Panel Rectangular Fenicio

El Panel Rectangular Fenicio es una panel datado aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Panel Rectangular Fenicio

Panel Rectangular Fenicio

Fue hallado en el año 1.847 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el viajero británico, arqueólogo, dibujante, coleccionista, escritor, político y diplomático Austen Henry Layard.

En la zona noreste del Palacio de Nimrud, ubicado junto al río Tigris, localizado aproximadamente a 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul, en el actual Irak.

En el año 1.848 d.C. el Panel Rectangular Fenicio fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Oriente Medio.

Descripción

Tiene una altura de 9,80 cm, una longitud de 10,80 cm y una anchura de 5 cm. 

Se trata de un panel rectangular de marfil en relieve que muestra a un joven de pie, mirando hacia el lado izquierdo y agarrando un árbol de loto estilizado, formado por una flor de loto que se alza desde una doble voluta, en un gesto de adoración.

Está ataviado con el atuendo real egipcio: un tocado conocido como "kheperesh" (también conocido como corona azul o corona de guerra) con uraeus al frente y cintas en la espalda. También lleva un collar y un faldón corto.

Se puede apreciar como lleva un cinturón anudado al frente con una cola similar a la de los faraones que cuelga de él en la espada.

Aparte lleva una prenda exterior que se extiende por el costado derecho hasta los tobillos, pero se recoge en la otra pierna. Los investigadores creen que se usaría fuera del faldón, aunque siguiendo la convención gráfica egipcia, pasa por debajo de éste, pareciendo reflejar la túnica que usan las figuras divinas sirias y asirias.

Cabe destacar que se piensa que originalmente el panel formaba parte de una composición mayor y tenía cuatro lengüetas salientes arriba y abajo para su sujeción.

Además se puede apreciar como en el reverso hay dos letras grabadas en idioma fenicio (lengua semítica noroccidental, perteneciente al grupo cananeo y estrechamente relacionado con el idioma hebreo).

En concreto se puede leer la letra "bet" (la segunda letra del alfabeto fenicio). 

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Panel Rectangular Fenicio originalmente podría haber sido un objeto llevado a la antigua ciudad de Nimrud por algún comerciante o navegante fenicio siendo un objeto procedente de un intercambio comercial.

Sin embargo otros investigadores consideran que también originalmente el Panel Rectangular Fenicio podría haber formado parte de un botín de guerra.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos

La Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos es una botella datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Botello con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos

Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos

Lo primero que se conoce es que en el año 1.938 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte Bruño J. Wassermann.

Localizada en la localidad de Bahía de San Blas, situada en el extremo sudeste de la provincia de Buenos Aires, en Argentina.

En el año 1.954 d.C. la botella fue comprada por el empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Chicago, situada en el estado de Illinois, en Estados Unidos de América. 

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos

Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos

Descripción

Tiene una altura 23,5 cm y una anchura de 15,9 cm. 

Se trata de una botella  con pico de estribo, puesto que la forma del pico recuerda al estribo de la silla de montar de un caballo y fue una forma muy aprecia en la costa norte de Perú, distintiva dentro del arte moche.

Presenta una base plana y sobretodo destaca como el cuerpo de la botella de cerámica combina las imágenes de un rostro humano con colmillos retorcidos, arrugado en el lado derecho, un búho y posiblemente un caracol antropomorfizado (se refiere a algo a lo que se le han atribuido características o cualidades humanas), todos ellos aparentemente emergiendo de una forma vegetal bulbosa.

Con respecto a la composición resaltar que las criaturas suelen representarse por separado en el arte moche, por lo que se desconocen las razones del porqué el artista moche las combinó en éste caso.

Sin embargo también se sabe que algunas piezas de cerámica moche difuminan la distinción entre lo real y lo imaginario en el mundo natural y podrían haber representado una continuidad entre especies animales y vegetales.

En ocasiones, la inspiración para estas obras provino de piedras o tubérculos de formas excéntricas, en los que la gente veía otras formas.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Botella con Pico de Estribo Inspirada en Tubérculos pudo haber sido encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el valle del río Nepeña, situado en la provincia de Santa, localizada en el departamento de Ancash, en la costa norte del Perú.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ladrillo con Diseño Guilloché

El Ladrillo con Diseño Guilloché es un ladrillo datado aproximadamente en el siglo IX a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Ladrillo con Diseño Guilloché

Ladrillos con Diseño Guilloché

Fue hallado entre los años 1.951 d.C. y 1.956 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo británico Max Edgar Lucien Mallowan (también conocido como Max Mallowan) en la antigua ciudad de Nimrud, situada junto al río Tigris, en Irak.

Cabe destacar que las excavaciones fueron realizadas en nombre de la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

En el año 1.956 d.C. el Ladrillo con Diseño Guilloché fue cedido en la división de hallazgos a la Escuela Británica de Arqueología.

Hasta que en el año 1.957 d.C. el ladrillo fue adquirido, gracias a su contribución financiera en las excavaciones, por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm, una anchura de 35,6 cm y un grosor de 16,5 cm. 

Se trata de un ladrillo de cerámica vidriada con forma hexagonal, compuesto por dos fragmentos unidos, que ofrece un ejemplo en color de un patrón guilloché presente en gran parte del arte asirio.

Para finalizar subrayar que se conoce que originalmente los palacios asirios estaban ornamentados con colores brillantes y patrones elaborados, aunque lamentablemente, se conserva poca de ésta policromía.

Pequeñas cantidades de pigmento permanecen visibles en algunos relieves, pero rara vez en marfiles, mientras que las imágenes en el arte también pueden dar la impresión de textiles que no se han conservado.

Quizás en la actualidad las mejores fuentes de policromía en los palacios sean los fragmentos de elementos arquitectónicos de cerámica pintada y vidriada, como el Ladrillo con Diseño Guilloché.

Es más enfatizar que el ladrillo pintado y vidriado es una categoría importante en el arte del antiguo Oriente Próximo.

Siendo algunos ejemplos más espectaculares encontrados en la Babilonia de Nabucodonosor y en el palacio del rey persa aqueménida Darío I, edificado en la ciudad de Susa (Irán).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Urpu Incaico

El Urpu Incaico es un urpu datado aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.535 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Urpu Incaico

Urpu Incaico

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Perú.

Después pasó a formar parte de una colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.963 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.963 d.C. y 1.978 d.C. el urpu fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Urpu Incaico fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Urpu Incaico

Descripción

Tiene una altura de 18,4 cm, una anchura de 17,5 cm y una profundidad de 13,3 cm. 

Está elaborado en cerámica y engobe.

Se trata de un recipiente conocido como urpu que presenta un cuerpo globular, una base puntiaguda, un cuello largo y el borde acampanado.

Además se puede observar como el hombro de la cámara tiene una agarradera central con forma de cabeza estilizada y a ambos lados hay dos pequeñas asas.

También llama la atención como el cuello está pintado con engobe rojo, una parte del cuerpo, así como las asas y la base presentan el color natural marrón claro de la cerámica y tres registros de un patrón de rombos están pintados en un lado del cuerpo ornamentado con engobe negro.

Para finalizar subrayar que se sabe que los urpus fueron la forma más reconocible de la cerámica de estilo imperial inca. 

Es más se conoce que los urpus grandes, de hasta 114 cm de altura, se utilizaban para transportar y servir aqha (chicha o cerveza de maíz) en celebraciones rituales realizadas por el estado inca.

Aparte versiones más pequeñas, como el Urpu Incaico, cumplían funciones votivas en lugares sagrados ubicados en todo el imperio.

Igualmente se conoce que muchas de las mismas características que se encuentran en los urpus de tamaño natural se replicaban en los urpus de pequeña escala, incluyendo la base puntiaguda que permitía que los grandes urpus se enterraran en la tierra para conseguir una mayor estabilidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Crowds Running for Shelter When the Air-raid Alarm Sounded

Crowds Running for Shelter When the Air-raid Alarm Sounded, también conocida como Multitud Corriendo a Refugiarse cuando Suena la Alarma Antiaérea, es una fotografía datada en mayo del año 1.937 d.C., perteneciente al arte fotográfico. 

Crowds Running for Shelter When the Air-raid Alarm Sounded

Fue tomada por el fotógrafo húngaro Endre Ernő Friedmann (también conocido como Endre Friedmann o Robert Capa).

En la ciudad de Bilbao, situada en la provincia de Vizcaya, en la comunidad autónoma de El País Vasco (España).

Descripción

Se trata de una fotografía en blanco y negro tomada en la ciudad de Bilbao durante la Guerra Civil Española (conflicto bélico ocurrido entre los años 1.936 d.C. y 1.939 d.C. enfrentando a dos bandos principales: el bando republicano y el bando nacionalista).

La imagen muestra el momento en que un grupo de personas escucha la alarma antiaérea, que indica que la aviación enemiga se acercaba para un bombardeo.

Cabe destacar que la comunidad autónoma de El País Vasco fue tradicionalmente una región conservadora de España, pero sin embargo apoyó al gobierno republicano en su lucha contra los nacionalistas del militar y dictador español Francisco Franco Bahamonde (también conocido como Francisco Franco) y sus aliados.

En éste dramático momento una mujer mira al cielo mientras cruza una calle con una niña pequeña, probablemente su hija, de la mano.

Un grupo de cinco personas, dos hombres y tres mujeres, también escuchan la alarma antiaérea y no ocultan su visible preocupación mientras miran al cielo, excepto por una mujer, aunque las cinco personas permanecen en silencio.

Además cabe enfatizar que desde la perspectiva en la que está tomada la fotografía no se sabe con certeza si pueden ver algún avión aproximándose.

Sin embargo la mirada de las personas dirigidas al cielo parece invitar al espectador a imaginar lo que hay en el cielo.

Para finalizar subrayar que ésta fotografía Crowds Running for Shelter When the Air-raid Alarm Sounded se encuentra considerada una de las fotografías más famosas durante el conflicto. 

Aparte resaltar que el fotógrafo húngaro Robert Capa tomó numerosas fotografías de multitudes corriendo a refugiarse durante la Guerra Civil Española.

Es más enfatizar que la fotografía se ha interpretado como ambigua, ya que no representa la guerra ni ofrece un comentario moralizador.

Pero otros académicos la han descrito cómo la popularidad de ésta imagen y otras similares generó la sensación de que el fascismo era un fenómeno particularmente europeo.

Actualmente una copia impresa de la Crowds Running for Shelter When the Air-raid Alarm Sounded se conserva en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York (Estados Unidos de América).

Cabeza de un Bodhisattva Coronado

La Cabeza de un Bodhisattva Coronado es una escultura datada aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Cabeza de un Bodhisattva Coronado

Cabeza de un Bodhisattva Coronado

Fue hallada en el año 1.962 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en una estupa en el yacimiento arqueológico de Khu Bua.

Ubicado en el subdistrito de Khua Bua, localizado a 12 km al sureste de la ciudad de Ratchaburi, situada en la provincia de Ratchaburi, en Tailandia.

Poco después de su descubrimiento la Cabeza de un Bodhisattva Coronado pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Bangkok (Tailandia).

Descripción

Tiene una altura de 41 cm, una anchura de 28 cm y una profundidad de 20 cm. Está esculpida en terracota con estuco.

Se trata de la escultura de la cabeza coronada y enjoyada de un bodhisattva (persona que ha alcanzado la iluminación espiritual, pero que voluntariamente renuncia al nirvana y se compromete a ayudar a otros a alcanzar la liberación), es decir, un salvador budista.

Llama la atención como la cabeza está representada con un sutil modelado, especialmente los ojos de párpados gruesos que enfatizan la mirada hacia abajo en señal de compasión.

También en el rostro ovalado destacan la nariz recta y grande y los labios carnosos curvados en una sonrisa que realzan los pómulos.

Además la corona escalonada, con sus adornos de diadema recubiertos de hilos de perlas colgantes, es una obra maestra de la ornamentación.

Cabe resaltar que la Cabeza de un Bodhisattva Coronado formaba parte de un elaborado programa que representaba budas y bodhisattvas en alto relieve que se extendía alrededor de la plataforma procesional de la estupa.

Se conoce que los relieves eran originalmente policromados y debieron ser una maravilla para los monjes y devotos laicos del siglo VII (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.) al realizar el acto de devoción pradakshina, consistente en caminar en el sentido de las agujas del reloj alrededor de un objeto sagrado, deidad o templo.

Para finalizar subrayar que la Cabeza de un Bodhisattva Coronado fue prestada desde el 14 de abril al 27 de julio del año 2.014 d.C.  al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesta en la exposición "Lost Kingdoms: Hindu-Buddhist Sculpture of Early Southeast Asia, 5th to 8th Century" (Reinos Perdidos: Escultura Hindú-Budista del Sudeste Asiático Temprano, Siglos V al VIII).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bangkok, Tailandia.

Beaker 11/18/2024

Beaker 11/18/2024, también conocido como Vaso de Precipitados 11/18/2024, es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Beaker 11/18/2024

Beaker 11/18/2024

Lo primero que se conoce es que el recipiente perteneció a la colección de arte del coleccionista Juan Luis Pereira.

En el año 1.964 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.964 d.C. y 1.978 d.C. fue cedido para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asía, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. el Beaker 11/18/2024 fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Beaker 11/18/2024

Descripción

Tiene una altura de 8,9 cm, una anchura de 6,4 cm y una profundidad de 6,4 cm. 

Está fabricado en esteatita, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de un recipiente, un pequeño vaso de precipitados que presenta una decoración tallada en su cuerpo exterior compuesta por iconografía de plantas estilizadas.

Sobretodo destacan como las formas alargadas y similares a hongos podrían ser representaciones muy estilizadas de los frutos y de las Brugmansia (comúnmente conocida como trompeta del ángel, cabe destacar que los efectos pueden variar dependiendo de la cantidad y la forma consumida, siendo algunos efectos más comunes los siguientes: confusión, desorientación y alucinaciones intensas y pertubadoras).

Además las cabezas y brazos de las aves que emergen de los extremos de los tallos podrían ser evocaciones de los efectos alucinógenos del consumo de ésta planta.

Para finalizar subrayar que el Beaker 11/18/2024 hace referencia a las prácticas religiosas en los Andes, sobretodo en las sociedades cupisnique y chavín, que eran actos físicos en los que el cuerpo era un medio para percibir y experimentar lo divino.

Es más se conoce que el consumo de enteógenos (sustancias, típicamente de plantas o hongos, que producen un estado alterado de la conciencia, generalmente alucinógenos) estaba muy extendido entre las antiguas sociedades indígenas americanas, una práctica que continúa de hecho hasta el presente en muchas comunidades.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Perros en Traílla

Perros en Traílla, también conocido como Perros y útiles de Caza, es un cartón para tapiz datado en el año 1.775 d.C., perteneciente al arte rococó.

Perros en Traílla

Fue pintado por el pintor y grabador español Francisco José de Goya y Lucientes (también conocido como Francisco de Goya).

La pintura formó parte del primer encargo que recibió el autor para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara.

Siendo Perros en Traílla entregado el 25 de mayo del año 1.775 d.C..

Cabe destacar que fue almacenado en los sótanos del Palacio Real de Madrid (también conocido como Palacio de Oriente) e incluso se consideró en el año 1.869 d.C. por desaparecido.

Formó parte de la colección de arte del pintor español Raimundo de Madrazo y Garreta (también conocido como Raimundo de Madrazo).

Hasta que en el año 1.894 d.C. Perros en Traílla fue donado al Museo del Prado, ubicado en la ciudad de Madrid, localizada en la comunidad autónoma de Madrid, en España.

Perros en Traílla

Descripción

Tiene una altura de 112 cm y una anchura de 174 cm. 

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de un cartón para tapiz que presenta una escena de dos perros de caza (perros usados para asistir al ser humano durante una cacería) encima de un montículo sobre un paisaje de campo.

Ambos perros están encadenados sobre un montículo, se puede observar como el perro situado a la derecha está recostado, mientras que el perro situado al lado izquierdo se encuentra representado erguido con los ojos fijos en el espectador.

Delante de los perros colocados en el suelo y sobre una piedra están los útiles del cazador: dos escopetas, un cuerno de pólvora, bolsas que contienen las balas o perdigones, un zurrón y un cuchillo enfundado.

En el fondo destacan los arbustos y la vegetación situados en el lado derecho y el cielo en tonos azules con algunas nubes blancas.

Con respecto a la composición destacar el uso de la policromía dónde la tonalidades verdes de los arbustos destacan sobre el fondo en tonalidades azules del cielo.

Para finalizar subrayar que se conoce que originalmente Perros en Traílla estaba destinado a adornar, como sobrepuerta, el comedor en la zona palaciega del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial de los entonces príncipes de Asturias, el rey de España Carlos IV de España (también conocido como "el Cazador") y su esposa la reina consorte de España María Luisa de Borbón-Parma.

Es más enfatizar que el tema elegido "La Caza" se encuentra en consonancia con el uso que hacían en Otoño los monarcas del complejo del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

Cabeza Yoruba de una Figura

La Cabeza Yoruba de una Figura es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XII d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte africano.

Cabeza Yoruba de una Figura

Cabeza Yoruba de una Figura

Cabeza Yoruba de una Figura

Fue esculpida por un artista yoruba en un taller ubicado en la región de Esie, situado en la ciudad de Offa (Nigeria).

El artista pertenece al pueblo Yoruba (una etnia africana compuesta por un gran grupo etnolingüístico de personas, principalmente en Nigeria y otros países de África occidental).

Lo primero que se conoce es que fue adquirido en la ciudad de Offa (Nigeria) por el etnólogo y arqueólogo alemán Leo Viktor Frobenius.

En el año 1.912 d.C. fue adquirida por la empresaria y coleccionista de arte polaca Helena Rubinstein, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 21 de abril del año 1.966 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.966 d.C. y 1.978 d.C. la escultura fue cedida al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, África, Oceanía y Europa.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Cabeza Yoruba de una Figura fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cabeza Yoruba de una Figura

Descripción

Tiene una altura de 28,6 cm, una anchura de 14 cm y una profundidad de 15,2 cm. 

Está esculpida en esteatita, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura que representa la cabeza de una mujer con los ojos almendrados bien definidos, orejas muy atrasadas y tres escarificaciones prominentes junto al ojo izquierdo, siendo estos tres rasgos faciales comunes entre las figuras de Esie.

Sin embargo si bien algunas esculturas de Esie se han descrito como de expresión solemne, la Cabeza Yoruba de una Figura destaca por la boca representada abriéndose en una leve pero amable sonrisa.

Cabe destacar que se puede apreciar como el escultor ha prestado especial atención al elaborado peinado de la mujer, que es casi tan grande como su cabeza y crea un vivo contraste con ella.

Para finalizar subrayar que todas las cabezas de las figuras de Esie son desproporcionadamente grandes en relación con sus cuerpos, un énfasis visual también común en las tradiciones escultóricas de Ife, con las que a veces se las ha comparado.

Al igual que en las artes de muchos pueblos africanos, la Cabeza Yoruba de una Figura es un realce visual de la cabeza que pretendía reflejar la importancia que le otorgaba la cultura.

Se conoce que esta escultura de piedra forma parte de un grupo de más de mil esculturas conocidas halladas en un yacimiento profanado o desordenado ubicado en la ciudad yoruba de Esie, en el centro-norte de Nigeria.

Allí se encontró un conjunto de figuras de esteatita de mujeres, hombres y animales, la mayoría con signos de daño deliberado y en un aparente acto de desfiguración organizada.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Female Interns Practicing Calisthenics at Manzanar

Female Interns Practicing Calisthenics at Manzanar, también conocida como Internas Practicando Calistenia en el Campo de Internamiento de Manzanar o Prisioneras Practicando Calistenia, es una fotografía datada en el año 1.943 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

Female Interns Practicing Calisthenics at Manzanar

Fue tomada por el tomada por el fotógrafo estadounidense Ansel Easton Adams (también conocido como Ansel Adams).

Cabe destacar que el título de la fotografía está transcrito del pie de foto en el reverso de la impresión.

La fotografía fue donada por el autor a la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos de América, ubicada en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Se trata de una fotografía que captura el momento durante la Segunda Guerra Mundial (conflicto militar global ocurrido entre los años 1.939 d.C. y 1.945 d.C. y que involucró a la mayoría de los países del mundo) en el que mujeres japonesas estadounidenses, internadas en el campo de internamiento de Manzanar (también llamado campo de concentración de Manzanar), realizan ejercicio físico.

En la fotografía, una joven se encuentra en primer plano, con una expresión neutra mientras extiende los brazos hacia los lados, extendiendo las manos hacia otras personas que también tienen los brazos extendidos, pero que quedan fuera del encuadre.

Lleva un cárdigan abotonado y una falda, también destaca como el cabello está cuidadosamente cortado a la altura de un bob (corte de cabello recto que se extiende a la altura de la mandíbula y con flequillo).

Detrás de ella, parcialmente desenfocados, se pueden observar otras personas participantes en la misma actividad física, todas en aparente en sincronía.

Además se aprecia como el cielo despejado y el fondo austero sugieren un entorno abierto y al aire libre, también llama la atención como se puede ver ropa tendida detrás de los participantes, lo que indica el carácter residencial del entorno.

Para finalizar subrayar que la fotografía Female Interns Practicing Calisthenics at Manzanar sirve como un documento histórico que refleja las condiciones y la vida cotidiana en el campo de internamiento.

La imagen transmite una sensación de normalidad y rutina en medio de las extraordinarias circunstancias del internamiento en tiempos de guerra.

Actualmente se encuentra en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos de América, Estados Unidos de América.

Disco de Ballyshannon

El Disco de Ballyshannon es un disco datado aproximadamente entre los años 2.500 a.C. y 2150 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Disco de Ballyshannon

Fue hallado en el año 1.669 d.C. por dos hombres que buscaban un lugar descrito en una antigua canción irlandesa donde un hombre de estatura gigantesca fue enterrado con ornamentos de oro.

El lugar dónde fue encontrado fue la localidad de Ballyshannon, ubicada en el condado de Donegal, localizado en la provincia de Úlster, en Irlandia.

Cabe destacar que el hallazgo apareció en el año 1.695 d.C. en la edición de la "Britannia de Camden", siendo el primer relato regional importante sobre la historia y las antigüedades de Gran Bretaña e Irlanda.

En el año 1.696 d.C. el Disco de Ballyshannon fue donado al Museo Ashmolean (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de la colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 5,5 cm.

Se trata de un disco fabricado en una fina lámina de oro batido que presenta una decoración repujada en relieve en forma de cruz rodeada de círculos y patrones geométricos.

Además llama la atención como tiene una perforación central y los investigadores piensan que podrían haber sido utilizados para fijar el disco a un soporte, pudiendo usarse en prendas.

Para finalizar subrayar que objetos como éste se conocen como "discos solares" y constituyen una de las formas más antiguas de orfebrería laminada encontradas en Gran Bretaña e Irlanda.

Cabe resaltar que a menudo los objetos se encuentran solos o en parejas en entierros. Es más enfatizar que el Disco de Ballyshannon es uno de los dos discos muy similares que se registraron encontrados en el mismo lugar, sin embargo se desconoce el destino del otro disco.

Actualmente se encuentra en el Museo Ashmolean, Gran Bretaña.

La Torre de los Caballos Azules

La Torre de los Caballos Azules es una pintura datada en el año 1.913 d.C., perteneciente al expresionismo. 

La Torre de los Caballos Azules

Fue pintada por el pintor alemán Franz Moritz Wilhelm Marc (también conocido como Franz Marc).

Desde el 18 de septiembre al 1 de diciembre del año 1.913 d.C. la pintura fue exhibida en la exposición de arte Primer Salón de Otoño Alemán (Erstem deutschen Herbstsalon), ocurrido en la ciudad de Berlín (Alemania).

En julio del año 1.919 d.C. la pintura fue comprada por 20.000 marcos por el historiador de arte alemán y director de la Galería Nacional de Berlín Ludwing Albert Ferdinand Justi.

Después de su adquisición fue expuesta, en un lugar destacado, en el Kronprinzenpalais (en la actualidad centro de eventos "Crown Prince's Palace" en la ciudad de Berlín, Alemania).

Cabe resaltar que los visitantes a los Juegos Olímpicos de 1.936 d.C. aún pudieron apreciarla, pero en el año 1.937 d.C. fue retirado y confiscado por los Nationalsozialisten (miembros del Partido Nacional Socialista Obrero Alemán, comúnmente conocido como Partido Nazi).

La pintura fue expuesta a partir del 19 de julio del año 1.937 d.C. en la exposición "Entartete Kunst" (Arte Degenerado) en el "Archäologischen Institut" (Instituto Arqueológico Alemán).

El 14 de noviembre del año 1.937 d.C. la pintura fue retirada de la exposición, como otras obras del pintor alemán Franz Marc, después de que la Asociación de Oficiales Alemanes protestaran ante la Cámara de Bellas Artes del Reich contra la inclusión en la exposición de imágenes consideradas "degeneradas" y que debían ser vendidas en Suiza para generar divisas.

La pintura fue almacenada temporalmente en el castillo de Niederschönhausen, se dice que el político, militar y aviador alemán Hermann Wilhelm Göring pagó un precio de 165.000 marcos alemanes por trece pinturas, entre las cuales estaba La Torre de los Caballos Azules.

El historiador de arte, coleccionista de arte alemán y antiguo guardián de arte del Reich Edwing Redslob y el periodista alemán Joachim Nawrocki afirmaron haber visto la pintura después del final de la Segunda Guerra Mundial (conflicto bélico global que ocurrió desde el año 1.939 d.C. hasta el año 1.945 d.C. e involucró a la mayoría de las naciones de mundo).

Según Edwing Redslob la contempló en la "Haus am Waldsee" (antigua sede de la Cámara de Cine del Reich) en la localidad de Zehlendorf localizada dentro del distrito de Steglitz-Zehlendorf en la ciudad de Berlín (Alemania).

Mientras que Joachim Nawrocki afirmó verlo entre los años 1.948 d.C. y 1.949 d.C. en un hogar juvenil, afirmando que la pintura presentaba daños por cortes.

Cabe destacar que el hogar juvenil fue el antiguo hogar del ex-jefe de policía de Berlín Wolf-Heinrich von Helldorff, quién fue ejecutado en el año 1.944 d.C. como un combatiente de la resistencia.

En el año 2.001 d.C. hubo sospechas de que el cuadro se encontraba en una caja fuerte de un banco de Zúrich (Suiza), pero esto no se ha podido probar.

En la actualidad La Torre de los Caballo Azules está desaparecido y se desconoce si fue destruido o tomado como arte saqueado.

Descripción

Tiene una altura de 200 cm y una anchura de 130 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una vista frontal de cuatro caballos en tonos azules dispuestos de perfil en una hilera a la izquierda del centro y con las cabezas giradas hacia el lado derecho sobre sus cuerpos, casi de tamaño natural, que dominan la imagen.

Sus grupas forman el centro de la imagen, mientras que en el borde derecho de la imagen hay un paisaje rocoso abstracto en tonos amarillos, marrones y rojos.

El paisaje está cubierto por un arco iris de rayas naranjas sobre un fondo amarillo. Aparte destaca coo el arco iris y la luna creciente, así como las cruces en el cuerpo del primer caballo situado en el primer plano de la pintura, posiblemente representarían la unidad del cosmos y la naturaleza.

Con respecto a la composición destacar que el imponente cuerpo del animal que va en cabeza parece emerger de las profundidades y se detiene inmediatamente frente al espectador.

Igualmente destaca como la composición densa de la obra, con su estructura geométrica y el uso del color crea un movimiento ascendente.

Para finalizar subrayar que la pintura La Torre de los Caballos Azules ha sido considerada una de las mejores obras del pintor alemán Franz Marc.

Es una de las varias pinturas del artista que representan caballos, siendo una de las más notables en las que intenta "ver y pintar a través de los ojos del animal".

El pintor alemán nacido en Suiza Paul Klee afirmó que "los caballos están elevados a su propio nivel", impresionando profundamente a muchos espectadores.

En una conferencia de 1.921 d.C en la universidad de Berlín (Alemania), el teólogo germano-estadounidense Paul Johannes Tillich destacó ésta pintura como un ejemplo de la "destrucción de las formas y colores naturales" de los expresionistas para comprender la verdad interior de las cosas.

Además la artista visual alemana Susanna Partsch sugiere que la luna, el arcoíris y la sugestión de estrellas apuntan a una lectura de la pintura como un intento de "representar la unidad de la criatura y el cosmos", en la que la humanidad se sublima en los caballos, que representan su poder.

Actualmente se encuentra en paradero desconocido.

Collar de Oro Parto

El Collar de Oro Parto es un collar datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y III d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte parto.

Collar de Oro Parto

Collar de Oro Parto

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Deylaman, ubicada en el distrito de Deylaman, situado en la provincia de Gilan (Iran).

También es conocido que perteneció a la colección de arte de la comerciante y marchante de arte iraní Khalil Rabenou.

Hasta que en el año 1.965 d.C. el Collar de Oro Parto fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Oriente Medio.

Collar de Oro Parto

Descripción

El diámetro de los discos externos va desde 3,50 cm a 4 cm y el disco central tiene un diámetro que va desde el 3,90 cm a 4,50 cm.

La longitud de los discos va desde 4 cm a 4,50 cm, la longitud de la cadena es de 11 cm, la longitud total es de 35 cm y el peso total es de 75,70 gramos.

Está fabricado en oro, granate y turquesa, mediante las técnicas de incisión, granulado, incrustado, fundición y repujado.

Se trata de un collar de oro formado por tres placas ovaladas huecas de oro en forma de disco unidas por alambre de oro trenzado a través de bucles fijados a los bordes de cada disco.

Los dos discos exteriores tienen encastres en los bordes exteriores donde se fijan dos cadenas cortas de oro, cuyos extremos exteriores se insertan en encastres similares con bucles para su fijación a un cierre.

El disco central contiene un prominente engaste central enmarcado por un doble borde de granulado, separado por triángulos alternados de mayor granulado.

Cada uno de los discos exteriores presenta una decoración repujada, se aprecia como en una de sus caras hay la figura de un águila con las alas desplegadas y un anillo en el pico.

Las cabezas se ven de perfil y se piensa que originalmente los ojos y el pecho podrían haber estado ornamentados con incrustaciones de colores, que posteriormente fueron parcialmente sustituidas por una cuenta de granate y una lámina de turquesa.

Además la parte central del dorso de éstos discos exteriores se cortó para realizar incisiones en forma de "V" que posteriormente se rellenaron con un material resinoso de color gris oscuro.

Con respecto a la composición resaltar que la iconografía de un águila sosteniendo un anillo en su pico como símbolo de realeza es común en el arte parto y el arte sasánida.

Sin embargo la forma del disco central y el método de incrustación son más característicos de la joyería parta.

Para finalizar subrayar que el análisis realizado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) confirmó que el engaste central, de color marrón opaco, es de vidrio y no de piedra semipreciosa.

Aparte la unión del cierre entre los discos central y exterior es tosca y posiblemente no sea original. Es más la composición y el uso de engastes reciclados o de segunda categoría sugieren que algunos elementos no pertenecen al conjunto original del Collar de Oro Parto.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Adorno de Cinturón Parto

El Adorno de Cinturón Parto es un adorno o hebilla datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte parto.

Adorno de Cinturón Parto

Lo primero sabido es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una tumba.

Ubicada cerca de Nihavand (también conocida como Nahavand), localizada en la provincia de Hamadán, en Irán.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista y anticuario francés Arthur Sambon.

En el año 1.911 d.C. el adorno fue comprado el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Adorno de Cinturón Parto fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6,3 cm y una anchura de 8,7 cm. Está elaborado en oro con incrustaciones de turquesa.

Se trata de un adorno o hebilla de oro macizo que presenta la forma de un redondel con dos elementos salientes con ranuras para la fijación de una correa.

El borde del redondel está compuesto por dieciocho celdas en forma de uña del pulgar que originalmente habrían tenido incrustaciones de turquesa y enmarcan la figura calada de un águila en altorrelieve.

El águila aparece representada agarrando entre sus garras a un pequeño animal agazapado, el ave se posa en una vista de tres cuartos, mirando hacia la derecha, con el pecho extendido y el resto del cuerpo retrocediendo hacia el fondo.

Además se observa como las alas están desplegadas, el ala izquierda emerge tras la protuberancia del pecho, mientras que el ala derecha se repliega hacia el plano posterior.

El cuerpo y las patas presentan crestas y un patrón lineal que evoca la textura de las plumas, mientras que la cabeza del ave, representada de perfil, tiene una celda con una protuberancia en la zona de los ojos, un pico curvado y una línea descendente para el pico.

Con respecto a la composición resaltar que la figura está trabajada en redondo, aunque la parte posterior está distorsionada y no tiene un acabado tan minuciosos como la parte frontal.

Las presas del águila se han identificado como un antílope, una cabra y una liebre, aparte también presentan incrustaciones de turquesa en varios puntos de su cuerpo.

Para finalizar subrayar que una objeto similar se encuentra en la colección de arte del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) Cierre de Cinturón Parto y representa la figura de un águila mirando en sentido contrario.

Es más los investigadores piensan que originalmente las dos piezas podrían haber formado parte de un tesoro que habría pertenecido a una familia aristocrática parta.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.