Opus Interrasile

El opus interrasile es una técnica de trabajo del metal que consiste en crear un estilo de decoración calada perforando una lámina de metal con un cincel u otra herramienta afilada.

opus interrasile
(brazalete bizantino)

opus interrasile
(Pendiente de oro en forma de media luna con pavos reales, arte bizantino)

opus interrasile
(brazalete romano)

Cabe destacar que el nombre de la técnica opus interrasile proviene del idioma latín, puesto que: 

"opus" significa trabajo e "interrasile" significa abertura.

Tuvo su origen en el arte etrusco, aunque fue desarrollada en el arte romano, dónde los orfebres la utilizaban para hacer arabescos y otros diseños similares. 

Aparte continuó floreciendo dentro del arte bizantino, sobretodo dentro de la joyería, dónde destacaban los patrones de celosía y las joyas de oro caladas.

Además resaltar que el opus interrasile se suele aplicar como fondo de una pieza y puede perforarse tan finamente que el metal restante parece una red de hilos ultrafinos.

Para finalizar subrayar que en Japón la técnica equivalente al opus interrasile es la técnica de sukashibori (透彫), y el uso de ésta técnica se puede apreciar en el arte budista.

Botella con Escena de Sacrificio en la Montaña

La Botella con Escena de Sacrificio en la Montaña es una botella datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Botella con Escena de Sacrificio en la Montaña

Botella con Escena de Sacrificio en la Montaña

Lo primero que se conoce es que perteneció al comerciante judío-alemán John Bruno Wassermann, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Buenos Aires, en Argentina.

En el año 1.954 d.C. la botella fue comprada por el empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella con Escena de Sacrificio en la Montaña fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Escena de Sacrificio en la Montaña

Descripción

Tiene una altura de 21 cm, una anchura de 12,7 cm y un diámetro de 19,1 cm.

Se trata de una botella de cerámica con pico de estribo, es decir, con un pico bifurcado, que presenta la forma de una montaña de cinco picos en la que los humanos y los animales interactúan en un ritual de sacrificio.

La figura más grande, ubicada en el segundo pico más alto, tiene un cuerpo humano y usa un tocado de felino, aretes de serpiente y un cinturón con cabeza de serpiente.

Además destacar que a menudo ésta figura se ha identificado como un personaje conocido como "cara arrugada", un personaje recurrente en las narrativas visuales moche.

Está representado con un rostro envejecido, con colmillos y tocando una trompeta hecha de una concha de strombus.

También se aprecia como junto a él, en el pico más alto, hay representado un cuerpo humano aparentemente sin vida, que yace boca abajo con el pelo largo extendiéndose a lo largo de la pendiente.

No se observan símbolos de rango en el cuerpo, lo que tal vez sea un indicador de que la figura fue capturado en combate, puesto que los tocados y otros elementos eran tradicionalmente quitados cuando un prisionero de guerra era capturado en batalla.

Es más se conoce que los guerreros moche envolvían cuidadosamente la cabeza de los guerreros enemigos caídos con tela y solo mostraban su cabello al público cuando eran desnudados en su camino al sacrificio.

Aparte resalta como en la mitad inferior de la botella se encuentran representados un felino y una iguana que esperan expectantes.

Con respecto a la composición destacar que se desconoce qué eventos pudieron suceder después, ya que las historias detrás de éstas composiciones se han perdido y no han llegado hasta la actualidad.

Sin embargo algunos investigadores piensan que ésta elaborada composición puede haber sido una parte de una compleja saga de héroes culturales moches.

Para finalizar subrayar que los arqueólogos han enfatizados la relación entre montañas, templos y sacrificios en las comunidades moche.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Colgante Escita

El Colgante Escita es un colgante datado aproximadamente entre los siglos VII a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte escita. 

Colgante Escita

Colgante Escita

Lo primero que se conoce es que el colgante fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Pontic Olbia (también conocido como Olbia), ubicado en la orilla meridional del río Bug, en Ucrania.

Lo siguiente que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la coleccionista de arte, artista y fabricante de títeres griego-rusa Erato Mavrogordato.

Hasta que en el año 1.907 d.C. el Colgante Escita fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Colgante Escita

Colgante Escita

Descripción

Tiene una longitud de 3,55 cm.

Se trata de un pequeño colgante de azabache tallado en forma de león agarrando a un elefante, de un tamaño más pequeño, que yace boca arriba y debajo del león.

También se puede apreciar como entre los dos animales, en la parte posterior hay un pequeño agujero con forma circular que originalmente habría sido utilizado para pasar un cordel o cuerda y colgar el colgante al cuello.

Con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en muy mal estado, puesto que parte de la superficie se ha agrietado, partes se han perdido y numerosos detalles de la anatomía de los animales se han deteriorado.

Para finalizar subrayar que según una nota en el registro MLA el Colgante Escita estaba asociado al estudioso de la pintura de vasijas griegas y del arte celta y escritor alemán Paul Jacobsthal.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Túnica Bizantina

La Túnica Bizantina es una túnica datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Túnica Bizantina

Túnica Bizantina
(detalle)

Lo primero que se conoce es que la túnica fue adquirida en Egipto por el oficial del ejército y coleccionista de arte británico Maj William Joseph Myers.

Estando en su posesión hasta que en el año 1.901 d.C. la Túnica Bizantina fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una longitud de 132,08 cm.

Se trata de una túnica de lino cosida con un adorno de tapiz, con la parte delantera y trasera con dos franjas verticales, conocidas como clavi, que terminan en medallones y se conectan en el cuello por bandas transversales más anchas.

Además se aprecia como debajo de cada una de las franjas hay un medallón más grande (orbiculus o segmentum), mientras que un medallón similar está tejido en cada hombro.

Aparte en las bandas horizontales tiene cosidos animales en diferentes disposiciones, aunque tan sólo han sido utilizados dos diseños, uno para las franjas y el otro para los medallones.

También se puede observar como las franjas tienen una serie de paneles superpuestos dentro de los bordes convencionales que contienen figuras, el panel central representa a la Virgen María y el Niño Jesús y en el medallón más grande aparece representado la Adoración de los Magos.

Para finalizar con respecto al estado de conservación resaltar que la Túnica Bizantina se encuentra muy deshilachada en algunas partes, sobretodo en el tapiz de uno de los laterales y los tapices de los hombros están muy deshilachados y descoloridos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Pesos de los Leones Asirios

Los Pesos de los Leones Asirios son un grupo de pesos datados aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Pesos de los Leones Asirios

Pesos de los Leones Asirios

Pesos de los Leones Asirios

Fueron hallados durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.845 d.C. y 1.851 d.C. por el arqueólogo, viajero, dibujante, coleccionista, escritor, político y diplomático inglés Austen Henry Layard.

En el noroeste del palacio de la antigua ciudad de Nimrud (también conocida como Kalkhu), localizada junto al río Tigris a 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul (Irak).

En el año 1.848 d.C. los Pesos de los Leones Asirios fueron adquiridos por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), pasando a formar parte de su colección de arte.

Pesos de los Leones Asirios

Descripción

Se trata de un grupo formado por un total de dieciséis pesos con forma de león en posición sedente con las patas delanteras estiradas hacia delante.

Los pesos se encuentran fabricados en aleación de cobre, mediante las técnicas de fundición, grabado e incisión.

Todos los leones aparecen representados con las fauces abiertas y la cola enrollada en el lomo. También cabe resaltar que los pesos más grandes tienen manijas colocadas en los cuerpos, mientras que los pesos más pequeños tienen anillos unidos a ellos.

Pesos de los Leones Asirios

Además se puede apreciar como todo el conjunto de pesos esta formado por una serie regular que disminuye de 30 cm a 2 cm de longitud.

Cada peso tiene dos inscripciones incisas: una en arameo y la otra en escritura cuneiforme.

Pero en ambas se puede leer "Palacio de Salmanasar III, rey de Asiria, "(número que varía en cada peso del 1 al 16)" minas reales".

Por lo que se puede afirmar que la inscripción bilingüe da los detalles del peso y del rey para el que fue fabricado.

Con respecto a la composición destacar que cuando los pesos fueron fundidos eran demasiados ligeros y el anillo que rodeaba el cuello del león tenía la función de aumentar el peso hasta la cantidad deseada.

Para finalizar subrayar que los Pesos de los Leones Asirios están considerados el primer ejemplo conocido del sistema de numeración arameo.

Cabe destacar que el alafabeto arameo es la evolución del alfabeto fenicio para escribir el idioma arameo y el sistema de numeración arameo es un sistema alfabético casi decimal en el que se utilizan las letras del alfabeto arameo, dónde no exisite una notación para el 0 y los valores numéricos de cada letra individual se suman conjuntamente.

Actualmente se encuentran en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Fragmento Textil Nazarí con Músicas

El Fragmento Textil Nazarí con Músicas es un textil datado aproximadamente en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Fragmento Textil Nazarí con Músicas

En concreto se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Fragmento Textil Nazarí con Músicas

Lo primero que se conoce es que el Fragmento Textil Nazarí con Músicas, junto con otros 14 fragmentos textiles, fue encontrado entre las páginas de un manuscrito en la Catedral de San Pedro de Vic (también conocida como Catedral de San Pedro Apóstol), localizada en la provincia de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

También es sabido que perteneció a la colección de arte de la comerciante de sedas y telas antiguas estadounidense Herman A. Elsberg.

Hasta que en el año 1.928 d.C. el textil fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10,3 cm y una anchura de 10,8 cm.

Se trata de un fragmento de tejido de seda adornado con brocado dorado, que originalmente formaba parte de un tejido más grande que presentaba un diseño repetido de medallones.

La ornamentación está compuesta por una hilera grande de medallones que encierran a dos músicas en posesión sedente, ataviadas con túnicas decoradas con un diseño estampado.

Además se observa cómo están representadas tocando panderetas y la lámpara que cuelga entre las figuras sugieren que se encuentran en un lujoso ambiente interior.

También se aprecia cómo los medallones están entrelazados con una hilera de otros más pequeños que contienen estrellas.

Con respecto a la composición resaltar que la yuxtaposición de los rojos vivos y el lujoso brocado dorado produce un efecto rico y brillante, por lo que las sedas y los tejidos con hilos dorados eran especialmente apreciados, gracias a la enorme inversión económica que suponían.

Las formas circulares de los redondeles y el brocado dorado utilizado para el entrelazado y las estrellas son características de las sedas de lujo del siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.).

Para finalizar subrayar que los tejidos de lujo fabricados en el Al-Ándalus eran apreciados por sus materiales caros, su diseño refinado y su artesanía, siendo admirados y codiciados por gobernantes, nobles y eclesiásticos por igual.

Es más se consideraban entre los productos más valiosos dentro de la economía medieval, se acumulaban en los tesoros reales y a menudo servían como obsequios a los embajadores.

Además, las tejidos más elaborados, aunque algo menos opulentos, aparecían en entornos más modestos, por ejemplo, como parte de un ajuar nupcial o como objetos valiosos en una herencia familiar.

Los tejidos de seda producidos en los talleres reales musulmanes que se encontraron en tierras cristianas en la Iberia medieval, ya fuera creados para mecenas cristianos o cortados y reutilizados para usos completamente nuevos.

De una forma u otra éstos tejidos se empleaban a menudo en vestimentas eclesiásticas o mobiliario de iglesia, como manteles de altar y forros de relicarios. Lo que dio como resultado que se hayan conservado numerosos textiles en los tesoros de las iglesias.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco Ovalado Abasí

El Cuenco Ovalado Abasí es un cuenco datado aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte abásida o arte abasí. 

Cuenco Ovalado Abasí

Cuenco Ovalado Abasí

Lo primero que se conoce es que en la década de 1.880 d.C. el cuenco fue adquirido en la ciudad de El Cairo (Egipto) por el oficial y coleccionista de arte británico Mayor William Joseph Meyrs.

Formando parte de la colección de antiguedades egipcias del Museo Myers en Eton College, ubicado en la ciudad de Eton, localizada en el condado de Berkshire (Gran Bretaña).

En el año 1.994 d.C. el Cuenco Ovalado Abasí fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Breaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 3,50 cm y una longitud de 11 cm. 

Se trata de un pequeño cuenco ovalado con lóbulos, el cuerpo ha sido fabricado en loza rojiza y esmaltes de: plomo, ocre, rojo y amarillo.

Además destaca la decoración moldeada consistente en crestas en espiga elevadas entre cada lóbulo y dos ramas de piñas con patrón en espiga que encierran una roseta central dentro de los lóbulos.

Aparte se puede apreciar como la base se encuentra ornamentada con tramas cruzadas que contienen una cuenta dentro de cada cuadrado.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que la forma del cuenco deriva de los prototipos de plata chinos fabricados durante la dinastía Tang (唐朝).

Es más se conoce que dos piezas de loza similares fueron halladas durante unas excavaciones arqueológicas realizas en la antigua ciudad de Fusta (también conocida como Fostat, Al Fustat, Misr Al-Fustat y Fustat-Misr, que en la actualidad forma parte de la zona antigua de la ciudad de El Cairo, en Egipto) y la ciudad de Nishapur, localizada en la provincia de Jorasán Razaví, al noroeste de Irán.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cruz de Wilton

El Cruz de Wilton es una cruz datada aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Cruz de Wilton

Cruz de Wilton

Debido a las características de la cruz los investigadores piensan que pudo haber sido fabricada en un taller ubicado en la Anglia Oriental, una región del este de Gran Bretaña.

Se conoce que la cruz fue encontrada en la localidad de Wilton, localizada en el condado de Herefordshire, en Gran Bretaña.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del marchante de arte, académico y coleccionista británico William Chaffers.

Hasta que en el año 1.859 d.C. la Cruz de Wilton fue comprada a través de la casa de subastas Sotheby's de Londres por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Cruz de Wilton

Descripción

Tiene una altura de 4,70 cm y una anchura de 4,50 cm.

Se trata de una cruz colgante de oro con incrustaciones de granate y brazos de igual tamaño suspendidos de un redondel central engastado con un solidus de Heraclius (moneda mandada acuñar por el emperador bizantino Heraclio).

La moneda se encuentra engastada en un collar de filigrana, en el anverso aparecen representados el emperador bizantino Heraclio y su hijo Heraclio Constantino, mientras que en el reverso hay representada una cruz griega sobre escalones. 

Llama la atención como cada uno de los tres brazos ensanchados de la cruz están llenos de un diseño cloisonné finamente ejecutado basado en una sola celda de varios escalones que contienen un par de celdas en forma de hongo que se encuentran una frente a otra, separadas por un par de celdas escalonadas con lados cóncavos.

Aparte se observa como el cuarto brazo es de lados rectos y está lleno de un motivo de doble espiga ejecutado en pequeños granates.

El borde superior está diseñado para acomodar un pesado lazo bicónico ornamentado con paneles de alambre de oro trenzado y filigrana de cuentas desgastadas.

Además la base de cada brazo descansa sobre la pared exterior de un redondel cloisonné que encierra el solidus y está lleno de pequeños granates cuadrados y rectangulares colocados de forma alternada.

Cabe destacar que todos los granates se encuentran reforzados por una lámina de oro impresa con un delicado patrón de gofrado. 

La placa posterior, elaborada mediante una fina lámina de oro, no tiene ningún rasgo distintivo y está confinada al marco cloisonné para que se pueda ver la cara del solidus.

Para finalizar subrayar que el solidus puede fecharse entre los años 613 d.C. y 630 d.C. y se acuñó con el troquel invertido al revés en relación con el anverso.

Es más la cruz en el solidus fue evidentemente un elemento crítico en el diseño general del colgante, sin embargo aparece al revés.

Ésto puede deberse a que el joyero respetó la orientación del anverso, aunque no sea visible cuando se utiliza la cruz, o porque la cruz estaba orientada para permanecer en posición vertical a la vista del porteador hacia abajo.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cuchara de Efigie Bimetálica

La Cuchara de Efigie Bimetálica es una cuchara datada aproximadamente entre los años 400 a.C. y 200 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chavín.

Cuchara de Efigie Bimetálica

Cuchara de Efigie Bimetálica

Fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el sitio arqueológico de Chavín de Huántar, localizado en el distrito de Chavín de Huántar, situado en la provincia de Huari, en el departamento de Áncash (Perú).

Perteneció a la colección de arte de Juan Dalmau, ubicada en la ciudad de Trujillo, en el noroeste de Perú.

En 25 de abril del año 1.935 d.C. la cuchara fue comprada por el marchante de arte y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

Después pasó a ser propiedad de su hermano el marchante de arte y coleccionista de arte húngaro Ernest Brummer, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 17 de junio del año 1.947 d.C. la Cuchara de Efigie Bimetálica fue comprada por el diplomático, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Robert Woods Bliss.

Hasta que en el año 1.962 d.C. pasó a formar parte de la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks, ubicada en la ciudad de Washington, D.C. (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene altura de 11,1 cm, una anchura de 2,6 cm y una profundidad de 3,6 cm. Está fabricada en oro y plata.

Se trata de una pequeña cuchara fabricada con veintidós piezas de oro y plata moldeadas individualmente, que probablemente se utilizaba para la inhalación de rapés alucinógenos. 

También hay dos agujeros situados en la parte posterior para que pudiera colgarse de un cordón y usarse como colgante.

Aparte fueron colocadas intencionadamente pequeñas bolitas en el interior de la escultura tridimensional que decora el extremo de la cuchara para que también pudiera funcionar como sonajero, un importante instrumento utilizado en las ceremonias chamánicas.

La decoración de la cuchara está compuesta por una figura masculina adulta agachada con las rodillas flexionadas sobre un pequeño taburete o asiento cilíndrico.

Se observa como con ambas manos sostiene una trompeta ceremonial de caracola en la boca y aparente está representada en el acto de soplarla.

La figura puede identificarse como un sacerdote o una figura mítica por el peinado distintivo en el que el cabello se junta para formar un moño sobre la frente.

Se aprecia como la figura está sobre un taburete que está ornamentado con un delicado diseño guilloché calado, lo que sugiere que podría representar un taburete hecho de cestería.

En la parte inferior del taburete hay representado un rostro antropomorfo finamente trazado con ojos saltones, nariz ancha y boca ovoide. Destacando como el rostro habría mirado directamente al individuo que inhalaba el rápe de la cuchara, mientras que las bolitas tintineaban dentro de la figura hueca.

Con respecto a la composición resalta como la figura del objeto es una representación humana naturalista, hasta el extremo de trazar cuidadosamente el delicado contorno de las uñas de las manos y los pies sobre la efigie tridimensional de chapa de oro.

Además destacar que la participación de ésta figura en las tradiciones chamánicas se alude a un símbolo emblemático de un águila harpía que aparece grabada en la parte posterior de la figura.

Para finalizar subrayar que la Cuchara de Efigie Bimetálica es uno de los ejemplos más notables de la metalurgia temprana de los Andes.

Actualmente se encuentra en la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks, Estados Unidos de América.

Daga con Empuñadura de Jade en forma de Nilgai

La Daga con Empuñadura de Jade en forma de Nilgai, también conocida como Daga con Empuñadura en forma de Toro Azul, es una daga datada aproximadamente en el año 1.640 d.C., perteneciente al arte indio.

Daga con Empuñadura de Jade en forma de Nilgai

Daga con Empuñadura de Jade
en forma de Nilgai

Lo primero que se conoce es que la daga fue fabricada en los talleres imperiales durante el reinado del emperador mogol de la India Sha Jahan I.

También es conocido que perteneció a la colección de arte de la comerciante y coleccionista de arte Alice N. Heeramaneck, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.985 d.C. la daga fue donada, en memoria del comerciante de arte parsi-estadounidense Nasli Heeramaneck, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Daga con Empuñadura de Jade
en forma de Nilgai

Daga con Empuñadura de Jade
en forma de Nilgai

Daga con Empuñadura de Jade
en forma de Nilgai

Daga con Empuñadura de Jade
en forma de Nilgai

Descripción

Tiene una altura de 38,1 cm. La empuñadura está fabricada en nefrita, mientras que la hoja está elaborada en acero de Damasco.

Se trata de una daga compuesta por una empuñadura figurativa y una hoja de doble filo con forma curvada.

Sobretodo destaca como la empuñadura presenta la forma de un nilgai o toro azul, considerado uno de los animales más hermosos que se encuentran en la India, y termina en la base con una voluta de hojas y una flor de loto.

Con respecto a la composición destacar que la empuñadura tallada en nefrita de color verde azulado, que se asemeja al color del animal, demuestra la maestría del artista en el tallado de piedras duras, aparte de un nivel de precisión y sensibilidad que sugiere una observación minuciosa de un modelo, tal vez uno de los animales cautivos que se mantenían en el zoológico imperial.

Para finalizar subrayar que las armas producidas en la corte mogol reflejan el mismo refinamiento que otras artes portátiles. 

Por lo que las dagas como la Daga con Empuñadura de Jade en forma de Nilgai a veces se otorgaban a oficiales que se habían distinguido en la victoria militar y se utilizaban en la corte como un accesorio que indicaba el favor real.

Es más destacar que dentro de la corte las dagas que estaban hechas para ser llevadas proporcionaban un placer particular, siendo accesibles a la vista y a la mano.

Además resaltar que al igual que las joyas las dagas indicaban la posición de un mogol en la corte, por lo que un cortesano conocía la posición de otro a simple vista.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Daphne

Daphne es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.853 d.C. y 1.854 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Daphne

Fue esculpida por la escultura estadounidense Harriet Goodhue Hosmer. 

Lo primero que se conoce es que en el año 1.971 d.C. la escultura estaba en posesión de Clifford O. Devine.

Formando parte de su colección ubicada en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.973 d.C. Daphne fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 69,9 cm, una anchura de 49,8 cm y una profundidad de 31,8 cm. 

Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de tallado, incisión y grabado.

Se trata de una escultura que representa el busto de Dafne, una ninfa de la mitología griega, que rehuía del matrimonio y prometía virginidad perpetua, sobre un pedestal o peana que funciona como soporte.

La ninfa aparece representada como una mujer joven desnuda, con una expresión calmada, con el rostro girado hacia el lado izquierdo y la mirada dirigida hacia abajo.

En el rostro destacan los ojos almendrados, finamente delineados, la nariz recta y los labios carnosos. Además el cabello largo y ondulado se encuentra peinado en un recogido con una cinta lisa que le despeja el rostro y le cubre la parte superior de las orejas.

Aparte en la parte inferior del busto se puede observar como está representada con ramas de laurel y en el reverso se puede leer la siguiente inscripción tallada:

"HARRIET HOSMER  / FELCIT ROMÆ"

También cabe resaltar dentro de la mitología griega el mito de de Apolo y Dafne se refiere a que la ninfa fue perseguida por el dios Apolo (dios de la naturaleza, la música, la poesía y las artes), a quién el dios Eros (dios del amor y de la fertilidad) había disparado una flecha dorada en su corazón para que se enamorara de la ninfa, mientras que a Dafne le había disparado a su vez una flecha de plomo que mataba el amor y provocaba indiferencia y desdén.

Cuando el dios estaba a punto de alcanzarla pidió ayuda a su padre que la transformó en laurel, siendo desde ese momento cuando el laurel se convirtió en un árbol consagrado al dios Apolo.

Para finalizar subrayar que en la escultura estadounidense Harriet Goodhue Hosmer en lugar de representar el dramático momento de la huida de la ninfa, modeló una imagen serena y simbolizó la metamorfosis de Dafne al terminar el busto con ramas de laurel. 

Es más resaltar que la inscripción del reverso hace referencia a que la obra es fiel a la formación neoclásica de Harriet Goodhue Hosmer en la ciudad de Roma (Italia), dónde la escultura fue esculpida.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Soporte de Pórfido para una Pila de Agua

El Soporte de Pórfido para una Pila de Agua es un soporte datado aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Soporte de Pórfido para una Pila de Agua

Soporte de Pórfido para una Pila de Agua

En el año 1.893 d.C. el soporte estaba en posesión del conocedor y comerciante de arte italiano Stefano Bardini.

En el año 1.905 d.C. fue adquirido en Italia por el político y coleccionista de arte estadounidense William Waldorf Astor (primer vizconde Astor).

En el año 1.983 d.C. fue comprado por el marchante de arte británico Robin Symes, después el Soporte de Pórfido para una Pila de Agua fue comprado por la filántropa y coleccionista de arte polaca Barbara Piasecka Johnson.

Hasta que en diciembre del año 1.992 d.C. el soporte fue vendido por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 76,2 cm, una anchura de 148 cm y un peso aproximado de 400 kg. Está fabricada en pórfido, mediante las técnicas de incisión, grabado, tallado y pulido.

Se trata de una enorme pieza de un par de soportes que originalmente sostenían una pila de agua oblonga y profunda, probablemente ubicada en un importante complejo de baños imperiales.

Destaca como toda la superficie se encuentra ornamentada con un patrón en bajorrelieve compuesto por motivos vegetales y arquitectónicos.

Aparte también se puede apreciar como en las esquinas hay esculpidos dos animales simétricos entre sí, aunque debido al mal estado de conservación no se puede determinar el animal representado.

Para finalizar subrayar que en la antigüedad, el pórfido era un material muy apreciado considerado un material real, porque su color en la época imperial romana el color púrpura simbolizaba el rango y la autoridad.

Aparte resaltar que el pórfido es una piedra muy dura que tan solo se encuentra en los desiertos orientales de Egipto, lo que hacía que su extracción y transporte fueron extremadamente difíciles y costosos, por lo que tanto, su uso en la escultura y la arquitectura romana fue limitado.

Además el Soporte de Pórfido para una Pila de Agua ejemplifica la opulencia de la escultura imperial romana en su apogeo y en la actualidad es la talla de pórfido antigua perteneciente al arte romano más suntuosa que forma parte de una colección de arte estadounidense.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Condesa de la Châtre

La Condesa de la Châtre es una pintura datada en el año 1.789 d.C., perteneciente al arte rococó.

Condesa de la Châtre

Condesa de la Châtre

Fue pintada por la pintora francesa Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun.

Lo primero que se conoce es que la pintura perteneció al general y político francés Arnail François de Jaucourt (también conocido como marques de Jaucourt).

En el año 1.852 d.C. estaba en posesión del político francés Charles Lévisse de Montigny de Jaucourt, por herencia en el año 1.877 d.C. la Condesa de la Châtre pasó a ser propiedad del político francés François Lévisse de Montigny de Jaucourt.

En el año 1.908 d.C. la pintura fue comprada por el empresario estadounidense y presidente de la junta directiva del National City Bank James Jewett Stillman.

En el año 1.918 d.C. fue adquirida por el marchante de arte británico Sir Joseph Duveen (primer Barón de Duveen).

En el año 1.934 d.C. la Condesa de la Châtre fue vendida a la coleccionista de arte estadounidense Helena Maud Woolworth MacCann.

En el año 1.938 d.C. la pintura fue legada a su hermana, la coleccionista de arte estadounidense Jessie Woolworth Donahue.

Hasta que en el año 1.954 d.C. la Condesa de la Châtre fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nuevo York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 114,3 cm y una anchura de 87,6 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el retrato de la condesa de la Châtre, Marie Charlotte Louse Perrette Aglaé Bontemps, hija del primer ayudante de cámara del rey y gobernante del Palacio de Tuileries, Louis Dominique Bontemps, esposa del conde Claude-Louis de la Châtre y futura esposa del marqués Arnail François de Jaucourt.

Está representada en una habitación con las paredes oscuras, sentada en un sofá de terciopelo verde, con las manos apoyadas en un cojín también de terciopelo verde.

Se puede apreciar como con la mano derecha sostiene un libro con la portada roja entreabierto, mientras que la mano izquierda reposa suavemente en la mano derecha.

En el rostro destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta y los labios finos. Además el cabello está peinado en un semirecogido con volumen despejandole el rostro.

Está ataviada con un vestido de manga largas de muselina blanca, con un lazo de color azul oscuro alrededor de la cintura y anudado en la parte posterior del cuerpo con enormes lazos, además lleva un fichú, es decir, una especie de pañoleta de gasa con volados que cubre el cuello, la garganta y los hombros.

También se puede apreciar como en la cabeza lleva un sombrero de gran tamaño con ala ancha y ornamentado en la parte superior con lazos de color azul oscuro.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que es a la vez elegante y naturalista, mientras que la expresión de la mujer retratada es melancólica.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Negación de San Pedro

La Negación de San Pedro es una pintura datada en el año 1.610 d.C., perteneciente al arte barroco.

La Negación de San Pedro

La Negación de San Pedro

Fue pintada por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

Se conoce que en el año 1.612 d.C. la pintura se encontraba en posesión del pintor y grabador italiano Luca Ciamberlano.

Para saldar parte de una deuda el cuadro fue aceptado como pago, con una valoración de 240 escudos, por el pintor italiano Guido Reni, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Roma (Italia).

Entre el año 1.624 d.C. y 1.632 d.C. se encontraba en el Palazzo Savelli, situado en la ciudad de Roma (Italia), propiedad del cardenal Paolo Savelli.

En el año 1.632 d.C. pasó por herencia a ser propiedad de su hermano Federico Savelli, quién a su vez se la dejó a su sobrino el líder militar italiano, comandante de las tropas papales y cardenal católico Fabrizio Savelli, quién lo trasladó al Palazzo di Montesavello, edificado en la ciudad de Roma (Italia).

Formó parte de la colección Savelli, hasta que en el año 1.650 d.C. la colección fue puesta a la venta al duque de Módena y el cuadro debió ser vendido poco después.

Un documento afirma que el 28 de septiembre del año 1.655 d.C. La Negación de San Pedro fue vendida por el arquitecto y escultor italiano Cosimo Fanzago.

Poco después de la Segunda Guerra Mundial (conflicto militar global comprendido entre el 1 de septiembre del año 1.939 d.C. y el 2 de septiembre del año 1.945 d.C.), en el año 1.952 d.C., la pintura fue comprada por el coleccionista y aristócrata italiano Vicenzo Imparato Caracciolo de Nápoles, en el mercado de arte napolitano como una obra anónima de un anticuario.

En el año 1.964 d.C. la pintura formaba parte de la colección de la coleccionista de arte y aristócrata italiana Elena Imparato Caracciolo, pasando a parte de su colección de arte ubicada primero en la ciudad de Nápoles (Italia) y después en las ciudades de Milán (Italia) y Lausana (Suiza).

En el año 1.970 d.C. La Negación de San Pedro fue comprado el marchante y coleccionista de arte Ian Dik, formado parte de su colección localizada en la ciudad de Lausana (Suiza).

En el año 1.976 d.C. la pintura fue vendida al coleccionista de arte y marchante alemán Herman Shickman, pasando a formar parte de la colección de arte de Lila & Herman Shickman.

Hasta que en el año 1.997 d.C. la pintura fue donada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 94 cm y una anchura de 125,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer, situada en el medio, que acusa al apóstol San Pedro de ser seguidor de Cristo en presencia de un soldado ataviado con coraza y casco.

Cabe destacar que la escena representada está narrada en los Evangelios y se refiere a la negación de la acusación por parte de San Pedro.

Es decir, hace referencia al episodio de que cuando Cristo fue arrestado, Pedro lo siguió hasta el patio "dónde estaba Ana". Allí fue acusado en tres enfrentamientos separados de ser un discípulo de Jesús. Dónde Pedro negó cada uno de ellos y así cumplió la profecía de Cristo de que antes de que el gallo cantara lo negaría tres veces.

Con respecto a la composición destacar que la mujer está pintada mitad en la luz y mitad en la sombra, colocando la luz como protagonista importante del cuadro.

Además al fondo se ve una chimenea toscamente pintada de dónde salen algunas chispas de fuego que brillan detrás de los personajes, en particular detrás del apóstol Pedro, que con ambas manos sobre el pecho jura que no es seguidor de Cristo.

También resaltar el uso de la técnica del clarooscuro, con el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes (unos iluminados y otros ensombrecidos), creando efectos de relieve y modelado de las formas a través de la graduación de tonos lumínicos.

Para finalizar subrayar que antes del año 1.958 d.C. la pintura estaba catalogada como una obra de arte anónima, pero después de una restauración ocurrida entre los años 1.959 d.C. y 1.964 d.C., la pintura fue atribuida al pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio) por el historiador de arte italiano Roberto Longhi.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bailarina Celestial

La Bailarina Celestial es una escultura datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte indio.

Bailarina Celestial

Se conoce que la escultura procede del estado de Madhya Pradesh, en la India Central.

La obra fue adquirida en dos partes por el empresario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Herbert Irving y su esposa la filántropa y coleccionista de arte Florence Irving (nombre de soltera Florence Rapoport).

El busto estaba en posesión de la coleccionista de arte Yvonne Moreau-Gobard, formando parte de su colección de arte ubicada en las ciudades de La Haya (Holanda) y París (Francia), hasta que fue comprado en el año 1.986 d.C. por Herbert y Florence Irving.

Mientras que el torso inferior fue vendido en el año 1.992 d.C. por la tienda de antigüedades "Art of the Past, Inc.", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), a Herbert y Florence Irving.

Desde el año 1.992 d.C. hasta el año 2.015 d.C. la escultura fue cedida, para su exposición, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

También cabe destacar que en el año 1.992 d.C. la Bailarina Celestial fue sometida a una restauración y se volvieron a unir las dos partes separadas de la escultura.

Descripción

Tiene una altura de 88,3 cm, una anchura de 50,8 cm, una profundidad de 31,8 cm y un peso de 77,1 kg.

Se trata de una escultura de piedra arenisca de tamaño natural que es una representación extraordinaria de un bailarina celestial que actúa en honor de los dioses.

En el rostro destacan las cejas finamente delineadas, los ojos rasgados con las pupilas marcadas, la nariz recta, los labios carnosos curvados en una sonrisa y el mentón redondeado.

Llama la atención como la bailarina está representada con el cuerpo contorsionado en una pose improbable, sus piernas están proyectadas hacia la derecha, mientras que la parte superior del torso y la cabeza giran bruscamente hacia izquierda.

Además la flexión extrema refleja las posiciones de danza (karunas y sthanas) descritas en el Natyasastra (un antiguo tratado de artes dramáticas).

Aparte enfatizar que en la estética india se entiende que tales posiciones del cuerpo mejoran la apreciación de la belleza.

En la cabeza lleva un tocado muy elaborado ornamentado con numerosas cuentas, también lleva en las orejas grandes aretes con forma circular, alrededor de cuello lleva collares con cuentas y joyas ornamentadas con patrones geométricos y adornos colgantes que adornan su cuerpo.

Con respecto a la composición destacar que el rostro y el cuerpo de la bailarina están tratados de acuerdo con los cánones de belleza prescritos dentro del arte indio.

Para finalizar subrayar que el templo hindú está concebido como una morada celestial para la deidad que preside. El exterior escalonado, hundido e imponente del edifico evoca las montañas de los cielos de Indra, hogar de la asamblea de dioses, así como de bellezas celestiales, bailarines y músicos.

Actualmente se encuentra en la India, puesto que en marzo del año 2.023 d.C. la escultura fue restituida al estado de Madhya Pradesh (India). 

Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu

La Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu, también conocida como 伝紫式部料古硯, es una piedra de tintero datada aproximadamente entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C., perteneciente al arte japonés.

Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu

Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu

En concreto se conoce que fue fabricada durante el período Heian (平安時代) (el último período de la época clásica de la historia japonesa).

También es sabido que la Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu se encuentra en el Templo Isayamada-dera (石山寺), edificado en la ciudad de Ōtsu (大津市), localizado en la prefectura de Shiga (滋賀県), en Japón (日本).

Descripción

La piedra de tintero tiene una altura de 4,5 cm, una anchura de 25,4 cm y un grosor de 19 cm. Mientras que el soporte presenta una altura de 3,4 cm, una anchura de 29,5 cm y un grosor de 22,5 cm.

Se trata de una piedra de tintero con forma rectangular fabricada de ágata púrpura china y ornamentada con dos círculos incisos que representan el sol y la luna.

Destaca como sobre éstos círculos hay dos pozos de cuatro lóbulos para la tinta, con un toro tallado a la derecha y una carpa a la izquierda. Además los borde y los laterales de la piedra de tintero están decorados con un diseño de follaje grabado.

Aparte según la leyenda, la escritora, poeta y cortesana japonesa Murasaki Shikibu (紫 式部) utilizó ésta misma piedra de tintero para crear la tinta con la que pintó Genji Monogatari (源氏物語) (traducida como Romance de Genji, Historia de Genji o Novela de Genji), una novela clásica de la literatura japonesa.

También cabe resaltar que se conoce que desde finales del período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre el 24 de marzo del año 1.603 d.C. y el 3 de mayo del año 1.868 d.C.), las piedras de tintero habían adquirido un estatus icónico.

Para finalizar subrayar que la Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu fue prestada desde el 5 de marzo al 16 de junio del año 2.019 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), para ser expuesta en la exposición "The Tale of Genji: A Japanese Classic Illuminated".

Actualmente se encuentra en el Templo Ishayamadera (石山寺), Japón.

Pectoral con Cara de Felino Agnathic

El Pectoral con Cara de Felino Agnathic es un pectoral datado aproximadamente entre los años 400 a.C. y 200 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chavín.

Pectoral con Cara de Felino Agnathic

Pectoral con Cara de Felino Agnathic

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Juan Dalmau, ubicada en la ciudad de Trujillo, en el departamento de La Libertad (Perú).

En el año 1.941 d.C. el pectoral fue comprado por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer, pasando a formar parte de la colección de la galería de arte "Joseph Brummer Gallery", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 17 de junio del año 1.947 d.C. el Pectoral con Cara de Felino Agnathic fue comprado por el diplomático, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Robert Woods Bliss.

Hasta que en el año 1.962 d.C. el pectoral pasó a formar parte de la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks, localizada en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene un diámetro exterior es de 12,3 cm y el diámetro interior de 2,5 cm.

Se trata de un pequeño pectoral con forma circular elaborado en una aleación de plata y oro y ornamentado con un diseño cuidadosamente estructurado y cargado de simbolismo.

El pectoral está decorado con un cartucho circular que encierra un rostro de felino frontal con la boca hacia arriba y los colmillos curvados hacia los lados.

Además se observa como hay representados un par de ojos que miran desde debajo de una frente fruncida y la mandíbula inferior sólo se sugiere por la forma de las serpientes que emergen debajo de la boca.

Cabe destacar que el rostro incorpóreo está enmarcado por una especie de tocado, representado por apéndices en forma de pétalos que rodean la composición.

Aparte resalta como el perímetro exterior del pectoral está adornado con un motivo de trenza angular. También se pueden apreciar como en la parte superior hay dos agujeros que permitían colgarlo, probablemente en el pecho de una persona importante.

Con respecto a la composición destacar que en general, el diseño sugiere que se origino en o cerca de Chavín de Huantar, un gran centro ceremonial ubicado en las tierras altas del norte de los Andes. Es más se conoce que los elementos del diseño están asociados con un importante estatus sagrado.

Para finalizar subrayar que dentro de la sociedad chavín solo los objetos de adorno personal o de importancia ceremonial se fabricaban de metal.

Por lo que se piensa que el Pectoral con Cara de Felino Agnathic estaba claramente destinado a impresionar.

Actualmente se encuentra en la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks de Washington D.C., Estados Unidos de América.

Vestale

La Vestale, también conocida como Vestalis o Erma di Vestale, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.818 d.C. y 1.819 d.C.., perteneciente al arte neoclásico.

Vestale

Vestale

Fue esculpida por el escultor y pintor italiano Antonio Canova.

También se conoce que la escultura fue encargada por el banquero italiano Luigi Uboldi.

A su muerte la escultura fue legada a la Academia de Brera, ubicada en el centro de la ciudad de Milán, localizada en la región de Lombardía, en el norte de Italia.

Hasta que en el año 1.902 d.C. Vestale fue adquirida por la Galería de Arte Moderno Milán, situada en la ciudad de Milán (Italia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vestale

Vestale

Vestale

Descripción

Tiene una altura de 53 cm, una anchura de 21 cm y una profundidad de 23 cm. 

Está esculpida en mármol de Carrara, mediante las técnicas de incisión, grabado, tallado y pulido.

Se trata de una escultura que representa el busto idealizado de una mujer joven, sobretodo llama la atención como está representada con un velo que le enmarca el rostro de tal manera que deja solo su rostro descubierto hasta la raíz del cabello.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados, con los párpados marcados, la narix recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Además se puede observar como en el borde inferior se encuentra grabado la inscripción:

"VESTALIS"

Con respecto a la composición resaltar que la cabeza idealizada es la representación de la belleza, es decir, busca el canon de belleza femenina inspirado en las antiguas obras del período clásico.

Para finalizar subrayar que el modelo en yeso de Vestale se encuentra en la Museo Gipsoteca Antonio Canova, ubicado en la localidad de Possagno, situada en la provincia de Treviso, en la región de Véneto (Italia).

Actualmente se encuentra en la Galería de Arte Moderno Milán, Italia.