lunes, 2 de noviembre de 2026

Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)

Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis) https://link.amazon/B06ABUlll es un libro en inglés escrito pro el autor y editor Hans Werner Holzwarth, publicado por la editorial TASCHEN.

El libro recorre la evolución del arte moderno, comenzando en la década de 1.860 d.C. en la ciudad de París (Francia) con el surgimiento del impresionismo hasta el presente.



Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)


Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)


Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)



El libro explora de forma sucesiva los movimientos artísticos: simbolismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo, arte abstracto, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, minimalismo y prácticas conceptuales.

Además destaca por incluir más de 200 obras (esculturas, fotografías, pinturas y piezas conceptuales) acompañadas de textos explicativos de cada obra y su autor, así como ensayos introductorios explicando los principales movimientos.



Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)



Yo pienso que es un libro perfecto para todos aquellas personas que les apasione la cultura, para estudiantes, amantes del arte y todas aquellas personas que buscan una introducción accesible a la historia del arte moderno y contemporáneo.

Es más enfatizar que los ensayos introductorios de los movimientos y los textos explicativos de cada obra y artista principal facilitan el aprendizaje autodidacta.



Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)


Para finalizar subrayar que como afiliado de Amazon, percibo una pequeña comisión por las compras realizadas a través de https://link.amazon/B06ABUlll, sin que ello ocasione ningún coste extra para ti.


Modern Art. A History from Impressionism to Today (Bibliotheca Universalis)

domingo, 1 de noviembre de 2026

Restos de un Ejército

Restos de un Ejército, también conocida como Los Restos de un Ejército, Jellalabad, Enero 13, 1.842 d.C., es una pintura datada en el año 1.879 d.C., perteneciente al realismo.

Restos de un Ejército

En concreto se encuentra englobada dentro del realismo académico y la pintura histórica/militar victoriana.

Fue pintada por la escritora y pintora británica Elizabeth Thompson (también conocida como "Lady Butler" o Elizabeth Southerden Thompson).

La pintura fue exhibida en el año 1.879 d.C. en la Exposición estival de la Royal Academy, ocurrida en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), siendo adquirida por el comerciante británico Henry Tate (primer Barón de Park Hill).

En el año 1.897 d.C. la pintura fue cedida a la Galería Nacional de Arte Británico y Arte Moderno (también conocida como TATE o Tate Gallery), pasando a formar parte de su colección de arte permanente.

Cabe resaltar que estuvo cedida durante un largo período, como parte de una exposición permanente, al Somerset Military Museum.

Aunque en el año 2.023 d.C. la pintura Restos de un Ejército fue reinstalada en la Galería Nacional de Arte Británico y Arte Moderno (Gran Bretaña).



Descripción

Tiene una altura de 132,1 cm y una anchura de 233,7 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa al doctor, cirujano asistente del Ejército de Bengala, William Brydon, en el momento en que llega a las puertas de la fortaleza de Jalalabad el 13 de enero del año 1.842 d.C.

Sobretodo destaca cómo la figura demacrada del médico montado en su caballo moribundo avanza en medio de un páramo desolado y neblinoso hacia la seguridad de los bastiones iluminados por el sol representados en el fondo.

Mientras a sus espaldas se encuentran representadas las imponentes, hostiles y oscuras montañas de la Frontera Noroeste.

También resalta la postura del jinete y el animal, el médico completamente encorvado, quebrado por la fatiga y el dolor, con la espada rota y el uniforme polvoriento, símbolos explícitos del fracaso táctico e institucional de la campaña.

Mientras el caballo con el cuello totalmente estirado hacia abajo, las orejas caídas y apenas pudiendo mantener el equilibrio sobre sus patas.

Cabe resaltar que durante mucho tiempo el doctor William Brydon fue considerado el único superviviente de una fuerza de aproximadamente 16.000 personas (entre soldados y civiles) qué emprendieron una catastrófica retirada de Kabul durante la Primera Guerra Anglo-Afgana.

Tras la fallida campaña británica los soldados y civiles intentaron replegarse a la fortaleza de la guarnición británica en Jalalabad, pero debido a las inclemencias del invierno y a los constantes ataques de las tribus afganas, casi toda la columna humana fue masacrada o capturada.

Con respecto a la composición resaltar qué es marcadamente horizontal enfatizando la inmensidad del páramo desértico, con la figura del jinete situada ligeramente descentrada, arrastrándose en una diagonal sutil hacia el espectador.

Aparte la extrema horizontalidad del suelo y el cielo tan sólo se ven interrumpida por al figura colapsada del jinete, reforzando visualmente la fragilidad de la vida ante la vastedad hostil de la geografía afgana.

También destaca la paleta cromática utilizada dominada por una gama de tonos tierras, ocres, grises y marrones que mimetizan la figura del médico con el paisaje estéril.

Para finalizar subrayar que la pintura Restos de un Ejército se encuentra considerada una obra maestra dentro del realismo bélico victoriano.

Siendo una obra clave que rompe con la glorificación tradicional de la guerra para retratar la derrota y la vulnerabilidad.

Pero especialmente la pintura destaca por retratar el coste humano real tras los errores estratégicos de la alta plana militar, encarnando el lema o frase pronunciada por primer duque de Wellington, Arthur Wellesley en junio del año 1.815 d.C. después de la Batalla de Waterloo:

"No hay nada tan terrible como una gran victoria, excepto una gran derrota" o "Creedme, nada excepto una batalla ganada puede ser la mitad de triste que una batalla perdida".

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte Británico y Arte Moderno, Gran Bretaña. 

Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh

Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh https://link.amazon/B09lInARQ es un set de 30 pegatinas decorativas (flake seals) de diseño japonés inspiradas en las obras del célebre escritor japonés Miyazawa Kenji (宮沢賢治) e ilustradas por el diseñador, ilustrador y artista japonés Shinzi Katoh.


Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh



Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh


Se trata de un set de pegatinas troqueladas holográficas de estilo sello postal hechas de papel de cinta adhesiva washi y decoradas con hoja holográfica dorada, dándoles un aspecto brillante y elegante.

En total el set presenta 30 pegatinas: 2 diseños grandes (303 x 45 mm aprox.) en 3 unidades cada uno y 8 diseños pequeños (35 x 25 mm aprox.) en 3 unidades cada uno.


Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh


Además vienen dentro de una caja con un estuche tipo funda diseñada para imitar la encuadernación de un libro, lo que permite coleccionarlas ordenadamente en una repisa cómo si fuera un libro en miniatura.

Asimismo resaltar que la parte trasera de la caja tiene un diseño arte de collage con los mismos motivos que las pegatinas.


Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh


Yo creo que es un gran set de pegatinas troqueladas holográficas dirigido a todas aquellas personas que les entusiasmen la papelería bonita, coleccionistas de artículos de diseño y admiradores de la literatura japonesa.

Además resaltar que al estar fabricadas en papel texturizado tipo cinta adhesiva (washi tape), las pegatinas se pueden pegar y despegar con facilidad, siendo ideales para todos aquellos que quieran personalizar fundas de móvil, cartas o fundas de bolígrafos.

También son perfectas para todas aquellas personas que les guste el arte de Shinzi Kaoth, famoso por su estilo nostálgico, tierno y fantástico, así como a todas aquellas personas que admiren, aprecien o sean lectores de Miyazawa Kenji (宮沢賢治).


Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh


Para finalizar subrayar que como afiliado de Amazon, percibo una pequeña comisión por las compras realizadas a través de https://link.amazon/B09lInARQ, sin que ello ocasione ningún coste extra para ti.


Pegatinas Troqueladas Holográficas "Ame ni mo Makezu" - Shinzi Katoh

sábado, 31 de octubre de 2026

Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez

La Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez es una colcha datada en el año 1.786 d.C., perteneciente al arte novohispano o arte en Nueva España.

Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez
Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez


Cabe destacar que fue formalmente completada el 4 de enero del año 1.786 d.C., siendo confeccionada en la ciudad de Mérida, ubicada en la península de Yucatán (México).

Por Doña Rosa Solís y Menéndez, quien pertenecía a una destacada familia criolla de la península de Yucatán.

En el año 1.971 d.C. la Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cabe resaltar que la adquisición fue realizada a través de una compra financiada por la empresa Everfast Fabrics Inc., quedando registrada formalmente en el museo bajo el número de inventario 1971.20.

Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez


Descripción

Tiene una altura de 254 cm y una anchura de 185,4 cm. 

Está elaborada en algodón y seda.

Se trata de una obra textil, una colcha nupcial, que fue confeccionada a mano, para formar parte del ajuar matrimonial, por la propia novia junto con mujeres de su familia.

El centro de la colcha muestra a una pareja elegantemente vestida a la usanza de la época, representa a la propia Doña rosa y a su esposo de origen español Gabriel Milanés, con quien contrajo matrimonio en el año 1.778 d.C.

Además la escena se encuentra rodeada por patrones de enredaderas florales sostenidas por enrejados, un símbolo tradicional del amor floreciente y el matrimonio.

Asimismo se puede apreciar cómo el borde de la colcha lleva una inscripción bordada en letras grandes que sirve tanto como firma y como elemento central de diseño.

La inscripción bordada en idioma español es la siguiente:


"FABRICA DE DOÑA ROSA SOLIS Y MENEN[D/E]Z 

EN MERIDA DE YUCATAN EN QUATRO DE HENERO 

DEL AÑO DE MIL SETECIENTOS OCHENTA Y 6."


En cuanto a la composición resaltar que fue bordada con seda de colores brillantes sobre una base texturizada de algodón, combinando materiales locales con técnicas de influencia europea.

Aparte cabe resaltar que la iconografía celebra el amor y el matrimonio criollo de finales del período colonial.

Para finalizar subrayar que la Colcha Bordada de Doña Rosa Solís y Menéndez está considerada una pieza magistral del arte doméstico novohispano, así como una obra maestra del bordado virreinal mexicano.

También enfatizar qué es una de las piezas textiles más célebres custodiadas fuera de México y ha formado parte de exhibiciones internacionales icónicas de las institución, como Interwoven Globe.

Es más es conocido que dentro del arte novohispano las colcha nupciales estaban consideradas como un objeto de gran lujo y de un gran valor simbólico.

Formaban parte del ajuar matrimonial de las mujeres de familias acomodadas y reflejando el estatus social y siendo una expresión del sincretismo cultural de la Nueva España.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats

Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats https://link.amazon/B06QdS0jj es un libro en inglés, escrito e ilustrado por Susan Herbert  y publicado por la editorial Thames & Hudson.


Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats


Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats


Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats


Es un libro ilustrado, una obra maestra del arte humorístico, en el que los gatos sustituyen a los protagonistas humanos de las grandes obras de la pintura, el teatro, la ópera y el cine, con una seriedad técnica y un minucioso respeto a la obra original.

El libro se encuentra dividido en tres grandes secciones:

- Cats in Art (Gatos en el arte): Reinterpretaciones felinas de pinturas icónicas que abarcan desde el Antiguo Egipto, el Renacimiento, el Barroco, hasta el Impresionismo y los Pre-rafaelistas.

- Cats on Stage (Gatos en el Escenario): Los felinos asumen los roles protagónicos en el teatro y las artes escénicas occidentales, incluyendo a gatos interpretando dramas de teatro y grandes óperas tanto cómicas como trágicas.

- Cats in the Movies (Gatos en el Cine): Reinterpretaciones de la cultura pop y la era dorada de Hollywood, dónde los gatos toman el lugar de estrellas legendarias.


Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats



Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats


Yo creo que es un libro muy original y divertido perfecto para coleccionistas de temática felina y todas aquellas personas que aprecien la fusión de la alta cultura con el carisma de los gatos.

Así como para todas las personas que disfrutan e identifican obras maestras de la pintura reinterpretadas con rostros felinos.

Además los aficionados a la ópera, el cine clásico y el teatro que aprecien las referencias culturales a Shakespeare, grandes ópera o iconos cinematográficos como James Dean.

Así como a todos aquellos dueños de mascotas con un gusto por el humor culto y a aquellos lectores que buscan una obra visual, tierna y con un toque de humor inteligente y excéntrico.


Cats Galore: A Compendium of Cultured Cats


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viernes, 30 de octubre de 2026

Placa de Tombak

La Placa de Tombak es una placa datada aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Placa de Tombak
Placa de Tombak
(detalle)

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte "R. Mathey Collection", localizada en el pueblo de Mendocino, situado en el estado de California (Estados Unidos de América).

Después fue propiedad de la prestigiosa firma de consultoría y comercio de arte AXIA ART (originalmente Axia Art Consultans), con sedes en la ciudad de Londres (Gran Bretaña) y en Liechtenstein.

Hasta que en el año 1.996 d.C. la Placa de Tombak fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte.

Placa de Tombak



Descripción

Tiene una anchura de 30,2 cm y una longitud de 32,4 cm. 

Se trata de una placa alargada y plana que termina en dos trifolios, es decir, presenta los extremos lobulados en forma de trébol de tres hojas.

Destaca cómo se encuentra ornamentada con refinado diseño arabesco simétrico grabado minuciosamente en su superficie.

Aparte se aprecia cómo el motivo decorativo destaca sobre un fondo texturizado mediante la técnica de punzonado en anillos o círculos, lo que permitió crear relieves detallados que capturan la luz de una manera espectacular.

Asimismo se puede observar como la placa aún conserva tres de los siete remaches originales que se utilizaban originalmente para fijarla a una superficie.

Con respecto a la composición resaltar que está recubierta mediante el proceso tradicional otomano conocido como tombak (dorado al fuego o por amalgama de mercurio y oro), lo que le otorga un brillo dorado intenso y una capa protectora contra la corrosión.

Siendo esta técnica desarrolla y perfeccionada por los artesanos del Imperio Otomano para imitar el aspecto del oro macizo en objetos ceremoniales como: cascos, escudos, candeleros y placas decorativas.

Para finalizar subrayar que lo más probable es que formara parte de un conjunto destinado a adornar una puerta de grandes dimensiones, tal como puede observarse en otros ejemplos conservados en la Mezquita de Süleymaniye y el Palacio de Topkapi, edificados en la ciudad de Estambul (Turquía).

Aunque de los siete remaches o placas utilizados para su fijación, tan sólo en la actualidad se conservan tres.

También resaltar que la Placa de Tombak fue elaborada durante una época del esplendor artístico y territorial y es un ejemplo del alto nivel de refinamiento de los talleres imperiales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)

Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral) https://link.amazon/B0aNRJUmH es un vinilo de pared decorativo con un patrón geométrico y floral de color rosa que tiene una estética: vintage, elegante, nórdica y retro.


Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)


Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)


Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)

Se trata de un revestimiento autoadhesivo de alto rendimiento, pensado para que cualquier persona pueda instalarlo fácilmente.

Cabe destacar que al ser autoadhesivo tiene una adherencia suave y removible, ideal para viviendas de alquiler, ya que se puede retirar sin dañar la superficie original y reposicionable aplicando calor con un secador de pelo.

Tiene un tamaño de 44,5 cm de ancho, 3 m de largo y un grosor de aproximadamente de 0,25 mm - 0,3 mm, es fácil de manipular y cortar, incluso para una sola persona.

Asimismo resaltar que el vinilo es perfecto para utilizarse en superficie lisas y planas, como muebles de madera, papel pintado vinílico estándar o puertas.


Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)


Además de su atractiva estética de estilo escandinavo retro, destaca por su gran utilidad práctica: permite ocultar daños en las superficies, cubre eficazmente marcas, manchas y arañados y proteger zonas expuestas al agua. 

Es más destacar que es un producto altamente resistente al agua, a las manchas y al calor, por lo que resulta seguro no solo para salones y muebles, sino también para zonas propensas a la humedad como: cocinas, aseos y cuartos de baño.

También presenta una textura elegante sin brillos y la suciedad se puede limpiar pasando un paño húmedo.


Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)



Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)


Yo pienso que es un buen producto muy versátil dirigido principalmente a todas aquellas personas interesadas en el bricolaje (DIY), la decoración de interiores y la renovación del hogar que buscan una solución rápida, económica y fácil de instalar.


Vinilo de Pared VEELIKE (Estampado geométrico rosa-floral)


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jueves, 29 de octubre de 2026

Adorno en Forma de Serpiente

El Adorno en Forma de Serpiente, también conocido como Adorno de Serpiente, es un adorno datado aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1.532 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Adorno en Forma de Serpiente

Adorno en Forma de Serpiente
(detalle)

Lo primero que se conoce es formó parte de la colección de arte de Jean Eugene Lions, situada en Perú.

Después pasó a formar parte de la colección de arte del abogado, coleccionista de arte y mecenas estadounidense Arthur M. Bullowa.

Hasta que en el año 1.993 d.C. el Adorno en Forma de Serpiente fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte.

Adorno en Forma de Serpiente


Descripción

Tiene una anchura de 2,5 cm y una longitud (incluyendo la atadura) de 86,4 cm. 

Está elaborada en algodón y pelo de camélido entrelazados mediante una técnica de urdimbre traspuesta.

Se trata de un objeto, una representación textil tridimensional de una serpiente, con el cuerpo sinuoso, ojos elípticos concéntricos, una boca roja abierta y una lengua bífida que sobresale.

Primero se elaboró dando forma de serpiente a un núcleo de algodón o lana, posteriormente fue envuelto posteriormente con cordones estructurales.

A continuación, se creaba el diseño superficial utilizando hilos de colores para lograr el patrón en zigzag característico de la serpiente.

Asimismo se puede observa cómo se empleó un bordado complementario para resaltar ciertos rasgos distintivos, destacando sus vivaces líneas en zigzag de colores amarillo, marrón claro, negro y rojo.

Además se puede observar como en el extremo distal hay una cuerda de doble trenzado, mientras que la parte ventral, cerca de la cabeza, se encuentra un anillo trenzado.

Cabe resaltar que ambos elementos servían para sujetar la efigie de la serpiente, aunque la función original es objeto de debate por los historiadores.

Las crónicas de la época colonial temprana arrojan luz sobre su posible uso y significado. Se conoce que en un combate ritual conocido como "aykkar" se utilizaban serpientes hechas de lana a modo de proyectiles.

Por lo que la opinión más aceptada es que el Adorno en Forma de Serpiente se utilizara alrededor del cuello, como un poderoso adorno personal del Inca supremo y sus aliados, hasta el momento en que fuera necesaria como arma.

Adorno en Forma de Serpiente
Entonces quién llevara el adorno tomaba la cuerda, hacía girar la serpiente y la lanzaba hacia el oponente, con el peso de la cabeza impulsaba la figura hacia adelante.

Siendo el lanzamiento simultáneo de varios de éstos adornos el que creaba la imagen de "serpientes voladoras" arrojadas contra los enemigos.

Para finalizar subrayar que los artesanos textiles del antiguo Perú eran reconocidos como unos de los mejores tejedores del mundo, dominando numerosas técnicas para crear diversos tipos de tejido.

Algunas de esas técnicas se empleaban para elaborar textiles escultóricos cómo es el caso del Adorno en Forma de Serpiente.

Es más enfatizar que debido al estilo de éste adorno se puede afirmar que fue creada en la costa sur del Perú durante el período en el que el reino de Chincha se encontraba bajo el dominio inca.

No obstante resaltar que el reino de chincha conservó cierto grado de autonomía: el control inca en éste territorio se manifestó combinando rasgos imperiales y locales.

Se observa cómo la serpiente está integra elementos estilísticos propios de la región con aspectos de la práctica religiosa inca, específicamente la veneración de la serpiente.

En la cosmología andina, la serpiente es uno de los animales con mayor carga simbólica: se la teme por su agresividad y ferocidad, pero también se la reconoce por su vinculación con la fertilidad, la lluvia y facultades protectoras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

The Monet Cookbook: Recipes from Giverny

The Monet Cookbook: Recipes from Giverny https://link.amazon/B076uuCTU es un libro en inglés escrito por Florence Gentner, con fotografías de Francis Hammond y publicado por la editorial Prestel.

Es un libro a medio camino entre un libro de cocina tradicional y un libro de arte que explora la faceta gastronómica y cotidiana del pintor francés Claude Monet (también conocido como Oscar-Claude Monet), uno de los creadores del movimiento impresionista.


The Monet Cookbook: Recipes from Giverny


El libro recopila 80 recetas rústicas y tradicionales de la cocina francesa que han sido extraídas directamente de los cuadernos de notas y diarios culinarios del pintor, escritos durante su vida en su casa de Giverny (Francia).

El volumen se encuentra dividido en cuatro bloques temáticos que agrupan desde comidas familiares y platos informales hasta recetas de sobremesa y postres.

Las recetas destacan por su sencillez, el uso de ingredientes frescos de temporada (numerosos de ellos cultivados en el propio huerto del artista) y la tradición de la cocina casera normanda.

También se incluyen platos heredados de amigos o los platos servidos en los restaurantes predilectos que el pintor frecuentaba.

Entre los platos destacados se incluyen desde sopas tradicionales, gratines, guisos y albóndigas de ternera hasta postres y pasteles clásicos de la repostería francesa.

También cabe destacar que el libro se encuentra ilustrado con reproducciones de las pinturas del pintor, fotografías de Francis Hammond (estilizadas por Garlone Bardel) y recuerdos de su vida familiar, retratándolo como un generoso anfitrión que disfrutaba de la buena mesa rodeado de amigos, artistas y familiares.

Por lo tanto el libro no es solo un recetario práctico, sino que intercala las recetas con anécdotas, citas del artista, fotografías de ambientación y reproducciones de pinturas impresionistas.


The Monet Cookbook: Recipes from Giverny


Yo creo que es un gran libro, muy original, dirigido especialmente a todos los amantes de la gastronomía francesa, entusiastas de la pintura impresionista y admiradores de la vida cotidiana y el legado del pintor Claude Monet.

Así como a todas aquellas personas que disfruten preparando recetas caseras, tradicionales y basadas en ingredientes frescos, que están inspiradas en los diarios culinarios del pintor.


The Monet Cookbook: Recipes from Giverny


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The Monet Cookbook: Recipes from Giverny

miércoles, 28 de octubre de 2026

Escudo (Pavés)

Escudo (Pavés) es un escudo datado aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1.475 d.C., perteneciente al arte gótico.

Escudo (Pavés)

Escudo (Pavés)

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte del Baron Eduard von Peucker, situada en la ciudad de Berlín (Alemania).

Entre el 28 y 30 de agosto del año 1.854 d.C. fue vendido en la ciudad de Bruselas (Bélgica), aunque no se sabe quién lo adquirió.

Lo siguiente conocido es que perteneció a la colección de arte del príncipe Enrique de Prusia (también conocido como Henry), el hermano menor del emperador Guillermo II de Alemania.

En el año 1.921 d.C. fue vendido al coleccionista Ludwing Wilhelm Wilbrand, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Darmstadt, localizada en el estado federado de Hesse (Alemania).

En el año 1.922 d.C. el escudo fue adquirido por el zoólogo, especializado en ictiología y experto en armaduras medievales y modernas estadounidense Bashford Dean.

Hasta que en el año 1.929 d.C. el Escudo (Pavés) fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de armas y armaduras.


Descripción

Tiene una altura de 65,1 cm, una anchura de 44,5 cm y un peso de 3.230 g. Está fabricado en madera, cuero, estuco, lámina de plata, policromía.

Se trata de un escudo compuesto por una estructura combinada de madera reforzada mediante una cubierta de cuero, yeso, pan de plata y policromía, siendo ésta combinación la que crea una superficie ligera pero resistente, apta tanto para absorber impactos como para fijar los pigmentos artísticos.

En la cara frontal del escudo, situado en el centro, está representada la figura de San Jorge (santo patrono de los caballeros y los soldados), un motivo común en la época para infundir valor y protección divina en el portador.

Aparte destaca cómo se puede leer una inscripción escrita en idioma alemán bordeando la figura de San Jorge, siendo la inscripción la siguiente:

"hi[l]f ritter sant iorg hilf got du ewigs wort dem leib hie und der sel dort"

Cuya traducción aproximada es:

"Ayuda, caballero San Jorge; ayuda, Dios, tú, palabra eterna, al cuerpo aquí y al alma allá"

Por lo tanto destacar que la inscripción una plegaria que encomiendo la supervivencia física en la batalla de su porteador y la salvación de su alma en la otra vida.

Además en la parte superior se encuentra representada la identidad del propietario o del cuerpo militar que lo originalmente lo llevaba.

Por un lado está representado el escudo de armas del Ducado de Sajonia acuarteladas y por otro incorpora el símbolo de las espadas cruzadas, que representa el cargo del Elector de Sajonia como Archimariscal del Sacro Imperio Romano Germánico (Erzmarschall).

Por lo tanto el Escudo (Pavés) está vinculado directamente con la milicias urbanas o las guardias oficiales de la alta nobleza sajona de la segunda mitad del siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.450 d.C. y 1.500 d.C.).

Para finalizar en cuanto a la composición resaltar que el escudo destaca por combinar una función defensiva o ceremonial con una gran carga simbólica y religiosa reflejada en la decoración policromada.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Rompecabezas - Funda Cuaderno A5 (Van Gogh - La Noche Estrellada)

Rompecabezas - Funda Cuaderno A5 (Van Gogh - La Noche Estrellada) https://amzn.to/4gSWfZR es un rompecabezas de 300 piezas con un diseño de la pintura La Noche Estrellada del pintor neerlandés Vincent van Gogh (también conocido como Vicent Willem van Gogh), que una vez armado puede funcionar como la funda de un cuaderno o agenda tamaño A5.


Rompecabezas - Funda Cuaderno A5 (Van Gogh - La Noche Estrellada)



El set incluye el rompecabezas de 300 piezas, de un tamaño de 15 x 21 cm, la funda transparente y protectora, un cuaderno tamaño A5 y un marcapáginas.

Cada una de las piezas ha sido fabricada en plástico de alta calidad, resistente al agua, a los arañazos y de larga durabilidad.

Pero sobretodo destaca cómo la impresión UV sobre plástico ofrece colores muy vivos y un acabado brillante que resalta de gran manera las pinceladas que se pueden observar en la pintura original (La Noche Estrellada).

Además resaltar que las piezas encajan entre sí sin la necesidad de utilizar ningún tipo de adhesivo y el sonido que emiten las piezas al encajar es muy satisfactoria, creando una experiencia de montaje relajante y terapéutica.

También destacar que la empresa PieceRelax (marca de rompecabezas especialista en fabricar puzles de plástico con tecnología de encaje a presión) ofrece un servició al cliente gratuito de reemplazo de piezas faltantes, durante el primer año después de la compra, haciendo que la experiencia sea placentera y sin estrés hasta el final. 


Rompecabezas - Funda Cuaderno A5 (Van Gogh - La Noche Estrellada)


Yo pienso que es un gran producto, muy original, perfecto para todos los apasionados de los rompecabezas y la obra del pintor neerlandés Vincent van Gogh, así como a todos aquellos que busquen un regalo elegante y original.

Aparte de para todas aquellas personas que busquen un proyecto de pasatiempo relajante que además tenga una utilidad real en el día a día.


Rompecabezas - Funda Cuaderno A5 (Van Gogh - La Noche Estrellada)


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martes, 27 de octubre de 2026

Botella con Asa Puente y Pico con Diseño Escalonado

La Botella con Asa Puente y Pico con Diseño Escalonado es una botella datada aproximadamente entre los años 1 d.C. y 400 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella con Asa Puente y Pico con Diseño Escalonado

Botella con Asa Puente
y Pico con Diseño Escalonado

Se conoce que es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la cuenca del Río Grande de Nasca, ubicado en la costa sur de Perú.

También es sabido qué perteneció a la colección de arte de Conny y Frederick E. Ladmann, ubicada en el pueblo de Hanover, situado en el estado de New Hampshire (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.992 d.C. la Botella con Asa Puente y Pico con Diseño Escalonado fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 11,4 cm.

Se trata botella de cerámica y engobe que presenta un cuerpo cilíndrico rematado por dos tubos verticales (picos) unidos entre sí por una delgada asa en forma de puente.

El cuerpo se encuentra ornamentado con dos hileras de motivos escalonados estilizados (también conocidos como grecas escalonadas), fue empleado caolín como pigmento blanco, mientras que los tonos rojos y amarillos fueron obtenidos a partir de óxidos de hierro y las áreas negras probablemente fueron logradas mediante minerales de manganeso.

Sobretodo llama la atención como la distribución simétrica de los pasos geométricos generan un ritmo visual continuo, realizados con perfecta simetría y regularidad alrededor de todo el contorno de la vasija.

Aparte enfatizar que la superficie de la vasija fue bruñida con una piedra lisa o un hueso antes de que la arcilla se secara por completo.

Con respecto a la composición resaltar que se conoce que los alfareros nazca fueron los primeros en dominar la técnica de la pintura con engobes policromados.

Los engobes consistían en partículas de arcilla y pigmentos minerales en suspensión acuosa, que se aplicaban sobre la superficie de los recipientes antes de la cocción, cuando la arcilla aún estaba húmeda.

Mientras que las áreas de color sólido podían aplicarse utilizando fibras de algodón suaves, los diseños complejos y los contornos delicados se realizaban con pinceles finos.

También resaltar que el diseño de doble pico unido por un asa punte es un rasgo clásico de la cerámica Nasca de la época, asimismo destacar que su morfología cumplía con propósitos tanto prácticos como simbólicos.

Por un lado el doble pico facilitaba un flujo de aire óptimo al verter líquidos, evitando el borboteo y permitiendo un vertido fluido y controlado de sustancias durante la realización de ceremonias o rituales.

Pero por otro lado el asa puente, que une ambos picos, actúa como un único elemento tridimensional prominente sobre una base cilíndrica y como un punto de sujeción que equilibra el peso de la pieza.

Para finalizar subrayar que el uso de motivos escalonados repetidos aparece en la cerámica andina desde el período Cupisnique (período comprendido entre los años 1.800 a.C. y 400 a.C.) y se ha interpretado como una representación estilizada de montañas, templos o tronos.

Ya que es sabido que en la cosmología andina, el diseño escalonado o la pirámide escalonada se encuentra íntimamente ligado a la conexión entre diferentes planos existenciales (el mundo terrenal y el sagrado) y a las estructuras arquitectónicas de sus centros ceremoniales (como Cahuachi).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

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