de divinidad o de alto rango, además de servir para fines talismánicos.

Aparte destacar que a menudo los artistas celtas representaban a deidades llevando o sosteniendo collares y torques, y también se incluían como piezas votivas entre los tesoros votivos colocados en los santuarios y tumbas como parte del ajuar funerario.

Como curiosidad destacar que dos historiares romanos (Tácito y Dion Casio) describieron que la reina celta Boadicea (también conocida como Búdica, Buduica o Bonduca), que combatió contra los romanos en el este de Gran Bretaña, siempre llevaba un grueso collar de oro alrededor del cuello.

Para finalizar subrayar que el Collar Céltico está considerado un elegante ejemplo de una de las formas de joyería más importantes para los antiguos celtas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Fragmento de Estela con Glifos

El Fragmento de Estela con Glifos es un fragmento de estela datada aproximadamente entre los siglos IV d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Fragmento de Estela con Glifos

Fragmento de Estela con Glifos

Fue encontrada en el yacimiento arqueológico de Tortuguero, localizado en el municipio de Macuspana, ubicado en el estado de Tabasco, en México.

También se conoce que perteneció a la colección de arte de la galería "Edward Primus Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.961 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Estando en su colección de arte hasta que en el año 1.963 d.C. el Fragmento de Estela con Glifos fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 54 cm, una anchura de 81,3 cm y un grosor de 11,4 cm. Está fabricado en piedra.

Se trata de un fragmento en bajorrelieve del conocido como Monumento Tortuguero 6, que contiene uno de los textos jeroglíficos más infames y polémicos del corpus del período clásico Maya (período comprendido aproximadamente entre los años 250 d.C. y 900 d.C.).

El evento principal al que hace referencia el fragmento del texto del Monumento 6 de Tortuguero es la dedicación ritual de un edificio, muy posiblemente una estructura mortuoria, en la fecha del 9.11.16.8.18.9 Etz'nab 6 K'ayab del calendario maya (correspondiente con el 11 de enero del año 669 d.C.). 

Un señor local de Tortuguero autodenominado "Señor Jaguar", quemó fuego por primera vez en la estructura en esa fecha, activándola como un espacio ritual.

Además a lo largo del texto, el escultor hace referencia a finales de períodos calendarios pasados y futuros, similar a decir algo como "justo antes del Año Nuevo" o "después del último 4 de julio".

Se piensa que el escultor y los escribas hicieron esto para anclar los eventos mortales en los gigantescos ciclos cósmicos registrados tanto en la Cuenta Larga (un calendario lineal que cuenta desde un punto fijo en el año 3.114 a.C.), como en la Rueda Calendárica (un conjunto entrelazado de coeficientes (factor vinculado a un monomio, meses y días que ciclan completamente cada cincuenta y dos años).

Fragmento de Estela con Glifos

El texto se lee en dos columnas de izquierda a derecha y luego de arriba a abajo. 

El fragmento comienza con un número que proyecta la narración hacia adelante en el tiempo.

En concreto se puede leer lo siguiente: 

"Ciento dieciséis días después estaba sentado, 

luego descendió (o se levanto). 

Fue el primero, su pedernal y escudo (y) lanzas estaban unidos en Ayiin, luego Xam, el de Uux Te'K'uh sufrió una guerra estelar.

Fue el día 13 Kimi 14 Sek (9.10.11.9.6) (correspondiente con el año 644 d.C.), noventa y dos días después, el 18 K'ayab (9.10.12.3.10) (correspondiente con el año 645 d.C.), luego fue cortado ..."

Cabe destacar que éste pasaje es una construcción común en los textos mayas del período Clásico Tardío, en el que los reyes enumeraban sus conquistas en la conmemoración de un aniversario o dedicación de un santuario.

Las dos columnas centrales del fragmento comienzan con otro número y el registro de la ascensión de alguien al gobierno en el día 11 Chuwen 4 Muwaan (9.10.15.1.11) (correspondiente con diciembre del año 647 d.C.).

El siguiente número se proyecta hacia atrás en el tiempo, para recordarle al lector que treinta y un días antes de la toma de posesión del gobernante había un importante punto de control en el calendario que ocurrió el día 6 Ajaw, 13 Mak (9.10.15.0.0).

Mientras que el tercer par de columnas conservadas en el fragmento registran algo que sucedió en la fecha (9.11.15.0.0) (correspondiente con el año 667 d.C.), veinte años después del aniversario mencionado en las columnas anteriores.

Se puede afirmar que el breve texto conmemora la dedicación de un edificio denominado "Six-Stone House of Six Cached Hammer Celts" y transmite varias metáforas de la violencia, como derramamientos de sangre y el amontonamiento de cráneos, que se encuentran en las inscripciones mayas del período Clásico.

Para finalizar subrayar que durante muchos años, epigrafistas y entusiastas profanos enfocaron el pasaje final del texto como una "profecía", un relato de lo que habría sucedido en la fecha Ahaw 3 K'ank'in (13.0.0.0.0 4) en el calendario maya.

Ésta fecha se corresponde a un día de diciembre del año 2.012 d.C., lo que dio lugar a afirmaciones espurias y sensacionalistas sobre un fin de los días predicho por los antiguos mayas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Busto de Alessandro Peretti di Montalto

El Busto de Alessandro Peretti di Montalto es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.622 d.C. y 1.623 d.C., perteneciente al arte barroco.

Busto de Alessandro Peretti di Montalto

 

Busto de Alessandro Peretti 

Fue esculpida por el arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini.

Se conoce que en el año 1.682 d.C. la escultura se encontraba en la Villa Montalto Peretti Massimo (también denominada Villa Negroni), ubicada en el centro del actual del distrito decimoctavo de Roma Castro Pretrorio (indicado con R.XVIII), en la región del Lazio (Roma).

Lo siguiente que se conoce es que perteneció a la colección de arte del banquero privado, comerciante, coleccionista de arte y mecenas alemán Sir Johann Heinrich Wilhelm Schröder.

Busto de Alessandro Peretti di Montalto

En el año 1.910 d.C. la escultura pasó a formar parte de la colección de la fundación "Barón Johann Heinrich Wilhelm Schröder".

Hasta que en el año 1.918 d.C. el Busto de Alessandro Peretti di Montalto fue donado al Museo Hamburger Kunsthalle, ubicado en la ciudad de Hamburg, en el norte de Alemania.

¿Quién fue Alessandro Damasceni Peretti di Montalto?

Alessandro Damasceni Peretti di Montalto, también conocido como Alessandro Peretti di Montalto, fue un cardenal obispo católico italiano.

Busto de Alessandro Peretti di Montalto

Busto de Alessandro Peretti di Montalto

Descripción

Busto de Alessandro Peretti di Montalto

Tiene una altura de 88 cm y una anchura de 65 cm. Está esculpida en mármol, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura que representa el busto del cardenal obispo Alessandro Peretti di Montalto.

Está representado con la cabeza descubierta y ligeramente inclinada hacia el lado derecho.

La parte trasera es una hornacina redonda u ovalada con un borde en un color diferente al mármol de la parte delantera.

Es más aunque desde el frente la escultura parece totalmente escultórica, la obra en su conjunto debe entenderse como una imagen espacial en relieve con una fuerte vista desde abajo.

Busto de Alessandro Peretti di Montalto
(detalle)

La inclinación de la cabeza y la dirección de los hombros se encuentran desplazados entre sí en el ligero contraposto.

 Resalta la expresión concentrada en su pensamiento, aunque es demasiado compleja para definirla con más detalle, en cualquier caso la expresión es la que dota a la escultura de una gran sensación de viveza.

Es más mediante la torsión de la parte superior del cuerpo, el ligero movimiento en los pliegues de la muceta y la expresión concentrada del rostro se consigue que la escultura parezca tener vida.

Se encuentra ataviado con una muceta, es decir, una prenda corta que le llega hasta la altura de los codos y con botones en la parte delantera. Además se puede observar como de la parte superior le sobresale el cuello de la camisa.

En el rostro destaca las arrugas en la frente, los ojos almendrados, la nariz aguileña, los labios finos y el mentón pronunciado. Aparte mediante el uso de la técnica de cincelado se encuentran representadas la barba incipiente y las marcas de viruela.

Con respecto a la composición destacar el verismo, es decir, el realismo llevado al extremo, sobretodo destacan las marcas de viruela que flanquean la nariz y el fino cabello de la barba sin afeitar. 

Con lo que se puede afirmar que el cardenal obispo aparece representado en su fugacidad física, con las desfiguraciones en la cara que recuerdan el paso del tiempo.

También destaca como el tratamiento superficial diferenciado del mármol, originalmente pulido hasta obtener un alto brillo, reaccionó ( y todavía reacciona) a los efectos de la luz frente a la difusa oscuridad de la abertura del nicho, lo que crea una vivacidad adicional y enfatiza el carácter pictórico de la escultura.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores piensan que el Busto de Alessandro Peretti di Montalto  originalmente podría ser un busto funerario, pero tiene constancia de que fuera esculpido para ese fin, tan solo se encuentra documentada la instalación de la obra en la Villa Montalto Peretti Massimo de Roma (Italia).

Actualmente se encuentra en el Museo Hamburger Kunsthalle, Alemania.

Sello con Palacios Celestiales

El Sello con Palacios Celestiales es un sello datado en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Sello con Palacios Celestiales

Se conoce que fue hallado antes del año 1.926 d.C. en el interior de una cueva, que servía como retiro de meditación para los mojes, en la montaña de Khao Ok Thalu (también conocida como Phukhao Ok).

Localizada en la provincia de Phatthalung, en la península de Malaca, en Tailandia.

También se conoce que poco después de su descubrimiento pasó a formar del Museo Nacional de Bangkok (Tailandia).

Descripción

Tiene un diámetro de 6,5 cm. 

Se trata de un sello circular fabricado en arcilla cocida que presenta una representación en miniatura única de los palacios Celestiales, en la que Buda ocupa el palacio central, mientras que los bodhisattvas (personas que se encuentran en camino hacia la budeidad) están representados sentados cómodamente en los palacios subsidiarios.

También hay una inscripción moldeada que cita el credo budista "Ye dhamma" (un verso ampliamente utilizado en la antigüedad por los budistas, aparte se considerada que el verso presentaba la función de un mantra o hechizo sagrado).

La inscripción se encuentra escrita en escritura nagari (también conocida como nāgarī), una antigua forma de escritura india utilizada originalmente para escribir en prácrito y sánscrito.

Con respecto a la composición resaltar que el motivo del palacio celestial aparece por primera vez en la arquitectura de los templos de ladrillos edificados en el norte de la India a mediados del primer milenio.

Además resaltar que los palacios celestiales se encuentran reflejados en el arte temprano del sudeste asiático continental como parte de la fase inicial de la construcción de templos al estilo indio.

Para finalizar subrayar que el Sello con Palacios Celestiales fue expuesto, desde el 14 de abril del año 2.014 d.C. al 27 de julio del año 2.014 d.C., en la exposición "Lost Kingdoms: Hindu-Buddhist Sculpture of Early Southeast Asia, 5th to 8th Century" realizada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bangkok, Tailandia.

Baptisterio de Albenga

El Baptisterio de Albenga es un baptisterio datado aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Baptisterio de Albenga

Fue edificado en el corazón del centro histórico, justo en la pequeña plaza adyacente a vía Nino Lamboglia, en el municipio de Albenga.

Situado en la provincia de Savone, localizada en la región de Liguria, en Italia.

Baptisterio de Albenga

Descripción

Baptisterio de Albenga

Se trata de un baptisterio, es decir, un pequeño edificio, una pequeña iglesia con una capilla destinada a la administración del bautismo.

El edificio tiene planta decagonal exteriormente en la parte inferior, mientras que presenta una planta octogonal en la zona superior con arcos ciegos y ventanas curvas.

Además destacar que la planta decagonal inferior es en realidad una planta octogonal con dos esquinas redondeadas para adaptar la estructura al sistema viario (conjunto de terrenos e infraestructuras destinadas a la comunicación y transporte de personas y mercancías) de la época.

Es más en realidad, el interior se encuentra formado por ocho lados con hornacinas cuadradas y semicirculares, éstas últimas orientadas al exterior con ventanas de piedra arenisca.

Aparte resaltar que según algunos estudios sobre éstas ventanas, se cree que originalmente eran más alargadas y fue en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.) cuando fueron elevadas y cerradas por barreras de piedra arenisca con decoraciones típicas del arte lombardo.

Los arcos están sostenidos por pulnivo (ornamento arquitectónico estructural) paralelepípedos que actúan como mensuras bajo las cuales hay columnas de piedra corsa, con capiteles de estilo corintio que tienen sólo una función decorativa.

Baptisterio de Albenga

Baptisterio de Albenga

Se puede observar como en total son dieciséis los arcos que sostienen el tambor superior octogonal, que se corresponden con los nichos inferiores y están sostenidos por pilastras.

La bóveda de mampostería original fue destruida durante una incorrecta restauración ocurrida en el año 1.898 d.C., además mientras la bóveda era derribada surgieron unas ánforas tardoantiguas que eran utilizada para aligerar la cúpula.

El actual revestimiento de madera de la cúpula fue realizado en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) por el arquitecto, arqueólogo y pintor portugués, naturalizado italiano, Alfredo Cesar Reis Freire de Andrade (también conocido como Alfredo d'Andrade).

Baptisterio de Albenga

En el interior del baptisterio se pueden apreciar como en la entrada hay dos tumbas en arcosolio (hueco con abovedamiento con forma de arco utilizado como una tumba).

La tumba situada a la derecha se encuentra datada aproximadamente en el año 750 d.C. y está ornamentada con decoraciones típicas del arte lombardo.

Sin embargo actualmente en el Baptisterio de Albenga se encuentra un molde de la tumba original, puesto que la tumba se conserva en el Museo Diocesano de Albenga (Italia).

También se puede observar como situada en el centro se encuentra la pila bautismal, que era utilizada originalmente para realizar la celebración del sacramento del Bautismo por "inmersión".

Baptisterio de Albenga

Baptisterio de Albenga

Mientras que en dos hornacinas laterales se conservan: una pila bautismal de mármol datada en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) y otra pila bautismal construida en la Edad Media (período comprendido entre los años 476 d.C. y 1.492 d.C.).

En algunos tramos de las paredes aún se pueden apreciar vestigios de frescos datados en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), destacando un fresco que representa una escena del Bautismo.

Delante de la entrada, situada en una hornacina hay una decoración en mosaico datada en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.).

Baptisterio de Albenga

Baptisterio de Albenga

En el mosaico hay representados numerosos símbolos teológicos. En el centro aparece representado el monograma de Jesús encerrado en tres círculos concéntricos (símbolo de la Santísima Trinidad), cada uno con las letras griegas alfa y omega.

Además destacar que las letras son la primera y la última del alfabeto griego y representan el principio y el fin, es decir, simbolizan la totalidad de las cosas que están encerradas en Dios, dónde coinciden los opuestos y extremos. Es más la repetición de las letras en cada círculo indica que las tres personas de la Trinidad son igualmente Dios.

Baptisterio de Albenga

El monograma de Cristo se encuentra rodeado por doce palomas que se dirigen hacia un círculo con una pequeña cruz roja en el centro, un antiguo símbolo del mundo.

Aparte ésta representación conmemora a los doce apóstoles enviados por Cristo a predicar en el mundo y a bautizar en el nombre del Padre, del Hijo y del Espíritu Santo.

Como curiosidad destacar que la palabra paloma es un símbolo clásico del Espíritu Santo y tiene un valor numérico de 801 en griego, el mismo que las dos letras alga y omega, lo que subraya aún más que los apóstoles habían recibido el don del Espíritu Santo que es Dios.

En el luneto del fondo se pueden apreciar como hay representados dos corderos acercándose a la cruz y pastando en un prado florido (una simbología del Paraíso), es más los corderos probablemente indican el pueblo de la antigua alianza (los judios) y a los de la nueva alianza (los cristianos) que dirigen su mirada hacia la cruz, representada de enjoyada como un símbolo de victoria y gloria.

Baptisterio de Albenga

Baptisterio de Albenga

En el frontón aparece la advocación y los nombres de algunos santos cuyas reliquias probablemente se conservaban originalmente en el suelo. 

Mientras que el fondo del mosaico presenta un cielo estrellado, con estrellas de ocho puntas y rodeado por un marco de flores de ocho pétalos que indican el octavo día de la semana (domingo), el día según los fieles en el que Cristo venció a la muerte y resucitó.

Cabe resaltar que actualmente el Baptisterio de Albenga se encuentra casi a 3 metros por debajo del nivel actual de la ciudad de Albenga y situado adyacente a la Catedral de San Michele Arcangelo.

El acceso al baptisterio es a través de una escalera situada en el lateral de la catedral de San Michele Arcangelo que permite descender al nivel de la ciudad que databa en el siglo V d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 500 d.C.).

También se conoce que la escalera es una edificación posterior, en concreto fue construida en el año 2.000 d.C., año en el que el baptisterio volvió a albergar celebraciones religiosas.

Para finalizar subrayar que el Baptisterio de Albenga forma parte de los testimonios de la época histórica tardorromana y principios de la Edad Media de la ciudad de Albenga y su vasto territorio e indica el estrecho vínculo que existía en ese momento con la ciudad  de Milán (Italia).

Es más por estas razones el baptisterio se considera uno de los monumentos paleocristianos más conocidos e importantes edificados en el norte de Italia.

Figurilla con Forma de Dignatario

La Figurilla con Forma de Dignatario es una escultura datada aproximadamente entre los años 600 d.C. y 1.000 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Figurilla con Forma de Dignatario

Figurilla con Forma de Dignatario

Lo primero que se conoce es que la escultura fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas cerca de la actual ciudad de Ayacucho, situada en el centro del sur de Perú.

En el año 2.002 d.C. la Figurilla con Forma de Dignatario pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte Kimbell, ubicado en la ciudad de Fort Worth, localizada en el estado de Texas (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm, una anchura de 6,4 cm y un grosor de 2,6 cm. Está fabricada en madera con incrustaciones de conchas, plata y piedras.

Se trata de una pequeña escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un dignatario wari, está compuesta por incrustaciones intrincadas y densamente estampadas de nácar, concha de spondylus púrpura y naranja, concha de mejillón, turquesa, pirita, piedra verde, lapislázuli y plata (para el tocado) sobre una base de madera.

El torso se encuentra envuelto en una larga túnica ceremonial ornamentada con un tejido de tapiz entrelazado con tres filas de un motivo zoomorfo simplificado y abstracto, que puede leerse como cabezas de felino (jaguar o puma), o como llamas de pie.

Cabe resaltar que el uso de una túnica de tapiz en la corte identificaba el rango de cada uno en el imperio Wari y el énfasis en la elaboración de ésta túnica sugiere que la figura representada era un dignatario de cierto estatus.

Es más en vida las túnicas se usaban como un atuendo ceremonial y en la muerte se colocaban sobre la momia del portador como parte de su ajuar funerario.

Se puede apreciar como los brazos de piedra verde se encuentran perforados en cada hombro, posiblemente para que la escultura fuera suspendida por una cuerda y que se pudiera colgar como colgante.

Con respecto a la composición destacar que las incrustaciones de conchas y piedras y los complejos patrones textiles de la túnica se simplifican inevitablemente.

Además es el único ejemplo conocido de una escultura de bulto redondo o exenta completamente cubierta con la técnica de incrustaciones de concha.

Aparte la refinada artesanía y la amplia gama de materiales utilizados en su fabricación indican la presencia en la sociedad Wari de una élite que podía permitirse y apreciar un artículo de lujo, lo que probablemente servía para transmitir el estatus social de su propietario.

Para finalizar subrayar que la Figurilla con Forma de Dignatario fue prestada para ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", ocurrida entre el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. y el 28 de enero del año 2.018 d.C., en el Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América). 

También fue expuesta entre el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", llevada a cabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Kimbell, Estados Unidos de América.

Loza Gris Visigoda

La Loza Gris Visigoda es una losa datada aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Loza Gris Visigoda

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte visigodo.

Se conoce que fue comprada en la comunidad autónoma de Andalucía (España) por el coleccionista de arte británico Henry Terry, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en Gran Bretaña.

Hasta que en el año 1.889 d.C. la Loza Gris Visigoda fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 32,385 cm. 

Está fabricada en loza de barro, mediante las técnicas de incisión, tallado, cincelado y grabado.

Se trata de una loza gris que presenta su anverso ornamentado con el monograma Chi-Rho en relieve debajo de un arco de medio punto y entre dos columnas, que encierra un diseño de viera en la parte superior.

Aparte a la izquierda hay una total de tres letras imperfectas de una inscripción que continúa a la derecha, también se puede observar como hay se encuentran grabadas las letras griegas: alfa y omega.

La inscripción grabada en latín es la siguiente:

" (BRACARI) VIVAS C (VM) TVIS "

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

"Bracarus, que vivas mucho tiempo con tus compañeros"

También cabe resaltar que el análisis de termoluminiscencia (datación que permite averiguar el momento en que una determinada muestra mineral ha sido calentada por última vez hasta una temperatura superior a los 500ºC) realizado por "Oxford Authentication Ltd." en octubre del año 2.010 d.C., indicó que la fecha de la última cocción fue hace aproximadamente entre 1.200 y 1.900 años, lo que concuerda con el período de fabricación.

Para finalizar subrayar que se piensa que la Loza Gris Visigoda posiblemente proviene de la Villa del Cortijo de la Vizcondesa, dónde se han encontrado numerosos azulejos y losas similares y probablemente la mayoría pudieron haber sido fabricados en un taller cercano al pueblo de Ronda (España).

Además resaltar que éstos azulejos o losas no son sólo sepulcrales, sino que también se encontraban colocados en filas en marcos de madera en poderes y techos y posiblemente la mayoría originalmente se podrían encontrar policromados.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Ganesha Sentado

Ganesha Sentado es una escultura datada aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Ganesha Sentado

Se conoce que procede del reino de Lanna (también conocido como Las Na o Lannathi).

En la actualidad es un estado desaparecido, pero consistía en una serie de ciudades-estado parcialmente independientes ubicados en el norte de Tailandia.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista y escritor Steven M. Kossak, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.983 d.C. Ganesha Sentado fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en honor a la activista comunitaria afroamericana Helen Appo Cook.

Descripción

Tiene una altura de 31,4 cm, una anchura de 18,4 cm y un diámetro de 12,7 cm. 

Está fabricada en bronce.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura del dios Ganesha (dios de la sabiduría, la inteligencia, la prudencia, la abundancia, la política y los nuevos comienzos) en posición sedente sobre un pedestal ornamentado.

El dios, representado de manera naturalista, se encuentra ataviado con un pha nung (un trozo de tela largo y rectangular que tradicionalmente envuelve la parte inferior del cuerpo).

Destaca como el corpulento cuerpo tiene sólo dos brazos, con sus manos agarra su colmillo roto y una aguijada de elefante dañada, además se observa como las piernas están levantadas en una postura yóguica.

También se aprecia como lleva una tobillera, brazaletes de serpientes y un hilo sagrado en forma de serpiente atado al hombro izquierdo.

Para finalizar subrayar que la corona distintiva, la vestimenta envolvente plisada y el pedestal con una moldura decorada identifican a ésta escultura como procedente de Tailandia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Toalla de Mano Otomana

La Toalla de Mano Otomana es una toalla datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Toalla de Mano Otomana

Lo primero que se conoce es que la toalla se encontraba en posesión de la aristócrata británica Winnifreda Dawson-Damer (Condesa de Portarlington).

Entre los días 21 y 22 de septiembre del año 1.976 d.C. la toalla fue subastada, dentro del "lote 1039" por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprada por un precio de £18 por el escritor, anticuario y coleccionista británico Hon Christopher Lennox-Boyd.

En el año 2.013 d.C. la Toalla de Mano Otomana fue donada por los albaceas de Hon Christopher Lennox-Boyd al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Toalla de Mano Otomana
(detalle)

Toalla de Mano Otomana
(detalle)

Descripción

Tiene una anchura de 51,50 cm y una longitud de 122 cm. Está fabricada en algodón, seda, hilo de oro e hilo de plata.

Se trata de una toalla de mano de algodón tabby (la trama tabby suele ser del mismo hilo (tamaño y color) que la urdimbre) color crema finamente bordada con hilos de seda y metalizados.

Hay dos paneles de bordados idénticos, situados uno en cada extremo de la urdimbre, y se puede observar como la decoración de cada panel bordado esta compuesto por dos bandas bordadas.

Siendo la mayor de las dos bandas la que tiene bordado dos edificios idénticos, posiblemente mezquitas, con minaretes florales entrelazados que forman arcos que encierran un gran motivo floral verde y están rodeados por una variedad de ramitas florales y motivos de hojas trabajados en sedas multicolores, hilo plateado e hilo de oro (enrollado alrededor de un núcleo de seda).

Mientras que la banda más estrecha tiene una hilera de botones flores y hojas alternados que han sido ejecutado mediante sedas multicolores.

Con respecto al estado de conservación resaltar que hay manchas en el cuerpo de la toalla, pero los bordados se encuentran en muy buenas condiciones.

Para finalizar subrayar que las toallas de mano bordadas de algodón se inventaron por primera ver en el Imperio Otomano como piezas planas de ropa blanca utilizada como artículos ceremoniales para las novias, siendo utilizadas después de baños prenupciales por las novias.

Además resaltar que tiempo después las toallas de mano fueron utilizadas como un uso ritual para limpiar tanto el cuerpo como el alma en los baños turcos tradicionales (conocidos con el nombre de "hammams"), dónde los baños estaban siempre calientes y húmedos y se requerían el uso de una toalla que no fuera pesada cuando se mojara.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Impresión de un Sello con un Barco

La Impresión de un Sello con un Barco es un sello datado aproximadamente entre los siglos IV d.C. y V d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 500 d.C.), perteneciente al arte indio.

Impresión de un Sello con un Barco

Se conoce que fue hallado en la ciudad de Nakhon Pathom, localizada en la provincia de Nakhon Pathom.

Situado en el departamento de Amphoe Mueang Nakhon Pathom, en Tailandia.

Descripción

Tiene una altura de 4,5 cm y una anchura de 5 cm. 

Está fabricado en arcilla.

Se trata de un sello con forma ovalada, casi circular, que tiene representado un barco oceánico en el mar, el barco cosido (también conocido como barco atado) presenta las tracas del casco unidas mediante ataduras con cuerdas y costillas de refuerzo, un solo mástil y un timón lateral de popa.

Cabe resaltar que por las características del barco se puede afirmar que es un tipo de barco muy utilizado en el Océano Índico durante el primer milenio (período comprendido entre los años 1 d.C. y 1.000 d.C.).

También destacar que la Impresión de un Sello con un Barco, encontrado en el centro de Tailandia, es un ejemplo del comercio marítimo entre el sur de Asia y los territorios de Tailandia.

Es más varios de éstos sellos indios sugieren una presencia significativa de comerciantes indios y otros comerciantes extranjeros en la región.

Además durante el primer milenio (período comprendido entre los años 1 d.C. y 1.000 d.C.), en el este de la India, los sellos de arcilla podrián haber servido como garantías para el envío de mercancías.

Aparte por las características del barco representado se cree que el sello pudo haber sido fabricado en el estado de Andhra Pradesh, ubicado al sureste de la India.

Para finalizar subrayar que la Impresión de un Sello con un Barco fue expuesta desde el 14 de abril del año 2.014 d.C. al 27 de julio del año 2.014 d.C. en la exposición: "Lost Kingdoms: Hindu-Buddhist Sculpture of Early Southeast Asia, 5th to 8 th Century", ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bangkok, Tailandia.

Cabeza de un Ovino

La Cabeza de un Ovino es una escultura datada aproximadamente entre los años 3.300 a.C. y 2.900 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Cabeza de un Ovino

Además destacar que se conoce que fue esculpida durante el período Yemdet Nasr (también conocido como Jemdet Nasr), período comprendido entre los años 3.200 a.C. y 3.000 a.C..

Perteneció a la colección de arte del escritor y coleccionista polaco Elie Borowski, formando parte de su colección ubicada en la ciudad de Basilea (Suiza).

Después perteneció a la colección del coleccionista y comerciante de arte estadounidense Ben Heller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Cabeza de un Ovino fue comprada por el Museo de Arte Kimbell, localizado en la ciudad de Fort Worth, situada en el estado de Texas (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 14,6 cm, una anchura de 14 cm y un grosor de 15,6 cm.

Se trata de una escultura de terracota que representa de forma naturalista la cabeza de una oveja, destacando sobretodo la representación de los ojos con las cuencas muy marcadas, las fosas nasales y la boca representadas mediante profundas incisiones y las orejas echadas hacia delante enmarcado la cabeza. 

También cabe destacar que originalmente la escultura podría haber formado parte de una escultura completa de una oveja y podría haber sido expuesta en un templo, aunque si éste es el caso se desconoce la funcionalidad ritual que podría haber tenido. 

Para finalizar subrayar que en la sociedad sumeria, los corderos sagrados estaban asociados con la diosa Ninhursag (diosa Madre sumeria, diosa de la fertilidad, la naturaleza y la vida en la tierra) y se ha sugerido que la oveja simboliza a la diosa Duttur (diosa mesopotámica de la leche, el pastoreo de ovejas y el inframundo, también conocida la madre de Dumuzid).

Aparte resaltar que los templos sumerios poseían grandes extensiones de tierra y se encontraban muy involucrados en la cría de animales. Especialmente en el pastoreo de ovejas y ganado vacuno que era un tema recurrente en el arte y la literatura sumerios tempranos.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Kimbell, Estados Unidos de América.

Máscara de Cintéotl

La Máscara de Cintéotl es una máscara datada aproximadamente entre los años 900 a.C. y 400 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Máscara de Cintéotl

Lo primero que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la parte sureste del estado de Veracruz (México).

También se conoce que se encontraba en posesión del coleccionista de arte, diplomático y filántropo estadounidense Robert Woods Bliss.

Formando parte de la colección de arte de la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks.

Localizada en la ciudad de Washington D.C. (también denominada Distrito de Columbia), en Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 20,6 cm, una anchura de 17,8 cm y un grosor de 10,8 cm. 

Está fabricada en jadeita, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una máscara que representa al dios Cintéotl (dios del Maíz, patrón de la ebriedad y la bebida en los rituales).

En el rostro redondeado del dios sobretodo destaca el labio superior hacia arriba, un rasgo distintivo del dios, las cuencas de los ojos hundidas con el iris perforado y la nariz con las fosas nasales perforadas.

Además presenta perforaciones laterales que sugieren que la máscara originalmente podría haber tenido una función ritual como un cinturón ornamental, pectoral o tocado.

Con respecto a la composición destacar que el azul profundo del jade de la máscara demuestran que para los olmecas éste era el material más valioso.

Para finalizar subrayar que la Máscara de Cintéotl fue expuesta desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", ocurrida en el Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América).

También fue expuesta desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. en la exposición: "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", llevada a cabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks, Estados Unidos de América.