Icono de San Demetrio

El Icono de San Demetrio es una placa datada aproximadamente entre los años 950 d.C. y 1.000 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Icono de San Demetrio

Icono de San Demetrio

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del oficial del ejército francés, historiador, coleccionista de arte y editor Jean-François-Auguste, conde de Bastard d'Estang.

También se sabe que formó parte de la colección de arte de "Ernst y Marthe Kofler-Truniger", ubicado en la ciudad de Lucerna, en Suiza.

Hasta que en el año 1.970 d.C. el Icono de San Demetrio fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Icono de San Demetrio

Descripción

Tiene una altura de 19,7 cm, una anchura de 12,1 cm y un grosor de 1 cm. 

Está elaborado en marfil de elefante.

Se trata de una placa rectangular que presenta el anverso ornamentado en relieve, en el centro aparece representado el mártir cristiano Demetrio de Tasaloníca (también conocido como San Demetrio).

Está representado de pie ataviado con una armadura militar y una capa anudada en el lado derecho del cuello mediante un broche.

En su mano derecha sostiene una lanza, mientras que un gran escudo con forma oblicua se encuentra en el costado izquierdo sujetado en la parte superior con la mano izquierda.

Cabe resaltar que el santo se encuentra ataviado con su armadura militar listo para proteger a los fieles cristianos.

También se puede observar como el nombre del santo militar bizantino se encuentra escrito en dos partes en idioma griego, a ambos lados de la cabeza del santo:

"Aγιος Δημήτριος" = "San Demetrio"

Además destacar que la hendidura en la base del marco originalmente pudo haber sostenido un estandarte para llevar la imagen en procesiones o en la batalla.

Asimismo los orificios perforados en la parte posterior indican que pudo haber sido utilizado en el Occidente latino como cubierta para un libro.

En cuanto a la composición cabe destacar que las imágenes de santos con vestimenta miliar son raras en el arte bizantino temprano, pero si embargo son típicas del período bizantino medio.

Para finalizar subrayar que San Demetrio fue martirizado en la ciudad de Tesalónica, la segunda ciudad más importante del imperio bizantino en los primeros siglos de la Iglesia y fue durante mucho tiempo el santo patrón de ésta metrópolis.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bote para Pinceles con Escena con Elefante

El Bote para Pinceles con Escena con Elefante, también conocido como Bote para Pinceles con Escena de Lavado de un Elefante, es un bote para pinceles datado aproximadamente a mediados del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.640 d.C. y 1.650 d.C.), perteneciente al arte chino.

Bote para Pinceles con Escena con Elefante

En concreto está datado en el período Chongzhen (崇祯时期) de la dinastía Ming (明朝).

Bote para Pinceles con
Escenas con Elefante

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de "S. Marchant & Son", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.008 d.C. el Bote para Pinceles con Escena con Elefante fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte asiático.

Bote para Pinceles con Escena con Elfante

Bote para Pinceles con
Escena con Elefante

Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm, un diámetro en el borde 12,4 cm y un diámetro en la base de 11,2 cm. 

Se trata de un bote para pinceles de cerámica de porcelana pintada con azul cobalto bajo vidriado transparente que presenta en su cuerpo exterior una escena tradicional conocida como sǎo xiàng (扫象).

Sǎo xiàng (扫象) significa literalmente "barre o lavar al elefante", por lo que se trata de un juego de palabras budistas.

En el idioma chino, la palabra elefante (象) (xiàng) suena igual que la palabra apariencia, forma o ilusión (相) (xiang), por lo tanto el acto de lavar al elefante funciona como un juego de palabras visual que simboliza "limpiar o barrer las ilusiones terrenales" con el objetivo de alcanzar la iluminación espiritual o comprender la verdadera naturaleza de Buda.

Se puede observar como la escena representada muestra a una figura subida al lomo del elefante frotándolo con una escoba, mientras varios asistentes recogen agua con cubos y un monje budista observa la acción.

También se aprecia como todas la figuras humanas y el animal se encuentran rodeados por decoración compuesta por motivos vegetales.

En cuanto a la composición resaltar que el bote para pinceles ha sido elaborado en cerámica de Jingdezhen, un tipo de porcelana china de primera calidad producida en Jingdezhen, o sus alrededores, en la provincia de Jiangxi, al sur de China.

Asimismo cabe resaltar que históricamente Jingdezhen es conocida como la "Capital Mundial de la Porcelana", famosa por su delicada y translúcida pasta blanca y sus magistrales esmaltes, siendo el epicentro de la producción cerámica china durante más de 1.000 años.

Para finalizar subrayar que el Bote para Pinceles con Escena con Elefante se encuentra englobado dentro del período de transacción de la cerámica china y pertenece al estilo de transición.

Es más enfatizar que se conoce que al debilitarse el patrocinio de la corte imperial debido a la caída de la dinastía Ming (明朝), los artesanos ganaron una enorme libertad creativa, enfocándose en narrativas literarias y religiosas orientadas al gusto de los eruditos y los comerciantes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sello Cilíndrico con Escena de Culto

El Sello Cilíndrico con Escena de Culto es un sello cilíndrico datado aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Sello Cilíndrico con Escena de Culto

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el interior del Palacio del Sudeste, también conocido como Palacio Quemado.

Una antigua residencia real neoasiria localizada en el cuadrante sureste de la ciudadela de la antigua ciudad de Nimrud, ubicada en el actual norte de Iran.

También es conocido que el sello perteneció a la colección de arte de Martin y Sarah Cherkasky, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Desde el año 1.986 d.C. el Sello Cilíndrico con Escena de Culto fue cedido en préstamo al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.989 d.C. el sello fue donado al museo, de es forma pasó a formar parte de su colección de arte permanente dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.

Sello Cilíndrico con Escena de Culto

Sello Cilíndrico con Escena de Culto

Descripción

Tiene una altura de 3,1 cm. Está elaborado en calcedonia neutra con imperfecciones (cuarzo).

Se trata de un sello cilíndrico que representa una escena de culto, es decir, representa una escena de ritual, ofrenda y procesión que conmemora lo que realizaban los asirios para honrar a sus deidades.

En la escena una estatua de la diosa Ishtar (diosa del amor, la sexualidad, la fertilidad y la guerra) se alza sobre una plataforma dentro de un recinto con dosel.

Cabe resaltar que a la diosa se la identifica por carcajes cruzados, una corona estrellada y estrellas que rodean su cuerpo.

Asimismo destacar que la diosa está considerada una de las diosas más emblemáticas y poderosas del Antiguo Oriente Próximo, siendo su símbolo la estrella de ocho puntas y estando asociada al planeta Venus.

Además también hay representados dos genios alados que protegen el reciento mientras una figura humana se encuentra representada rindiendo culto.

Para finalizar subrayar que se conoce que en Babilonia y Asiria los sellos de principios del primer milenio a.C. se tallaban en los estilos lineal, perforado, cortado y modelado.

Es más resaltar que el estilo modelado que se muestra en el Sello Cilíndrico con Escena de Culto deriva del tallado de sellos asirios y de la escultura modelada del palacio del rey de Asiria Sargón II.

También enfatizar que el estilo modelado se utilizaba principalmente en sellos que representaban escenas de lucha y culto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Composición Suprematista

La Composición Suprematista, también conocida como Rectángulo Azul sobre Viga Roja, es una pintura datada en el año 1.916 d.C., perteneciente al arte abstracto.

Composición Suprematista

Fue pintada por el pintor ucraniano Kazimir Severínovich Malévich (también conocido como Kazimir Malévich).

Entre los años 1.919 d.C. y 1.920 d.C. la pintura fue exhibida en la ciudad de Moscú (Rusia).

En el año 1.927 d.C. el autor la expuso en la ciudad de Varsovia (Polonia) y posteriormente en junio del año 1.927 d.C. fue expuesta en la ciudad de Berlín (Alemania).

Más tarde la pintura fue comprada por el arquitecto alemán Hugo Häring.

En el año 1.958 d.C. los herederos de Hugo Häring vendieron la pintura al Museo Stefelik de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos), por un precio de 120.000 florines y donde formó parte de su colección de arte por un período de 50 años.

Posteriormente pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos de América).

Además resaltar que a lo largo del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), la pintura se exhibió repetidamente en diversas exposiciones, principalmente europeas.

Entre los años 2.002 d.C. y 2.004 d.C. los herederos del artista impugnaron el derecho del arquitecto alemán Hugo Häring (y, por consiguiente del museo) de disponer de ella, comenzando así una batalla legal de cuatro años.

En junio del año 2.004 d.C. la pintura fue vendida a través de la casa de subastas Bonhams de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por un coleccionista privado por un precio de 734.188 libras esterlinas (1.343.170 dólares).

En el año 2.008 d.C. los herederos del autor llegaron a un acuerdo en virtud del cual lograron obtener la Composición Suprematista.

Siendo el 3 de noviembre del año 2008 d.C. subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Fue comprada por un precio de 60.002.500 dólares por la familia Nahmad (una de las dinastías de marchantes de arte más influyentes y ricas del mundo).

En el año 2.018 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Christie's alcanzando un precio de 85,8 millones de dólares, incluyendo las comisiones al marchante de arte británico Brett Paul Gorvy (también conocido como Brett Gorvy).

Cabe destacar que el precio pagado en el año 2.018 d.C. por la Composición Suprematista fue el más alto pagado por una obra de arte del pintor ucraniano Kazimir Malévich.

Descripción

Tiene una altura de 88,5 cm y una anchura de 71 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa una brillante constelación de geometría y color en el espacio, que encarna lo que el artista considera la cúspide de la expresión artística.

Resaltando las formas geométricas simples yuxtapuestas en formas y colores, que han sido aplicados sistemáticamente al lienzo.

Sobretodo llama la atención un cuadrado azul sesgado y elementos rectangulares que se mueven en una dirección: hacia la esquina superior izquierda del lienzo y dónde tan solo una gruesa banda horizontal de color púrpura oscuro se interpone en su camino.

También resalta como éstas formas geométricas de colores brillantes parecen partículas en movimiento, impulsadas por un campo de blanco brillante como fotones. 

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que los bloques geométricos de color flotantes sobre el fondo claro crean un ritmo visual dinámico y lleno de tensión cinética.

También destaca la utilización de una paleta cromática reducida compuesta por colores puros: blancos, rojos, negros y tonos primarios.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

El Sello Cilíndrico: Escena de Caza es un sello datado aproximadamente entre los años 2.250 a.C. y 2.150 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte acadio.

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Pertenece al período acadio tardío (período comprendido aproximadamente entre los años 2.200 a.C. y 2.154 a.C.).

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Lo primero que se conoce es que el sello cilíndrico formó parte de la colección de arte del arquitecto y coleccionista de arte William Gedney Beatty.

En el año 1.924 d.C. el Sello Cilíndrico: Escena de Caza fue cedido para su exposición al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que finalmente en el año 1.941 d.C. el sello fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de la colección de arte permanente del museo.

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Sello Cilíndrico: Escena de Caza
(e impresión)

Descripción

Tiene una altura de 2,8 cm. 

Se trata de un sello cilíndrico de sílex de una escena de caza.

La escena se encuentra compuesta por dos grupos principales que forman un diseño continuo, unificado por el estilizado paisaje.

En uno de los grupos, un cazador se encuentra representado entre dos árboles de gran altura mientras agarra el cuerno de un íbice (también conocido como cabra salvaje).

Además se puede apreciar como encima del cazador hay una inscripción en escritura cuneiforme que identifica al dueño del sello como Balu=ili, un funcionario de la corte de profesión copero.

En el otro grupo hay representados dos íbices enfrentados que se yerguen sobre sendas montañas, flanqueado un grupo de tres árboles.

Para finalizar subrayar que se conoce que durante el período acadio, los grabadores de sellos empezaron a representar una variedad de nuevos temas mitológicos y narrativos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Querubín y Concha

Querubín y Concha es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.470 d.C. y 1.479 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Querubín y Concha

Querubín y Concha

Los investigadores piensan que por sus características la escultura pudo haber sido esculpida por un escultor cercano al artista, pintor y escultor italiano Donato di Niccolò di Betto Bardi (también conocido como Donatello).

En algún taller ubicado en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en el centro de Italia.

Se cree que la escultura formó parte de la colección de los Museos Vaticanos (conjunto de galerías y estancias de gran valor artístico, propiedad de la Iglesia y abiertas al público en la Ciudad del Vaticano).

El 17 de septiembre del año 1.928 d.C. Querubín y Concha fue comprado por marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

El 30 de noviembre del año 1.948 d.C. la escultura fue comprada por el inversor y coleccionista Alastair Bradley Martin.

Hasta que en el año 1.958 d.C. la escultura Querubín y Concha fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 39,4 cm, una anchura de 44,5 cm y un peso total de 14,0615 kg. (el peso de la concha es de 11,75 kg y el peso de la cabeza es de 1,75 kg).

Se trata de una escultura de bronce que representa la cabeza de un querubín coronado con una diadema salpicada de flores, destaca como la parte superior de dos alas arqueadas flanquea su cabeza, mientras que otro par se extiende suavemente bajo su barbilla.

Una gran concha en forma de viera se despliega bajo las alas simbolizando un estallido de luz, el diseño de la cocha de viera es una combinación de estrías y rombos invertidos.

Además destaca como con la cabeza inclinada y los ojos bien abiertos, el querubín mira hacia abajo, mostrando sus dientes en una amplia sonrisa.

Aparte resaltar que la expresión absorta del rostro tramite la alegría beatífica y envolvente de los seres que moran en el cielo, en la presencia de Dios siendo testigos de la gloria divina.

En cuanto a la composición resaltar que la concha es un símbolo del bautismo y la peregrinación que, en su sentido metafórico, alude al viaje del alma hacia Dios.

También resaltar que la cabeza fue fundida por separado, para después unirlas a las alas y al caparazón mediante un pasador (original) en la zona de la garganta y tornillos modernos colocados detrás de las orejas.

Asimismo las proyecciones de soporte en la parte posterior, el tamaño del objeto en su conjunto y la cabeza inclinada del querubín indican una finalidad arquitectónica.

Probablemente originalmente podría haber estado situado en lo alto de una columna o pilastra, formando parte del capitel de una tumba o altar.

Con respecto a la autoría de la obra enfatizar que si bien la representación del Querubín y la Concha evoca el estilo y el uso de motivos de las obras de Donatello, lo hace desde una perspectiva distante.

El modelado de las formas es complejo y los detalles (las plumas en las alas del querubín, los elementos cóncavos y estriados de la concha) están representados y trabajos con una precisión lineal agresiva.

Al ser el único ejemplo conocido de su tipo, el bronce sigue siendo en la actualidad una obra en busca de un contexto, arquitectónico o de otro tipo.

Sin embargo, existen buenas razones para datarlo el período posterior a la muerte del maestro, cuando su estilo experimental había impregnado los talleres de toda Italia.

Por lo tanto se puede llegar a la conclusión que sí en el contexto arquitectónico específico y la finalidad del Querubín y la Concha podrían permanecer desconocidos.

La fecha aproximada y las características formales de la obra parecen enmarcarse dentro del contexto de esculturas creadas por artistas menos conocidos que se inspiraron en el estilo de Donatello y lo transformaron al realizar sus encargos por toda Italia.

Para finalizar subrayar que en la tradición católica, los querubines de cuatro alas pertenecen al segundo orden de la jerarquía angelical y sirven a Dios en el cielo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Borde de Sarcófago de Terracota

El Borde de Sarcófago de Terracota es un borde de sarcófago datado aproximadamente en el último siglo VI a.C. (período comprendido entre los años 525 a.C. y 500 a.C.), perteneciente al arte griego.

Borde de Sarcófago de Terracota

Lo primero que se conoce es que estuvo en posesión de los marchantes y anticuarios de arte armenios Hermanos Indjoudjian.

Formando parte de su colección de arte expuesta en la galería "Indjoudjian Frères", ubicada en la ciudad de Paris (Francia).

El 18 de agosto del año 1.921 d.C. fue adquirido por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

Hasta que en el año 3 de diciembre del año 1.921 d.C. el Borde de Sarcófago de Terracota fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte griego y romano.

Descripción

Tiene una altura de 19,1 cm, una anchura de 92,7 cm y una longitud de 213,4 cm. Está elaborado en terracota.

Se trata de un borde de sarcófago con la zona superior de la tapa decorada con una escena de batalla, se puede apreciar como hay representados cuatro soldados de infantería que luchan sobre un guerrero caído, mientras una figura alada y un carro se aproximan desde ambos lados.

También destaca cómo a los lados del borde se encuentra representado un centauro (ser mitológico mida hombre y mitad caballo) y una sirena (ser mitológico con cuerpo de ave y rostro de mujer).

Además se puede observar cómo situados debajo de ambos seres mitológicos hay representados dos leones atacando a un jabalí.

Con respecto a la composición resaltar que por los restos de policromía se puede afirmar que originalmente los detalles de las figuras se encontraban pintados en blanco.

Para finalizar subrayar que se han encontrado un número significativo de sarcófagos de terracota con borde superior decorado procedentes de Clazomenia y de la Antiga Esmirna, ambos yacimientos griegos orientales en la costa occidental de Asia Menor.

Aparte resaltar que dado su tamaño y su peso, se piensa que pudieron haber sido fabricados localmente y antes del funeral el sarcófago aparentemente se enterraba hasta la altura del borde superior.

Después de que el difunto fuera depositado en su interior durante la ceremonia funeraria, se colocaba una tapa de piedra sobre el sarcófago y se amontonaba tierra para marcar la tumba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Molino de Aceite

El Molino de Aceite, también conocido como The Oil Mill, es una pintura datada en el verano del año 1.909 d.C., perteneciente al cubismo.

El Molino de Aceite

El Molino de Aceite

Fue pintado por el pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocida como Pablo Picasso). 

En primavera del año 1.910 d.C. la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", localizada en la ciudad de París (Francia), propiedad del escritor y coleccionista de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler.

En el año 1.910 d.C. El Molino de Aceite fue vendido, por un precio de 500 francos, al industrial y coleccionista de arte francés Roger Dutilleul.

En el año 1.956 d.C. pasó a formar parte de la colección del mecenas y coleccionista de arte francés Jean Masurel.

En el año 1.991 d.C., a su muerte, la pintura pasó a forma parte de la colección de arte de sus herederos, ubicada en la ciudad de París (Francia).

En febrero del año 2.000 d.C. fue comprada por el multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

El 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura pasó a formar parte del fidecomiso "Leonard A. Lauder Cubist Trust" (colección de 81 obras maestras cubistas valoradas en más de mil millones de dólares).

Hasta que en el año 2.025 d.C. la pintura El Molino de Aceite fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo. 

Descripción

Tiene una altura de 38,1 cm y una anchura de 45,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje rural con un conjunto de edificios reducidos a sus componentes geométricos más esenciales, resaltando como las casas, el terreno y la vegetación están representados como facetas y cubos interconectados.

El paisaje se compone de un molino de aceite de oliva en un primer plano, junto con un conjunto de edificios, un río con un velero apenas visible en el plano medio y montañas en el fondo.

El paisaje representado se corresponde con la localidad histórica de Horta de Ebro (en la actualidad Horta de Sant Joan), localizada en la provincia de Tarragona, ubicada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Escrito en el dorso (a la izquierda, en el travesaño superior, con lápiz negro) se puede leer: Picasso - molino (parcialmente ilegible).

A lo largo del travesaño derecho, en lápiz azul, se lee: LV. Dutilleul y horizontalmente en la esquina inferior derecha del travesaño, en marcador rojo, se lee: c (subrayado).

En cuanto a la composición resaltar la paleta cromática por el uso de tonos tierra, ocres, verdes, oliva, grises y marrones que resaltan la forma sobre el color.

Además enfatizar que la pintura se considera un referente en el desarrollo del cubismo analítico, caracterizado por la representación de espacios fragmentados, reduciendo la arquitectura a formas volumétricas básicas.

También como curiosidad destacar que la pintura El Molino de Aceite está considerada una obra importante dentro de la historia de arte moderna debido al impacto internacional que tuvo poco después de su creación.

Fue una de las primeras pinturas cubistas reproducidas en la prensa italiana, en concreto, apareció en diciembre del año 1.911 d.C. en la portada del periódico florentino "La Voce" (una de las revistas cultuales, políticas y literarias más influyente de Italia en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.)).

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura El Molino de Aceite son de © 2026 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ornamento con Glifo Maya

El Ornamento con Glifo Maya es un ornamento datado aproximadamente entre los años 200 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Ornamento con Glifo Maya

Ornamento con Glifo Maya

Se conoce que perteneció a la colección de arte de Allan Caplan, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.959 d.C. el ornamento fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Desde el año 1.959 d.C. al año 1.978 d.C. fue cedido para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Europa, África, Oceanía y Asia.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Ornamento con Glifo Maya fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 2,9 cm, una anchura de 3,2 cm y un grosor de 0.5 cm. Está fabricado en jadeíta.

Se trata de un ornamento o adorno, un colgante de jade, hallado en la región atlántica de Costa Rica, que probablemente fue reelaborado a partir de una pieza mayor producida en la zona maya.

Aunque enfatizar que si bien los objetos de jadeíta se fabricaban en el centro y norte de Costa Rica desde el año 500 a.C., práctica que continuó hasta alrededor del año 800 d.C., la fuente más cercana de jadeíta se encuentra en la región del río Motagua, en Guatemala.

La presencia de elementos glifos mayas grabados en la superficie del Ornamento con Glifo Maya indica que viajó una larga distancia como artefacto y no como materia prima.

Artistas de la antigua Costa Rica tomaron el objeto maya, lo giraron 80 grados en sentido contrario a las agujas del reloj, con respecto a su orientación original, y luego perforaron los orificios bicónicos.

Una vez reorientado a su estado original, los signos (originalmente grabados en el adorno de jade en un estilo perteneciente al período Clásico Temprano Maya) se identificaron con mayor facilidad.

Se puede observar como una calavera ocupa la mayor parte del espacio, siendo el gran orificio central, perforado a través del ornamento el que reemplaza la órbita ocular de la calavera y evoca el vacío dejado por la ausencia del ojo.

La calavera mira hacia el lado izquierdo, con su prominente mandíbula marcada por dos hileras de dientes. Además destaca cómo sobre la hilera superior de dientes, una pequeña nariz esquelética da paso a una frente inclinada.

Aparte se aprecia cómo en el lado derecho de la calavera, frente a la nariz, hay bordes festoneados que delimitan el hueso occipital y la curvatura del cráneo, paralelos a los bordes festoneados cercanos del ornamento de jade.

Debajo de la calavera hay un pequeño patrón de líneas curvos y puntos aludían originalmente a una superficie acuática sobre la que se encontraba la calavera.

En la actualidad este patrón se encuentra interrumpido y separado del resto de la representación original por la reelaboración a la que fue sometida el objeto (aproximadamente ocurrida en el año 600 d.C.).

Sobre la calavera descansan al menos dos elementos glíficos: un elemento retorcido y entrelazado que probablemente representa el glifo maya "WAY" y dos elementos rectangulares, similares a antorchas, que sobresalen en ángulos de 45 grados de éste signo y que forman la lectura "TAJ".

La combinación de estos signos alude al nombre "K'inich Tai Wayib", presente en otros contextos mayas del período Clásico Temprano, que se refiere a una figura sobrenatural y posiblemente a un gobernante histórico.

Otros elementos presentes en la escena, un pequeño signo fragmentario sobre el glifo "WAY", así como un círculo y un elemento curvo punteado a la derecha de la calavera, probablemente contribuyeron a la lectura de éste mensaje.

Pero su legibilidad se ha visto afectada por los agujeros perforados y la extracción de ésta sección de lo que alguna vez fue una pieza más grande, seguramente un hacha.

Desafortunadamente cabe resaltar que es imposible saber qué representaba el resto de la escena o el texto glífico.

Para finalizar subrayar que el Ornamento con Glifo Maya evidencia el alcance de las redes comerciales y el intercambio de ideas en el primer milenio después de Cristo.

Éste tipo de objetos fabricados en piedra verde duradera y muy valiosa, como el jade, merecían ser transportados y transmitidos a lo largo del tiempo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Placa Calada con Cabeza de Felino

La Placa Calada con Cabeza de Felino es una placa datada aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Placa Calada con Cabeza de Felino

Placa Calada con Cabeza de Felino

Fue hallada en el año 1.962 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo británico Max Mallowan, en nombre de la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

La Placa Calada con Cabeza de Felino se encontró en el interior de un almacén del Fuerte Salmanasar, un edificio real en la antigua ciudad de Nimrud, utilizado para guardar el botín y los tributos recolectados por los asirios durante sus campañas militares.

En el año 1.962 d.C. la placa fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), como resultado de su contribución financiera a las excavaciones, por lo que pasó a formar parte de la colección de arte del museo dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.

Descripción

Tiene una altura de 5,31 cm, una anchura de 4,8 cm y un grosor de 2,39 cm. Está fabricado en marfil, mediante las técnicas de incisión, tallado y pulido.

Se trata de una placa que representa el rostro frontal de un felino con un ancho collar wesekh (collar ancho y plano) adornado con cuentas, flanqueado por dos uraei (consideradas en el arte asirio como serpientes míticas que escupen fuego) coronados con discos solares nacientes.

Se aprecia como una espiga que sobresale del tocado del felino sugiere que originalmente podría haber estado integrada en un marco, probablemente como parte de un mueble de madera.

Dos orificios para pasadores, uno perforado en la espiga y otro que atraviesa el borde del collarín ancho desde la base de la placa, sugieren que originalmente podría haber estado fijada a un marco mediante pasadores.

La letra semítica occidental Bet se encuentra inscrita en el reverso liso, conocida como marca de instalador, puesto que ésta inscripción habría servido de guía para ayudar al artesano en el ensamblaje pieza por pieza del mueble al que pertenecía originalmente en ésta placa.

Con respecto a la composición resaltar que la imagen representada en la placa proviene del arte egipcio, dónde la cabeza de felino puede representar tanto a la diosa Bastet (diosa protectora del hogar, la familia, el amor, la fertilidad y los secretos femeninos, además de diosa de la antigua ciudad de Bubastis en el delta del río Nilo), como a la diosa Sekhmet (diosa de la guerra, la venganza, el sol abrasador y patrona de la medicina), así como influencias del arte fenicio.

Para finalizar subrayar que se conoce que construidos por el rey asirio Ashurnasirpal II, los palacios y almacenes de Nimrud albergaban miles de piezas de marfil tallado.

La mayoría de los marfiles se utilizaban como incrustaciones en muebles o cómo pequeños objetos preciosos como cajas.

Si bien algunos estaban tallados en el mismo estilo que los grandes relieves asirios que adornaban las paredes del Palacio Noroeste, cabe destacar que la mayoría de los marfiles muestran imágenes y estilos relacionados con el arte del norte de Siria y las ciudades-estado fenicias.

Los marfiles de estilo fenicio se distinguen por el uso de iconografía relacionada con el arte egipcio, como esfinges y figuras con coronas faraónicas, y por el empleo de elaboradas técnicas de tallado, como el calado y la incrustación de vidrio de colores.

Los marfiles de estilo sirio septentrional tienden a representar figuras más robustas en composiciones más dinámicas, talladas como placas sólidas con menos elementos decorativos.

No obstante algunas piezas no encajan fácilmente en ninguno de éstos tres estilos, por lo que algunos investigadores creen que la mayoría de los marfiles probablemente fueron recolectados por los reyes asirios como tributo de los estados vasallos y como botín de los enemigos conquistados.

Mientras que algunos pudieron haber sido fabricados en talleres en Nimrud. Aunque enfatizar que los colmillos de marfil que proporcionaron la materia prima para éstos objetos procedían casi con toda seguridad de elefantes africanos importados de tierras al sur de Egipto.

A pesar de que los elefantes habitaron varios valles fluviales en Siria hasta que fueron cazados hasta su extinción a finales del siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 720 a.C. y 701 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Espada de Médico

La Espada de Médico, también conocida como Espada de Salón de Té o Chatou (茶刀), es una espada datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés. 

Espada de Médico

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte del Dr. Frederick Malling Pedersen, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.947 d.C., por herencia, la espada pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. la Espada de Médico también pasó por herencia a formar parte de la colección de arte de Etsuko O. y John H. Morris Jr.

Desde el año 1.994 d.C. la espada forma parte, de manera temporal, de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), habiendo sido la espada prometida para una futura donación. 

Espada de Médico

Descripción

Tiene una longitud de 45,7 cm, una anchura de 4,5 cm y un peso de 204,1 g. 

Esta elaborada en madera, nácar y seda.

Se trata de una pequeña espada o daga ceremonial japonesa que ha sido tallada en bulto redondo a partir de una sola pieza de madera.

Lo más llamativo es la decoración compuesta por una enérgica formada por figuras de dragones y animales entrelazados.

Asimismo se puede apreciar como en la empuñadura se encuentra firmada con el nombre en japonés de Yoshiteru.

Para finalizar subrayar que se conoce que los samuráis llevaban éste tipo de espadas en las casas de té como sustitutos de las espadas de metal conocidas como wakizashi (脇差), que no estaban permitidas en el interior.

De forma que podían utilizar estas espadas para defensa personal y sobretodo para mantener la dignidad o el estatus de un samurái.

Es más destacar que los médicos también las lucían en público. Siendo los ejemplares ornamentados, como la Espada de Médico, muy apreciados por los coleccionistas en Europa y América.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora

La Botella de Doble Pico con Figura Voladora es una botella datada aproximadamente entre los años 300 d.C. y 500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora

Botella de Doble Pico con Figura Voladora

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa sur de Perú.

El 14 de mayo del año 1.996 d.C. la Botella de Doble Pico con Figura Voladora fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprada, dentro del lote número 7, por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora

Descripción

Tiene una altura de 17,1 cm y un diámetro de 16,5 cm. 

Se trata de una botella de cerámica con forma de cúpula con dos picos unidos por un asa en forma de correa.

De ahí su nombre de "botella de doble pico y puente", un tipo de recipiente con una larga tradición en la región.

El cuerpo se encuentra ornamentado por dos figuras idénticas, cada una sosteniendo una cabeza en una mano y un bastón en la otra.

Sus cuerpos cortos flotan de lado sobre un fondo blanco y el contorno negro realza la nitidez de la compleja imagen.

Las figuras se encuentran ataviadas con elaborados trajes que consisten en un adorno para la frente, una máscara bucal, discos colgantes, un collar, una túnica, un taparrabos y una capa.

Tienen ojos blancos y fijos, y lenguas protuberantes. Además destaca cómo pequeños rostros animan el adorno de la frente, los bigotes de la máscara bucal y el bastón, mientras que en la capa aparecen cabezas de perfil.

Siendo éstas figuras enmascaradas muy comunes en el arte nazca, dónde generalmente se las identifica como seres míticos o ancestros deificados.

Para finalizar subrayar que se conoce que los artistas nasca de la costa sur de Perú produjeron gran cantidad de vasijas de cerámica de diversas formas.

Las superficies des estas vasijas suelen ser muy lisas y brillantes y están pintadas con hasta trece colores, incluyendo blanco, rojo, marrón, gris, amarillo, naranja y rosa.

Es más resaltar que se sabe que los vibrantes tonos se lograban aplicando engobes coloreados con pigmentos minerales sobre la superficie lisa y endurecida antes de la cocción.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Broche Lobulado Merovingio

El Broche Lobulado Merovingio es un broche datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche Lobulado Merovingio

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte merovingio.

Lo primero que se conoce es que fue encontrado cerca del municipio de Niederbreising (Bad Breisig), ubicado en el distrito de Ahrweiler.

Situado en el estado federado de Renania Palatinado, en Alemania.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del marchante y coleccionista de arte alemán Friedrich Jakob Queckenberg.

Después pasó a formar parte de la colección de arte del coleccionista alemán Joseph Queckenberg.

En el año 1.913 d.C. el broche fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Broche Lobulado Merovingio fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 5,8 cm, un grosor de 1,9 cm y una anchura de 5,8 cm.

Está fabricado en lámina de oro, filigrana, piedra lunar (también conocida como piedra de luna o adularia), cabujones de vidrio, granates y nácar.

Se trata de un broche lobulado con el contorno redondeado dividido en varios lóbulos, sobretodo llama la atención como el anverso se encuentra ricamente ornamentado mediante incrustaciones.

El fondo ha sido decorado utilizando filigrana (finos hilos de oro retorcidos) y granulado, resaltando por el diseño en patrones geométricos y círculos concéntricos alrededor de un gran botón central.

Se puede apreciar como el botón central está compuesto por una gran incrustación de vidrio coloreado, rodeado por una banda dorada y una banda exterior con un patrón lobulado.

Aparte destaca como a su alrededor hay pequeñas incrustaciones en forma de cabujón (también denominado cabujón en forma de lágrima) y en el borde exterior hay un total de ocho incrustaciones (cuatro con forma redondeada y cuatro con forma cuadrada).

Con respecto a la composición resaltar como la base formada de una lámina de oro se encuentra complementada con un núcleo interno de hierro que aporta firmeza.

Asimismo resalta el contraste de color conseguido mediante las incrustaciones de vidrio coloreado, pasta vítrea, piedra lunar , nácar y granate que contrastan con el fondo dorado.

Para finalizar subrayar que se conoce que el atuendo de las mujeres merovingias consistía generalmente en una túnica, ceñida con un cinturón del que colgaban diversos colgantes.

Sobre la túnica se cubrían con un chal o manto. Además llevaban zapatos y media, sujetas con hebillas, que cubrían las piernas, mientras que pendientes, collares y horquillas completaban el conjunto.

Algunos aspectos de éste atuendo cambiaron entre los siglos IV d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 700 d.C.) y los broches, en particular, reflejan cambios en el gusto.

Desde el siglo IV d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 600 d.C.) pares de pequeños broches, con una variedad de formas ingeniosas, sujetaban el chal. Pero hacia el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), un único broche de disco grande, generalmente ricamente ornamentado, cumplía la misma función.

Es más es sabido que ninguna otra joya es más característica del atuendo merovingio que el broche y ninguna otra demuestra mejor el virtuosismo de los orfebres merovingios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura de un Cautivo Asiático

La Figura de un Cautivo Asiático es una pieza datada aproximadamente entre los años 1.295 a.C. y 1.070 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Figura de un Cautivo Asiático

Figura de un Cautivo Asiático

Fue elaborado durante el Imperio Nuevo de Egipto (período comprendido entre los años 1.550 a.C. y 1.070 a.C.).

En concreto durante la última etapa del Imperio Nuevo de Egipto, también conocido como período Ramésida (período comprendido entre los años 1.292 a.C. y 1.077 a.C.). 

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte de la casa de subastas de arte y numismática  "Spink & Son", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En julio del año 1.954 d.C. la pieza fue comprada por el artista, coleccionista y escritor estadounidense Albert Gallatin.

Hasta que en el año 1.966 d.C. la Figura de un Cautivo Asiático fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento da arte egipcio.

Descripción

Tiene una altura de 11,8 cm, una anchura de 4,2 cm y un grosor de 0,4 cm. Está elaborada en marfil, pigmento rojo y rosa sobre un fondo blanco.

Se trata de una pieza de marfil que representa a un cautivo encadenado. Sobretodo resalta como su barba puntiaguda, las arrugas faciales y la vestimenta ricamente ornamentada lo identifican como asiático.

Aparte destacar que algunos investigadores por la vestimenta con elaborados estampados y con flecos identifican a la figura masculina como de origen cananeo o sirio.

El prisionero permanece de pie con los brazos levantados, con las manos atadas, las piernas flexionadas, con la parte inferior del cuerpo de perfil hacia el lado izquierdo y la parte superior del cuerpo y el rostro de frente.

Para finalizar subrayar que se conoce que éste tipo de representaciones frontales de extranjeros se usaban comúnmente como incrustaciones para muebles, tronos, sillas, escabeles, así como otros elementos escultóricos colocados en las bases de las esculturas.

Por lo tanto la Figura de un Cautivo Asiático es un ejemplo de la iconografía real egipcia diseñada para proyectar el poder absoluto del faraón sobre los enemigos extranjeros.

Es más los investigadores creen que al apoyar los faraones los pies sobre éste tipo de representaciones frontales de extranjeros expresaba de una forma visualmente brutal su dominio sobre otras tierras al simbolizar al faraón "pisoteando" físicamente a sus enemigos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco Colgante Celta

El Cuenco Colgante Celta es un cuenco colgante datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte celta.

Cuenco Colgante Celta

Cuenco Colgante celta
(dibujo)

Lo primero que se sabe es qué fue encontrado de manera accidental junto con otros numerosos objetos, presumiblemente procedentes de un cementerio, por obreros durante las obras de construcción del ferrocarril de Londres (Gran Bretaña).

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista, clérigo, coleccionista de monedas y plantas escocés John Hutton Pollexfen (también conocido como Rev. J. H. Pollexfen).

Hasta que el año 1.870 d.C. el Cuenco Colgante Celta fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro, dentro del departamento de arte de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Descripción

Tiene una altura de 28 mm, un grosor de 1,50 mm y un diámetro de 16 mm. Está elaborado en aleación de cobre y esmalte.

Se trata de un escudo de bronce para cuenco colgante, fundido en una sola pieza con gancho saliente (en la actualidad roto), que se asemeja a un pájaro estilizado.

El diseño, de líneas finas sobre un fondo de esmalte rojo (actualmente deteriorado), consiste en una gran espiral central de la que parten tres espirales más pequeñas.

Las dos superiores son del mismo tamaño, mientras que la inferior es más pequeña para ajustarse al espacio reducido en la punta del escudo.

Se observa cómo los tres extremos dentro de la gran espiral central son zoomorfas, con cabezas aplanadas, puntas de pico o narices en forma de maza y pequeños orificios circulares (ojos) claramente visibles.

La espiral inferior contiene un único extremo de tipo similar, aparentemente sin el aplanamiento de la cabeza. Aparte destaca cómo los extremos del par de espirales superiores difieren.

El de la izquierda muestra dos cabezas zoomorfas, planas de extremo a extremo, con ojos y orientadas en direcciones opuestas, una apunta hacia arriba y la otra hacia abajo.

Las puntas de los de los picos o bocas son triangulares y en ambas cabezas se aprecian claramente los orificios circulares que representaban los ojos.

Se aprecia cómo en la espiral de la derecha, los extremos tienen forma de plátano, con una conicidad uniforme, que se superponen y entrelazan sin tocarse.

En el fondo del motivo de volutas a cada lado hay un total de seis formas ovaladas abiertas, con forma de pera o puntiagudas, dispuestas en pares opuestos y cuyo tamaño disminuye de arriba abajo del escudo.

Asimismo destaca como el par superior, situado en la base del gancho, sobresale del nivel del esmalte en relieve.

Además se puede observar cómo el soporte presenta una ligera concavidad para adaptarse a la superficie redondeada del cuenco y, los investigadores creen que por analogía con otros soportes, el gancho habría terminado en una cabeza con forma de ave estilizada.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que los motivos ornamentales del Cuenco Colgante Celta son de particular interés, ya que combinan un tipo zoomórfico angular con un extremo en forma de maza.

También resaltar que el diseño muestra una gran elegancia y maestría en su ejecución, destacando cómo la línea es continua y fluye con naturalidad de un extremo a otro del diseño.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

La Boloñesa

La Boloñesa, también conocida como La Boulonnaise, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.922 d.C. y 1.923 d.C., perteneciente al cubismo.

La Boloñesa

La Boloñesa

Fue pintada por la pintora española María Gutiérrez-Cueto Blanchard (también conocida como María Blanchard).

Lo primero que se conoce es que la pintura formó parte de la colección de arte de un coleccionista privado.

El 3 de diciembre del año 1.986 d.C. fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), dentro del lote número 311.

En el año 1.988 d.C. La Boloñesa fue comprada por la sociedad francesa de subastas "Ader Picard Tajan", situada en la ciudad de París (Francia). 

En el año 1.989 d.C. fue adquirido por el museo privado Musée Petit Palais, localizado en la ciudad de Ginebra, en Suiza.

En el año 2.000 d.C. la pintura fue vendida a través de la galería de arte Galería Guillermo de Osma, siendo comprada por un coleccionista particular, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Oviedo, en la comunidad autónoma de Asturias (España).

En el año 2.021 d.C. la pintura La Boloñesa fue adquirida por el Museo Nacional del Prado, ubicado en la ciudad de Madrid (España).

Cabe resaltar que la compra pudo realizarse gracias al legado de la benefactora y mecenas de la Fundación Amigos Museo del Prado Carmen Sánchez García.

Además destacar que su ingreso en la pinacoteca del museo fue significativo y está considerada una de las piezas estrella que representa la vanguardia española en el Museo del Prado.

Descripción

Tiene una altura de 65 cm y una anchura de 100 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven, con el cuerpo ligeramente girado hacia el lado derecho y con los brazos en jarras. 

Cabe resaltar que la mujer representada es oriunda de la ciudad pesquera de Boulogne-sur-Mer, situada en al región de Boulonnais, localizada en la prefectura de Arras, en la región de Alta Francia (Francia).

Es conocido que las mujeres de ésta localidad, conocidas como "boloñesas", se dedicaban tradicionalmente a la descarga de pescado y la recogida de marisco.

La mujer se encuentra ataviada con el traje de fiesta regional, con un vestido de seda negra y el delantal ocre, pero sobretodo llama la atención su cofia blanca circular de encaje almidonado y encañonado.

También resalta el manto o chal en tonos rojos, rosas y blancos, con flecos y decorado con flores y patrones geométricos, colocado alrededor del cuello, cayéndole por los hombros y el busto. 

En el rostro alargado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos de un tono pálido, el mentón pronunciado y las orejas, de las que cuelgan grandes pendientes colgantes.

En el anverso, situado en el ángulo inferior derecho, se puede leer la firma de la autora: "M. BLANCHARD".

Con respecto a la composición destacan las líneas rectas y la fragmentación, a la vez que la autora aborda la cultura popular francesa representada con sombras marcadas.

Aparte destaca el uso de la policromía con la utilización de tonos de color contrastados, que resaltan sobre el fondo de un color azul haciendo resaltar la silueta de la mujer realizada en un tono más claro.

Para finalizar subrayar que La Boloñesa está considerada un ejemplo del cubismo personal de la autora y su interés por temas etnográficos, consolidando su lugar entre las grandes figuras del cubismo parisino.

Además algunos investigadores creen que la mujer representa proyecta una apariencia física sólida que transmite una energía poderosa, lo que contrastaría con la propia fragilidad de la autora, que padecía cifoscoliosis (deformidad compleja de la columna vertebral que combina dos tipos de curvaturas anormales).

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

Vaso con Figura Frontal

El Vaso con Figura Frontal es un recipiente datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayeque o arte sicán.

Vaso con Figura Frontal

Vaso con Figura Frontal

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa norte de Perú.

Formó parte de la colección de arte de la colección del académico, arqueólogo y profesor estadounidense Paul Robert Cheesman, ubicada en la ciudad de Miami, situada en el estado de Florida (Estados Unidos de América).

En el año 1.964 d.C. fue comprado por el restaurador y coleccionista de arte Jan Mitchell, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Vaso con Figura Frontal fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm, una anchura de 10,8 cm y una profundidad de 10,2 cm. Está elaborado en oro.

Se trata de un vaso acampanado que está ornamentado en el cuerpo con una figura antropomórfica de frente, repetida en ambos lados del vaso, que se presenta con los talones juntos, los pies apuntando hacia afuera y sosteniendo en cada mano un largo bastón.

Mientras que en la base del recipiente la decoración está compuesta por diseños de aves zoomorfas estilizadas probablemente inspirados en los diseños norcosteños anteriores de animales estilizados. 

En cuanto a los rasgos faciales de la figura de pie, resaltar que cuyo rostro en forma de media luna y ojos puntiagudos se asemejan a los de las pinturas de líneas finas del período Moche tardío (aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C.).

Con respecto a la composición resaltar que los artistas lambayeque incorporaron las tradiciones visuales moche a sus propias creaciones aproximadamente hacia el año 1.000 d.C., la época en la que la entidad política Lambayeque se consolidó rápidamente como una poderosa fuerza en la región.

Además cabe destacar que los objetos con forma de bastón que se muestran en el Vaso con Figura Central son una combinación visual de dos motivos comunes de la cultura moche (la cabeza triangular de la maza y el escudo redondeado).

Éstos objetos bélicos, que en las representaciones Moche suelen asociarse con la violencia ritual, aluden a una noción diferente cuando se fusionan y se observan en las obras Lambayeque.

En éste caso el poder ceremonial invoca de forma más directa la autoridad divina o ancestral, siendo ésta adaptaciones lo que reflejan cómo los artistas Lambayeque cultivaron una identidad artística única, que combinó y transformó motivos existentes para denotar nuevos significados y valores.

Es más se piensa que originalmente el Vaso con Figura Frontal probablemente contenía líquidos rituales, posiblemente chicha (una bebida fermentada de maíz ampliamente consumida en lo que en la actualidad es Sudamérica).

Para finalizar subrayar que el Vaso con Figura Frontal fue expuesto del 9 de mayo al 11 de agosto del año 1.985 d.C. en la exposición "The Art of Precolumbian Gold: The Jan Mitchell Collection" ("El arte del oro precolombino: la colección de Jan Mitchell"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Armor

Armor, también conocido como Armadura, es una pintura datada en el año 1.891 d.C., perteneciente al simbolismo.

Armor

Armor

Fue pintada por el pintor francés Odilon Redon. 

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del arquitecto y coleccionista de arte francés Antoine-Nicolas Bailly.

En el año 1.892 d.C. la pintura fue adquirida por el marchante de arte y galerista francés Ambroise Vollard.

Después pasó a formar de la colección de la "Galerie Jacques Dubourg", ubicada en la ciudad de París (Francia).

Hasta que en el año 1.948 d.C. la pintura Armor fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de dibujos y grabados.

Descripción

Tiene una altura de 50,7 cm y una anchura de 36,8 cm. Está pintado al carboncillo y lápiz conté.

Se trata de un dibujo fantástico que presenta la figura de perfil de una mujer, mirando hacia el lado izquierdo, envuelta en una armadura oscura compuesta por un casco con púas y tan sólo dejando ver una mirada melancólica.

Cabe enfatizar que el significado exacto de la imagen no está claro, algunos investigadores piensan que la extraña atadura impuesta a la mujer retratada expresa un miedo subconsciente a la sexualidad femenina o, por el contrario, sirve como símbolo de la fecundidad femenina.

Con respecto a la composición resaltar que la armadura no está representada como un objeto, sino que se encuentra representada como una metáfora de aislamiento, introspección o protección espiritual.

Además resaltar que el artista está considerado un maestro del carboncillo y ha utiliza el difuminado para crear una atmósfera de ambigüedad y misterio.

También llama la atención la habilidad del autor para capturar toda la gama de todos del carboncillo, desde la oscura textura aterciopelada del casco hasta la palidez de la piel de la mujer.

Para finalizar subrayar que la pintura Armor forma parte de la serie de "noirs" (negros), dónde el artista exploraba temas fantásticos, oníricos y psicológicos.

Asimismo resaltar que la obra es uno de los cuatro dibujos a carboncillo similares que el pintor francés Odilon Redon realizó durante la última década del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.891 d.C. y 1.900 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.