miércoles, 31 de octubre de 2018

Rahotep y Nofret

Rahotep y Nofret son dos esculturas datadas aproximadamente entre los años 2.614 a.C. y 2.579 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Rahotep y Nofret
Rahotep y Nofret

En concreto fueron esculpidas durante la IV Dinastía del Imperio Egipcio Antiguo.

Fueron halladas en el año 1.871 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo francés Françoise Auguste Mariette.

En el interior de la Mastaba de Rahotep, ubicada en Meidum, situado a 100 km al sur de la ciudad de El Cairo y a 5 km al oeste del río Nilo, en Egipto.

Poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Egipcio de El Cairo (Egipto).

Rahotep y Nofret


¿ Quién fue Rahotep y Nofret ?


Rahotep fue un príncipe y junto a su esposa Nofret, vivieron durante el reinado del faraón Sneferu (primer faraón de la dinastía IV, gobernó entre los años 2.614 a.C. y 2.579 a.C.).

Rahotep era el Sumo Sacerdote Supremo de Ra en la ciudad de Heliópolis.

Nofret era la esposa de Rahotep, juntos tuvieron tres hijos: Djedi, Itu y Neferkau y tres hijas: Mereret, Nedjemib y Sethtet.

Rahotep y Nofret


Descripción


La escultura de Rahotep tiene una altura de 121 cm, mientras que la escultura de Nofret tiene una altura de 122 cm.

Está fabricada en piedra caliza policromada, cuarzo y cristal de roca.

Son dos esculturas en posición sedente independientes que representan a Rahotep y a su esposa Nofret.

Cabe destacar que ambas esculturas han sido esculpidas siguiendo un único criterio, siendo las dimensiones casi idénticas.

Además las esculturas han sido talladas en un único bloque de piedra caliza, para después ser estucadas dotando policromía a la superficie.

Las dos figuras se encuentran representadas en posición sedente, sentados en una especie de tronos con respaldo alto, de color blanco, que sobresale de la espalda y hace la función de pilastra dorsal.

Se puede observar como en la parte inferior hay una especie de podio de color negro sobre el cual descansan los pies, el podio de color oscuro de la base contrasta con el fondo blanco de los tronos lo que hace que se consiga un efecto de profundidad.


La escultura de Rahotep está representada con el torso desnudo, se encuentra únicamente ataviado con un faldellín blanco con una cinta anudada a la cintura.

En el rostro destacan los ojos almendrados mediante incrustaciones de cuarzo blanco y cristal de roca en un tono marrón claro, casi miel.

Escultura de Rahotep
Por lo que los ojos destacan por el brillo e intensifican el efecto de realismo.

Aparte se encuentran realzados por una suave línea de maquillaje subrayando levemente el rabillo, que se encuentra representado extendido por el lagrimal hacia la nariz.

La piel destaca por el tono moreno y oscuro. 

El cabello negro está representado muy corto, apreciándose las orejas.

La nariz grande, los labios carnosos y sobre los labios tiene representado un fino bigote. 

Alrededor del cuello lleva un colgante formado por una una pieza lobulada que se sujeta con un cordón y cuelga a modo de gargantilla.

Los investigadores piensan que este amuleto representa una tortuga, un tipo de talismán muy usado en el Imperio Antiguo, símbolo de renacimiento y regeneración.

Respecto a la postura, se encuentra sentado con los pies juntos, los puños están cerrados uno descansa sobre la rodilla y el otro se encuentra colocado sobre el pecho.

Además tanto las piernas y los pies están  representados de un modo más burdo y de aspecto desproporcionado.

La escultura de Nofret destaca por el tono amarillento de su piel (en el Antiguo Egipto el color lívido en la piel era muy valorado como expresión de belleza y sensualidad).

Escultura de Nofret
En la parte superior de la cabeza destaca la peluca bipartita formada por una sucesión de mechones que se superpone al pelo natural.

No obstante resalta como se puede observar parcialmente la zona del flequillo.

La peluca está decorada con una cinta con motivos florales y una sucesión de rosetas.

Los ojos almendrados llevan incrustaciones de cuarzo blando y cristal de roca.

También se aprecian las cenas finamente delineadas, los ojos finamente enmarcados, la nariz recta y los labios carnosos y sin color. 

Se encuentra ataviada con una túnica blanca de tirantes que le llega hasta casi la altura de los tobillos, muy ceñida y ajustada a su cuerpo.

Además lleva una especie de capa, muy ajustada que le cubre los hombros y brazos. De la vestimenta resalta como se puede apreciar las formas de los pechos y se ven los pezones a través de la tela.

Alrededor del cuello lleva un amplio collar que se extiende sobre el pecho. El collar amplio y llamativo está formado por diversas bandas de color rojo, azul aturquesado y verde.

Cabe destacar que tan sólo se puede apreciar la mano derecha que se sitúa sobre el pecho por el encima del brazo izquierdo. 

Rahotep y Nofret
En la parte superior del respaldo se encuentra unas inscripciones jeroglíficas escritas en negro sobre el fondo blanco.

En ella se describe a Rahotep como el Sumo Sacerdote Supremo de Ra en Heliópolis, también tiene un título dado a la nobleza:

 "hijo del rey, entregado de su cuerpo". 
Heliópolis, la ciudad de Ra, 
"El más grande de los videntes".

Nofret era la esposa de Rahotep y poseía el título de "conocida del Rey".


Con respecto a la composición destaca la Ley de la Frontalidad (solo se representa las partes que se observan de frente, la parte posterior es completamente lísa) y el hieratismo (no tienen ninguna representación de movimiento).

Llaman la atención la diferencia de contraste de color en la piel masculina y femenina, así como el realismo de los ojos.

Las esculturas han sido compuestas siguiendo el canon geométrico, establecido en el relieve de Hesiré (el canon perfecto y armónico de 18 puños).

Para finalizar subrayar que la funcionalidad de las esculturas era funeraria, puesto que eran la representación del "Ka" (fuerza vital) de los difuntos en caso de que su cuerpo momificado fuera profanado o mutilado.

Actualmente se encuentran expuestas en el Museo Egipcio de El Cairo, Egipto.

martes, 30 de octubre de 2018

Cabra Ramoneando un Matorral

La Cabra Ramoneando un Matorral, también conocida como Carnero de los Matorrales, es una escultura datada aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.400 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Cabra Ramoneando un Matorral
Cabra Ramoneando un Matorral

Fue hallada durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.928 d.C. y 1.929 d.C. por el arqueólogo británico Leonard Woolley.

En el interior de las tumbas del cementerio real de Ur, ubicadas en la actual provincia de Dhi Qar, en el sur de Irak.

Cabe destacar que en el momento del hallazgo se encontraron dos esculturas juntas tendidas la zona conocida como "Gran Pozo de la Muerte".

Además resaltar que en su descubrimiento la escultura se encontraba aplastada por el peso de la tierra, por lo que el arqueólogo británico Leonard Woolley utilizó cera para juntar todas las piezas y poder presionar a la figura suavemente hacia su forma original.

En el año 1.929 d.C. la Cabra Ramoneando un Matorral fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Oriente Medio.

Cabra Ramoneando un Matorral
Cabra Ramoneando un Matorral
Cabra Ramoneando un Matorral


Cabra Ramoneando un Matorral


Descripción


Tiene una altura de 45,70 cm, una anchura de 30,48 cm, la longitud de la base es de 11,4 cm y el ancho de la base tiene 6,35 cm.

Está fabricado en oro, lapislázuli, concha (blanca), plata, piedra caliza roja, cobre y madera.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una cabra posada sobre un arbusto en busca de alimento.

La cabra está representada en una postura con los cuartos traseros apoyados al suelo, mientras que los delanteros se encuentran levantados, tratando de alcanzar las ramas más altas del árbol.

El árbol está hecho de pan de oro, la cabra tiene la cabeza y las patas también de pan de oro, las orejas son de aleación de cobre (actualmente verdes) y tanto los cuernos, los ojos y el vellón son de lapislázuli.

Cabra Ramoneando un Matorral
Mientras que el vellón del cuerpo es de concha blanco que originalmente ha sido montada sobre un núcleo de madera con una capa más gruesa de betún.

Cabe resaltar que el núcleo interior de madera se encuentra descompuesto y originalmente habría sido finamente cortado para la cabeza y las patas.

Pero se puede observar como el cuerpo ha sido modelado de una manera más tosca.

Además se aprecia como los genitales son de oro y el vientre está compuesto por una placa de plata, que actualmente está oxidada y no tiene posibilidad de restauración.

También destaca como el árbol está cubierto de pan de oro y las ramas están cubiertas con flores doradas y hojas de oro.

Toda la escultura se encuentra apoyada sobre una pequeña base rectangular decorada con un mosaico de conchas, piedra caliza roja y lapislázuli.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el tubo que se levanta de los lomos de la cabra había sido usado par sostener algún recipiente, probablemente un tazón.

También creen que la escultura se encontraba originalmente unida al árbol mediante unas cadenas de plata, situadas alrededor de sus espolones, aunque estas cadenas se han descompuesto completamente.

Actualmente se encuentra expuesto en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

La figura de su compañera se encuentra expuesta en el Museo de la Universidad de Pensilvania en Filadelfia (Estados Unidos).

lunes, 29 de octubre de 2018

Arte Neolítico

El arte neolítico es el conjunto de manifestaciones artísticas surgidas durante el período Neolítico de la prehistoria. Período comprendido entre los años 6.000 a.C. y el 2.300 a.C.

Stonhegen (monumento neolítico)

El período neolítico se encuentra dividido en tres etapas o fases:

  • Neolítico inicial: Período comprendido entre los años 6.000 a.C. y 3.500 a.C.
  • Neolítico medio: Período comprendido entre los años 3.000 a.C. y 2.800 a.C.
  • Neolítico final: Período comprendido desde el 2.800 a.C. hasta el comienzo de la edad de los metales en el año 2.300 a.C.


La palabra neolítico proviene de del griego: "neos" nuevo y "líthos" piedra.

Aunque el arte neolítico se ha dado en varios continentes todo ello implica que cada región y zona tuvo sus correspondientes particularidades y cronologías, aunque se pueden dar unos rasgos generales.

Durante el período neolítico se tienen a fijar la idea, es decir, el concepto de las cosas, se crean símbolos en vez de imágenes.

Cerámica y orfebrería neolítica

Las primeras manifestaciones artísticas estuvieron ligadas con el pensamiento mágico-religioso, aunque estos pensamientos pronto cambiaron dando paso a plasmar de manera pictográfica las ideas primigenias.

El avance en la agricultura, los cambios económicos y sociales, llevo al ser humano al sedentarismo, dando así a la aparición de la arquitectura, en este período se erigen los monumentos megalíticos, construidos sobre bloques de piedras monumentales y verticales con fines simbólicos y religiosos (pero principalmente funerarios).
Herramientas del
período Neolítico

También durante este período aparece la producción del fuego, la cerámica, alfarería y e hilado (fabricación de tejidos) que evoluciona con parámetros geométricos. Respecto a la creación de formas, estás son abstractas, es decir, se trata de un arte más racional y reflexivo.

Respecto a la industria textil, no sólo apareció la fabricación de tejidos tales como el lino, algodón y lana, sino que también la creía de determinados animales y el cultivo de plantas específicas. También se inventó el telar.

Los temas de las representaciones artísticas se basan en la experiencia social, en la convivencia. En las pinturas neolíticas el cuerpo humano ocupa un lugar predominante, aunque con aspecto algo primitivo y representaciones con colores monocromáticos.

Pintura neolítica
También hay estatuillas y relieves asociados al culto de la fertilidad y de la naturaleza.

Lo dos rasgos más característicos de las construcciones del período neolítico son: la aparición de la arquitectura funeraria y la arquitectura megalítica.

Cabe destacar que para las construcciones arquitectónicas se tenían en cuenta los calendarios y las mediciones astronómicas.

Durante el final del período neolítico se descubrieron la utilización y fundición de los metales, esto se usó para la fabricación de herramientas y armas, dando así paso al período denominado Edad de Bronce (que sucede cronológicamente al período neolítico).



Características principales del Arte Neolítico 


Características del Arte Neolítico

domingo, 28 de octubre de 2018

Venus de Menton

La Venus de Menton es una escultura datada aproximadamente entre los años 24.000 a.C. y 19.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Venus de Menton
En concreto fue esculpida en el período Gavateniense, correspondiente con el Paleolítico Superior.

Lo primero que se conoce es que fue hallada en la década de 1.880 d.C. (período comprendido entre los años 1.880 d.C. y 1.889 d.C.) en el interior de la cueva de Barma Grande a una profundidad de entre 4,2 a 4,7 metros.

Ubicada cerca de la frazione Grimaldi de Ventimiglia (provincia de Imperia), en la región de Liguria (Italia).

En el año 1.896 d.C. la Venus de Menton fue adquirida por el arqueólogo francés Samolón Reinach para el Museo Arqueológico Nacional de Saint-Germain en Laye (Francia).



Descripción

Tiene una altura de 4,7 cm. Está fabricada en esteatita (una roca derivada del talco), mediante las técnicas de tallado, incisión y grabado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer desnuda con las curvas y los atributos femeninos exagerados.

Venus de Menton
En la parte superior, destaca la cabeza grande en forma ovoide, con una proyección maxilar y la frente huidiza.

Los brazos apenas se encuentran esbozados y están completamente pegados al cuerpo.

Los pechos se encuentran representados de forma voluminosa y redondeada, así como el abdomen y las nalgas.

Además destaca como las caderas son anchas y los glúteos abultados.

También se puede observar que tanto el pubis, como la vulva se encuentran muy marcados mediante incisiones.

Aparte las piernas terminan en las rodillas, aunque es posible que debido a la antigüedad y la fragilidad del material el resto de la escultura no haya llegado hasta la actualidad.

Con respecto a la composición resaltar que es una estructura anatómica cerrada y en su composición destaca la ley de la simetría.

Es más destacar que ha sido tallada mediante una técnica bastante tosca, sin embargo se puede observar que se utilizó algún material abrasivo (como arena) para pulir la talla.

Para finalizar subrayar que la Venus de Menton se encuentra englobada dentro del arte mueble (también conocido como arte mobiliar) y forma parte del grupo de esculturas conocido como venus paleolíticas.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de Saint-Germain en Laye, Francia.

sábado, 27 de octubre de 2018

Trono de Ludovisi

El Trono de Ludovisi es un bloque de mármol datado aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C), pertenece al arte griego.

Trono de Ludovisi
Trono de Ludovisi

Fue hallado en el año 1.887 d.C. dentro de los terrenos de la Villa Ludovisi (también conocida como Villa Boncompagni Ludovisi o Villa Aurora).

En concreto se encontró en el área que corresponde a la antiguos jardines de Salustio (Horti Sallustiani), situados cerca del templo jónico dedicado a la diosa Afrodita (diosa del amor, la fertilidad y la belleza), en la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.894 d.C. el Trono de Ludovisi fue comprado por el gobierno italiano, pasando a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional Romano, ubicado en la ciudad de Roma, en Italia.


Descripción


La cara principal tiene una altura de 104 cm y un largo de 144 cm, mientras que las caras laterales tiene una altura de 69 cm. y un largo de 87 cm. 

Está esculpida en mármol de Paros, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de un bloque de mármol blanco compuesto por tres piezas, estando cada pieza esculpida en bajorrelieve y que presenta un hueco en la parte posterior.

Resalta como tan sólo las caras exteriores se encuentran decoradas con relieves, mientras que la cara interior es completamente lisa.

En la cara principal se encuentra representada una mujer emergiendo del agua, tan sólo se puede apreciar la parte superior del cuerpo.

Trono de Ludovisi
Además se observa como está representada de perfil. 

En el rostro destacan los ojos almendrados, con la mirada intensa, la nariz recta, los labios cerrados y la barbilla redondeada.

El cabello largo está recogido en un elegante peinado y se encuentra sujeto por una cinta detrás de la oreja.

Está ataviada con un peplo (posiblemente de lino), esta tela se adhiere a su cuerpo y revela el contorno de los pechos, la estructura del tórax y el vientre liso.

A ambos lados aparecen dos figuras femeninas (aunque la parte superior de las cabezas no han llegado hasta la actualidad).

Se observa como la figura de la izquierda va vestida con un peplo de lana abrochado a un lado, en cambio la figura de la derecha va vestida con un quitón de lino sujeto sobre los brazos y los hombros.

Ambas prendas tienen una caída distinta sobre las piernas. Los pies aparecen representados descalzos, sobre guijarros de mar o pequeñas piedras.

Ambas sostiene con una mano una gruesa tela, que trata de ocultar el cuerpo de la mujer del centro que emerge, mientras que con la otra mano la ayudan a levantarse tirando por detrás de los hombros.

En el panel derecho aparece representada una mujer vestida con un manto (himatión), calza sandalias y se encuentra sentada sobre un cojín. 

Está representada preparando una libación u ofrenda, con una mano sostiene una caja y con la otra extrae granos que deposita sobre el pebetero que se encuentra frente a ella.

Trono de Ludovisi
En el panel izquierdo aparece representada una mujer desnuda, con las piernas cruzadas, el cabello aparece recogido en un pañuelo y tocando el aulos o flauta doble.

Cabe destacar que está representación es uno de los primeros desnudos que se han hallado perteneciente al arte griego, destacando sobretodo por la plasticidad, el modelado y la forma de composición cerrada.

Con respecto a la composición resaltar que la composición central ha sido esculpida dentro de un óvalo (dentro del cuál las figuras se adaptan perfectamente al espacio). 

También en los paneles laterales las figuras se adaptan a la forma del marco, adoptando una actitud y posición sedente.

Para finalizar subrayar que aunque el Trono de Ludovisi fue denominado "trono", debido a que su forma recordaba a uno, no presenta asiento o elevación trasera dónde sentarse.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Romano, en Roma (Italia).

viernes, 26 de octubre de 2018

Tocador de Aulós

El Tocador de Aulós, también conocido como el Tocador de Aulós de Keros o Flautista de Keros, es una escultura datada aproximadamente entre los años 2.800 a.C. y 2.300 a.C., pertenece al arte prehelénico, en concreto al arte cicládico.

Tocador de Aulós
Tocador de Aulós


Lo primero que se conoce es que fue encontrada en el año 1.884 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo alemán Ulrich Kohler.

En el interior de una tumba ubicada en el islote de Daskalió, situado junto a la isla de Keros, situado en el archipiélago de las Cícladas, en el mar Egeo (Grecia).

Poco después de su descubrimiento el Tocador de Aulós pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia).


Descripción


Tiene una altura de 50 cm. Está realizada en mármol, mediante las técnicas de incisión, tallado, pulido y grabado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura masculina, un músico en posición de pie y tocando un instrumento musical, una flauta doble.

Cabe destacar que durante la cultura cicládica la doble flauta era conocida como "aulos", un instrumento musical de viento de la Antigua Grecia, que presentaba dos tubos y producía un sonido agudo.

La cabeza presenta forma ovalada y está ligeramente inclinada hacia atrás y hacia arriba. Aparte lo único que se puede apreciar de las facciones del rostro es la nariz.

El cuello es alargado y grueso y se encuentra representado en un tamaño desproporcionado respecto al cuerpo.

Tocador de Aulós
Ambas manos se encuentran levantadas hacia delante, sujetando la doble flauta y se observa como la posición de los "labios" es la de soplar la doble flauta.

También destaca como las dos piernas se encuentran un poco separadas entre sí.

Mientras que los pies se encuentran totalmente apoyados en el suelo (sobre un pequeño cuadrado o lápida).

Los dedos de los pies y las manos se encuentran destacados mediante pequeñas incisiones. 

Así mismo también se pueden apreciar dos leves incisiones situadas a la altura de las caderas.

Con respecto a la composición resaltar que la escultura se encuentra compuesta únicamente por elementos geométricos, siendo éstas formas geométricas y redondeadas las que dotan a la escultura de mucha expresividad.

En cuanto a la funcionalidad destacar que la funcionalidad de la escultura es funeraria, puesto que los investigadores creen que podría tratarse de un exvoto o de una representación de algún ritual funerario que estuviera acompañado de música.

Para finalizar subrayar que el Tocador de Aulós está considerado unas de las esculturas que representan actuaciones de músicos más antiguas de las que se tienen constancia.

Actualmente se encuentra expuesto en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

jueves, 25 de octubre de 2018

Busto de Anjaf

El busto de Anjaf es un busto datado durante la IV dinastía del Antiguo Egipto (período comprendido entre los años 2.630 a.C. y 2.500 a.C.), pertenece al arte egipcio, en concreto al período del Imperio Antiguo de Egipto.
Busto de Anjaf

Esta escultura es considerada una obra maestra del arte egipcio.

Fue hallada en el año 1.925 durante las excavaciones en el interior de la mataba "G7510" ubicada en el Complejo funerario de Jufu, dentro de la Necrópolis Este de Guiza (a 20 km de El Cairo, Egipto).


¿ Quién fue Anjaf ?


Anjaf es el hijo de Seneferu (primer faraón IV dinastía del Antiguo Egipto), era hermano del faraón Jufu también conocido como Jéops o Keops (segundo faraón de la IV dinastía del Antiguo Egipto)

Durante el reinado de su sobrino el faraón Kefrén (cuarto faraón de la IV dinastía del Antiguo Egipto), Anjaf desempeño el cargo de "chaty" o "tyaty", es decir, representaba al más alto funcionario del Antiguo Egipto, era el primer magistrado después del faraón.

Entre sus trabajos más destacados destaca la supervisión de la construcción de la Gran Esfinge de Guiza.


Descripción


Tiene una altura de 50,48 cm. Está fabricada en piedra caliza con estuco policromado.

Fue tallado en piedra caliza, después fue cubierto con capas de yeso que se adornaron con el pigmento. El estuco fue utilizado para modelar los detalles y los rasgos del rostro.

Busto de Anjaf
Es una escultura de exenta o de bulto redondo que muestra el busto de un hombre adulto en edad avanzada.

Los brazos se representan cortados cerca de los hombros, a una altura por encima de la establecida por el corte inferior situado justo por debajo del pecho.

Fue hallado dentro de una de las cámaras de adobe de la mataba, en posición tumbada sobre su espalda junto a una especie de pedestal de adobe de una altura de 82 cm.

Los investigadores creen que podría haber estado colocada sobre ese pedestal, mirando hacia el Este (simbolizando la fuerza simbólica regeneradora del sol del amanecer).

Del rostro destaca el gran naturalismo con el que el escultor realizó la obra. La frente es ancha y despejada. Se observan amplias entradas que evidencian una calvicie.
Busto de Anjaf

Los límites del cabello quedan delimitados por un borde en relieve que recorre la zona alta de la cabeza y se perfila las patillas.

En la parte posterior a la altura de la nuca, se aprecia un cambio de textura lo que diferencia el cabello de la piel.

También en la parte posterior destacan la forma de los omoplatos y el hundimiento central en la zona de la columna.

El cuello es ancho y se observa la forma abultada de la papada (esto indica un leve sobrepeso), también se aprecian sutilmente los huesos de la clavícula.

Se pueden observar como las cejas apenas están marcadas, los ojos destacan por las bolsas de los párpados, así como lo abultado de las pupilas y las ojeras marcadas.

Busto de Anjaf
También se aprecia cierta flaccidez en las mejillas.

La boca es reta con una comisura realzada por las leves arrugas que se prolongan hacia la nariz. Bajo el labio inferior se aprecia una curva que se funde con la barbilla.

La piel está representada en un color tostado oscuro, aunque no han llegado hasta la actualidad la pigmentación en los ojos, en las cejas y en el pelo.

En general el estado de conservación es bueno, no obstante destaca la fractura situada en la frente, así como la nariz y la barbilla, las orejas no se encuentran y hay algunas zonas donde la capa de estuco se ha desprendido.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Massachusetts (Estados Unidos).

miércoles, 24 de octubre de 2018

Espejo de Desborough

El espejo de Desborough esta datado entre los siglos I a.C. y I d.C., aproximadamente entre los años 50 a.C. y 50 d.C., perteneciente al arte celta.

Espejo de Desborough
Este espejo de bronce es uno de los más representativos de la cultura celta de Gran Bretaña durante la Edad del Hierro.

Se cree que perteneció a una mujer celta que gozaba de un alto poder adquisitivo.

Fue hallado en el año 1.908 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la localidad de Desborough, ubicada en el condado de Northamptonshire, en Gran Bretaña.

Hasta que en el año 1.924 d.C. el Espejo de Desborough fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción


Tiene una longitud de 350 mm y un peso de 561 gramos. Está fabricado en bronce, mediante la técnica de grabado.

El espejo sin el mango tiene una longitud de 239 mm, una anchura de 158 mm y un espesor de 5 mm.

El mango tiene una longitud de 115 mm, la parte superior tiene un grosor de 10 mm y la base del mango presenta un espesor de 6 mm.

La base del asa tiene una anchura de 69 mm, mientras que la parte superior y media del asa una anchura de 30 mm.

El espejo está realizado en tres piezas: un mango moldeado, la placa principal del espejo y una tira de sujeción tubular alrededor del borde.

Espejo de Desborough
El espejo presenta en un lado una placa muy pulida para producir una superficie reflectante, está es una superficie reflectante con patinado verde.

La parte posterior del espejo se encuentra muy decorado con dibujos abstractos de zarcillos enroscados, inspirados en ramas y hojas naturales.

La decoración ha sido grabada utilizando un patrón de tejido de canasta y texturas sombreadas, esto hace que el patrón destaque del fondo.

Tiene un contorno simétrico en forma de lira con bobinas flanqueantes.

Cabe resaltar que durante la Edad de Hierro los espejos eran un artículo de lujo que tenían un amplio espacio dedicado a la ornamentación, tanto en el mango fundido como en el dorso del plano.


Actualmente se encuentra expuesto en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

martes, 23 de octubre de 2018

Carro etrusco de Monteleone

El carro etrusco de Monteleone es un carro de guerra datado aproximadamente entre los años 560 a.C. y 550 a.C., perteneciente al arte etrusco.

Carro etrusco de Monteleone
Aunque se trate de un carro etrusco, los relieves que se aprecian tienen influencias del arte griego.

Fue hallado en febrero del año 1.912 por el agricultor Isidoro Vannozzi y su hijo Giuseppe.

Durante la construcción de una casa en Colle del Capitano, cerca de Monteleone di Spoleto, en la zona central de los Apeninos, Italia.



Descripción


Tiene una altura de 130 cm. Está fabricado en bronce, madera y marfil.

La decoración está realizada mediante la técnica de relieve martillado. El relieve es de bronce con el fondo con incrustaciones de marfil.

Carro etrusco de Monteleone
Los relieves tienen una policromía bicolor, el marfil era usado como un fondo blanco brillante, mientras que el bronce, era usado como el color oscuro del metal.

El timón del carro tiene en la parte inicial una representación de una cabeza de jabalí , mientras que la parte final está decorada con la cabeza de un ave rapaz.

El yugo para los caballos tienen los extremos en forma de cabeza de león. Las ruedas presentan nueve radios.

Los relieves de los tres paneles están decorados con escenas del libro de la Ilíada, una de las obras más importantes de la literatura  griega (epopeya griega escrita por Homero).

El panel central representa a la ninfa del mar Tetis entregando a su hijo Aquiles, el casco (coronado por una cabeza de carnero) y el escudo especial forjado por Hefesto.

En el escudo se observan dos cabezas una encima de la otra (la situada arriba es la cabeza de Medusa y la situada debajo es la cabeza de un felino).
Carro etrusco de Monteleone

Debajo del escudo hay un cervatillo, representando un sacrificio propiciatorio.

Ademas hay dos pájaros que descienden del cielo en posición vertical.

En el panel lateral de la derecha, representa como Aquiles una vez muerto es llevado en un carro tirado por caballos alados en posición ascendente.

Debajo de las ruedas del carro, hay representada una figura de mujer con los brazos en alto.

En el panel lateral de la izquierda muestra la lucha entre Aquiles y Memmón. La lucha se desarrolla sobre el cuerpo desnudo de un tercer guerrero (Antíloco).

La escena representa como Memmón trata de golpear la cabeza de su oponente con su lanza, mientras un pájaro desvía el golpe y Aquiles golpea con su lanza en el pecho de Memmón.

Donde se juntan cada uno de los paneles laterales con el panel central, en el punto de contacto hay representados dos jóvenes desnudos con el pelo largo de pie sobre leones.

Carro etrusco de Monteleone
En la parte inferior del carro se encuentra un friso muy deteriorado.

En el lado derecho aparece representado el centauro Quirón, Iris (mensajera divina) aparece corriendo sujetando una tablilla y Aquiles aparece sujetando una pantera.

En el lado izquierdo aparecen dos leones atacando a un toro y a un ciervo.

La funcionalidad de la obra es ceremonial, es decir, debido a la fragilidad del revestimiento de bronce del carro, los investigadores piensan que se utilizaba sólo para ceremonias y desfiles, aunque también podría haber servido sólo como ajuar funerario.

Cabe destacar que debido al buen estado de conservación, es el único carro etrusco que se conserva casi intacto en la actualidad.

Actualmente se encuentra expuesto en el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York (Estados Unidos).

lunes, 22 de octubre de 2018

Zigurat de Ur

El zigurat de Ur esta datado aproximadamente entre los años 2.111 a.C. y 2.046 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, concretamente al arte sumerio (durante la tercera dinastía de Ur, período neosumerio).

Zigurat de Ur
Este monumento santuario esta dedicado al dios sumerio Nanna o Nannar (dios de la luna).

Comúnmente era designado como "Enzu" (cuyo significado es "Señor de la sabiduría").

Dentro de la arquitectura sumeria el zigurat de Ur es considerado el más importante y uno de los mejores conservados.

Fue hallada en el año 1.850 por William Kennett Loftus, pero las mayores excavaciones fueron realizadas durante los años 1.922 y 1.934 por Sin Leonard Woolley.

Se encuentra situado cerca de la antigua ciudad sumeria de Ur, en la actualidad corresponde a Irak.

Zigurat de Ur
Se empezó a construir durante el Período de El Obeid o El Ubaid (período protohistórico de Mesopotamia).

Fue reconstruido y acabado en el siglo XXI a.C. (periodo comprendido entre los años 2.100 a.C. y 2.001 a.C) durante el reinado del rey Ur-Nammu.

Fue destruido por los elamitas y posteriormente hubo otra reconstrucción aproximadamente entre los años 604 a.C. y 562 a.C., período correspondiente al reinado del rey Nabucodonosor II de Babilonia.

Todo el zigurat de Ur estaba rodeado por una muralla de 8 metros de altura, está fue restaurada a finales del año 1.970.

En el año 1.991 fue dañado durante la Primera Guerra del Golfo por armas de fuego y la estructura se movió debido a las explosiones. Aún en la actualidad se conservan cuatro huecos dejado por las bombas y los impactos de metralla.



Descripción


Su base mide 65 m de largo x 43 m de ancho x una altura de 22 m. Posiblemente tuvo un tamaño mayor, aunque debido a la erosión y el paso del tiempo se han perdido.

Fue construido en ladrillo de adobe (arcilla con arena y agua, mezclado con algún aglutinante, como la paja), son secados al sol y para hacerlo más resistente son cocidos a fuego.

Zigurat de Ur
Se trata de una arquitectura con forma rectangular, divididas en distintas terrazas.

Realizadas a base de la superposición de una serie de terrazas troncopiramidales (lo que genera muros de talud), cuya área disminuye conforme asciendes (tiene forma de torre escalonada).

A las diferentes alturas se accede mediante un sistema de escaleras, que en ocasiones son sustituidas por rampas.

En la actualidad tan solo se conserva la parte baja levantada a una altura de 21 m sobre el desierto.

Tan sólo se conservan las tres primeras terrazas, de las siete terrazas que se piensa que hubiera tenido la construcción original.

Los muros presentan una ligera inclinación, tienen forma de talud, a medida que van ganando en altura tiene una decoración con contrafuertes (no muy gruesos). Cada esquina se encuentra orientada en los cuatro puntos cardinales.

Zigurat de Ur
También toda la estructura cuenta con pozos de ventilación muy profundos.

Estos canales de ventilación eran utilizados para evitar que la humedad hiciera peligrar la integridad de la arcilla.

A parte había canales interiores utilizados para el desagüe de aguas residuales.

La cara interior de los muros están realizados de ladrillos de adobe, dispuesto en sentido horizontal.

Mientas que la cara exterior de los muros están realizados en ladrillos cocidos (colocados en sentido horizontal) de 2,5 m de grosor.

Estos ladrillos cocidos protegían la estructura de la lluvia usando como mortero betún asfáltico.

Para dar solidez a los ladrillos se usaban esferas de carrizo, es decir, sogas de esferas que atraviesan la construcción de lado a lado.

El acceso a las plantas exteriores se realizada mediante a tres escaleras (aún conservadas), una de ellas situada en la posición central conduce a la parte superior de la primera terraza, mientas que las otras dos escaleras están situadas en los laterales.

Zigurat de Ur
Aparte había otras dos plataformas coronadas por un templete, a él se accedía por unas escalinatas situadas a continuación de la escalera central.

Se piensa que entre las escaleras había construidas terrazas (llenas de vegetación).

Tras pasar por una especie de vestíbulo donde se unían las cuatro escalinatas, se accedía al santuario consagrado al dios sumerio Nanna o Nannar.

Tanto las escalinatas, como el vestíbulo al igual que el templete tenían arcos de medio punto y bóveda de cañón.

Reconstrucción del Zigurat de Ur
(basados en los estudios de Sir Leonard Woolley)
La funcionalidad de la obra es religiosa, puesto que es considerada como un recinto de carácter religioso, donde se efectuaban diversas ceremonias religiosas, tales como ofrendas a la divinidad.

También los zigurat funcionaban como centros económicos y administrativos de las ciudades-estado, controlaban las tierras de cultivo, las obras de la ingeniería, así como el trabajo de los campesinos.


Curiosidad


En el año 2.016 fue elegido por la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura) como Patrimonio de la Humanidad Mixto.

 Fue englobado dentro de la categoría "Refugio de la biodiversidad de los "ahwar" y paisaje arqueológico de las ciudades mesopotámicas del Iraq Meridional".

domingo, 21 de octubre de 2018

Kouros de Anavyssos

El Kouros de Anavyssos también conocido como el Kuros de kroisos es una escultura datada entre los años 540 a.C. y 515 a.C., perteneciente al arte griego, concretamente al período arcaico de Grecia.

Kouros de Anavyssos
Durante el período arcaico griego, el Kouros era el tipo de escultura masculina más importante. El Kourous de Anavyssos era la escultura funeraria del joven Kroisos.

Con este tipo de escultura la estatutaria griega comienza a diferenciarse de la egipcia e intenta dotar a las esculturas de unos modelos estéticos propios (naturalidad y realismo).

Fue hallado en el cementerio de Anavyssos, en Ática (región situada al sur de Grecia).

Su autor es desconocido, pero se cree que ha sido esculpida por algún artista de los talleres de Ática (Grecia).


Descripción


Tiene una altura de 1,95 m. Está fabricada en mármol.

Es una escultura exenta o de bulto redondo tallada en mármol, representa la figura de un hombre joven desnudo de pie, destaca la técnica escultórica con trabajo de puntero, cincel y trépano.

En la parte superior de la escultura destaca la cabeza erguida, los ojos almendrados, los pómulos salientes y los labios curvados levemente en una sonrisa, esto se conoce como "sonrisa arcaica".

Kouros de Anavyssos
El cabello largo se representa trenzado cayendo hacia detrás sobre la espalda (en forma geométrica), mientas que la frente se encuentra enmarcada por unos rizos en forma de bucles.

Los dos brazos se encuentran pegados al cuerpo con los puños cerrados.

Nos encontramos ante una escultura figurativa, la anatomía resulta esquemática, se puede apreciar como el cuerpo es atlético, se usan líneas curvas para marcar el pecho y el pliegue inguinal (pliegue que separa el abdomen del muslo).

Se observan un juego de simetrías: la forma en "W" de los pectorales esta equilibrada con la forma de una "W" invertida en la clavícula.

Mientras que las rodillas están representadas a base de triángulos invertidos.

La pierna izquierda se encuentra representada avanzada (como si caminase). Las plantas de los pies se encuentran pegadas al suelo.

Tanto las piernas como los brazos presenta forma cilíndrica.

Se cree que la escultura hubiera estado policromada, esto es debido a los restos que de pintura hallados en el cabello.
Kouros de Anavyssos


En la base de la estatua se puede encontrar una inscripción en griego antiguo.

ΣΤΕΘΙ ΚΑΙ ΟΙΚΤΙΡΟΝ ΚΡΟΙΣΟ
ΠΑΡΑ ΣΕΜΑ ΘΑΝΟΝΤΟΣ ΗΟΝ
ΠΟΤ' ΕΝΙ ΠΡΟΜΑΧΟΙΣ ΟΛΕΣΕ
ΘΟΡΟΣ ΑΡΕΣ "

La traducción es:

" Detente y llora frente a la tumba de Kroisos
que murió asesinado salvajemente por Ares
mientras luchaba en primera línea "



En toda la obra se observa la Ley de la Frontalidad y la Ley de la Simetría (se aprecia en la representación de la anatomía y en el cabello).

También se puede apreciar hieratismo (sobretodo, en los brazos pegados al cuerpo, los puños cerrados y la mirada al frente) y estatismo (puesto que solamente se aprecia la pierna izquierda un poco desplazada, pero no consigue la sensación de desplazamiento).

La funcionalidad de la estatua es funeraria, era una lápida para la tumba de un guerrero caído en combate, denominado Kroisos.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

sábado, 20 de octubre de 2018

Kore del Peplo

La Kore del Peplo es una escultura datada en el año 530 a.C., perteneciente al arte griego, en concreto al período arcaico de Grecia.
Kore del Peplo

Durante el período arcaico griego, la kore era el tipo de escultura femenina más importante.

Con este tipo de escultura la estatutaria griega comienza a diferenciarse de la egipcia e intenta dotar a las esculturas de unos modelos estéticos propios (vida, naturalidad y realismo).

Fue hallada entre los años 1.885 y 1.889, durante una serie de excavaciones realizadas entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas, en Grecia.

Su autor es desconocido, pero se cree que ha sido esculpida por algún artista de los talleres de Ática (región situada al sur de Grecia).


Descripción


Tiene una altura de 120 cm. Está realizada en mármol de Paros (procedente de la isla de Paros), con policromía.

Es una escultura exenta o de bulto redondo, representa la figura de una mujer joven (una sacerdotisa) de pie y erguida, en actitud oferente con el brazo izquierdo adelantado.

La técnica utilizada de cincel, taladro y trépano es depurada así como los distintos tipos de lijas usadas para conseguir en la escultura una superficie pulida y lisa.

En la parte superior de la escultura destaca el cabello, este se encuentra muy elaborado, por largas trenzas que cuelgan por delante. Se aprecia la Ley de la Geometría en la talla del trenzado del cabello.

Kore del Peplo
La talla del cabello se sucede mediante una superposición de capas ondulantes y un delicado trenzado que cuelga sobre los hombros y la espalda.

Del rostro destacan los ojos almendrados, los pómulos salientes y la boca doblada hacia arriba en una pequeña sonrisa, conocida como "sonrisa arcaica".

El brazo izquierdo se encuentra adelantado, probablemente estaría sujetando un objeto votivo (ofrendas en honor a un dios, estas solían ser: frutos, animales o flores).

Mientras que el brazo derecho se encuentra recto y pegado al cuerpo, el puño de la mano derecha se encuentra representado cerrado.

Respecto a la vestimenta, la Kore del Peplo se encuentra vestida con una túnica simple, conocida como peplo dórico y con un himation cubriéndole los hombros.


El peplo dórico es una túnica femenina, consiste en una pieza rectangular con grandes pliegues doblada en dos partes para cubrir el cuerpo, después era cosida con la finalidad de formar una especie de tubo cilíndrico. Se ciñe a la cintura mediante un cinturón.

El himation es una manto amplio y envolvente que se llevaba sobre el cuerpo y se envolvía o enrollaba sobre los hombros.

La túnica se cree que era de lana, esto hacia que fuera simple y pesada, por lo que apenas se pueden percibir los detalles anatómicos del cuerpo femenino, sólo se insinuaban los pechos y únicamente se aprecia la cintura marcada por el cinturón).
Kore del Peplo

El grosor de la túnica se aprecia con la caída de los pliegues inferiores en vertical, así como en los detalles del escote y del talle, estos se encuentra muy trabajados.

Aunque la policromía se ha perdido y no ha llegado hasta la actualidad, aún se pueden encontrar restos de ella.

Se conservan restos de ella en los cabellos (pelirrojos), en los ojos, párpados, boca y en los bordados y pliegues de la túnica.

En la escultura destaca el carácter naturalista e idealizado. Destacan también diferentes texturas (la piel del rostro, el tejido de la túnica o las trenzas del pelo).

La funcionalidad de la escultura era religiosa, los investigadores creen que se trataba de un exvoto ofrecido como ofrenda a los dioses, aunque es posible que también fuera utilizado en monumentos funerarios, en todo caso, representa el ideal de belleza femenino durante el período griego arcaico.

Cabe destacar que durante el período griego arcaico las esculturas femeninas nunca eran esculpidas desnudas, ya que el desnudo femenino era un tabú para los primeros griegos.

Solían ser representadas vestidas con una túnica larga hasta los pies y ceñida en la cintura.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo de la Acrópolis de Atenas, Grecia.

Panel Rectangular Fenicio

El Panel Rectangular Fenicio es una panel datado aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 9...