sábado, 14 de septiembre de 2024

Bailarina Celestial

La Bailarina Celestial es una escultura datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte indio.

Bailarina Celestial

Se conoce que la escultura procede del estado de Madhya Pradesh, en la India Central.

La obra fue adquirida en dos partes por el empresario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Herbert Irving y su esposa la filántropa y coleccionista de arte Florence Irving (nombre de soltera Florence Rapoport).

El busto estaba en posesión de la coleccionista de arte Yvonne Moreau-Gobard, formando parte de su colección de arte ubicada en las ciudades de La Haya (Holanda) y París (Francia), hasta que fue comprado en el año 1.986 d.C. por Herbert y Florence Irving.

Mientras que el torso inferior fue vendido en el año 1.992 d.C. por la tienda de antigüedades "Art of the Past, Inc.", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), a Herbert Florence Irving.

Desde el año 1.992 d.C. hasta el año 2.015 d.C. la escultura fue cedida, para su exposición, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

También cabe destacar que en el año 1.992 d.C. la Bailarina Celestial fue sometida a una restauración y se volvieron a unir las dos partes separadas de la escultura.


Descripción

Tiene una altura de 88,3 cm, una anchura de 50,8 cm, una profundidad de 31,8 cm y un peso de 77,1 kg.

Se trata de una escultura de piedra arenisca de tamaño natural que es una representación extraordinaria de un bailarina celestial que actúa en honor de los dioses.

En el rostro destacan las cejas finamente delineadas, los ojos rasgados con las pupilas marcadas, la nariz recta, los labios carnosos curvados en una sonrisa y el mentón redondeado.

Llama la atención como la bailarina está representada con el cuerpo contorsionado en una pose improbable, sus piernas están proyectadas hacia la derecha, mientras que la parte superior del torso y la cabeza giran bruscamente hacia izquierda.

Además la flexión extrema refleja las posiciones de danza (karunas y sthanas) descritas en el Natyasastra (un antiguo tratado de artes dramáticas).

Aparte enfatizar que en la estética india se entiende que tales posiciones del cuerpo mejoran la apreciación de la belleza.

En la cabeza lleva un tocado muy elaborado ornamentado con numerosas cuentas, también lleva en las orejas grandes aretes con forma circular, alrededor de cuello lleva collares con cuentas y joyas ornamentadas con patrones geométricos y adornos colgantes que adornan su cuerpo.

Con respecto a la composición destacar que el rostro y el cuerpo de la bailarina están tratados de acuerdo con los cánones de belleza prescritos dentro del arte indio.

Para finalizar subrayar que el templo hindú está concebido como una morada celestial para la deidad que preside. El exterior escalonado, hundido e imponente del edifico evoca las montañas de los cielos de Indra, hogar de la asamblea de dioses, así como de bellezas celestiales, bailarines y músicos.

Actualmente se encuentra en la India, puesto que en marzo del año 2.023 d.C. la escultura fue restituida al estado de Madhya Pradesh (India). 

viernes, 13 de septiembre de 2024

Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu

La Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu, también conocida como 伝紫式部料古硯, es una piedra de tintero datada aproximadamente entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C., perteneciente al arte japonés.

Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu

Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu

En concreto se conoce que fue fabricada durante el período Heian (平安時代) (el último período de la época clásica de la historia japonesa).

También es sabido que la Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu se encuentra en el Templo Isayamada-dera (石山寺), edificado en la ciudad de Ōtsu (大津市), localizado en la prefectura de Shiga (滋賀県), en Japón (日本).


Descripción

La piedra de tintero tiene una altura de 4,5 cm, una anchura de 25,4 cm y un grosor de 19 cm. Mientras que el soporte presenta una altura de 3,4 cm, una anchura de 29,5 cm y un grosor de 22,5 cm.

Se trata de una piedra de tintero con forma rectangular fabricada de ágata púrpura china y ornamentada con dos círculos incisos que representan el sol y la luna.

Destaca como sobre éstos círculos hay dos pozos de cuatro lóbulos para la tinta, con un toro tallado a la derecha y una carpa a la izquierda. Además los borde y los laterales de la piedra de tintero están decorados con un diseño de follaje grabado.

Aparte según la leyenda, la escritora, poeta y cortesana japonesa Murasaki Shikibu (紫 式部) utilizó ésta misma piedra de tintero para crear la tinta con la que pintó Genji Monogatari (源氏物語) (traducida como Romance de Genji, Historia de Genji o Novela de Genji), una novela clásica de la literatura japonesa.

También cabe resaltar que se conoce que desde finales del período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre el 24 de marzo del año 1.603 d.C. y el 3 de mayo del año 1.868 d.C.), las piedras de tintero habían adquirido un estatus icónico.

Para finalizar subrayar que la Piedra de Tintero de Murasaki Shikibu fue prestada desde el 5 de marzo al 16 de junio del año 2.019 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), para ser expuesta en la exposición "The Tale of Genji: A Japanese Classic Illuminated".

Actualmente se encuentra en el Templo Ishayamadera (石山寺), Japón.

jueves, 12 de septiembre de 2024

Pectoral con Cara de Felino Agnathic

El Pectoral con Cara de Felino Agnathic es un pectoral datado aproximadamente entre los años 400 a.C. y 200 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chavín.

Pectoral con Cara de Felino Agnathic

Pectoral con Cara de Felino Agnathic

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Juan Dalmau, ubicada en la ciudad de Trujillo, en el departamento de La Libertad (Perú).

En el año 1.941 d.C. el pectoral fue comprado por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer, pasando a formar parte de la colección de la galería de arte "Joseph Brummer Gallery", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 17 de junio del año 1.947 d.C. el Pectoral con Cara de Felino Agnathic fue comprado por el diplomático, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Robert Woods Bliss.

Hasta que en el año 1.962 d.C. el pectoral pasó a formar parte de la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks, localizada en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene un diámetro exterior es de 12,3 cm y el diámetro interior de 2,5 cm.

Se trata de un pequeño pectoral con forma circular elaborado en una aleación de plata y oro y ornamentado con un diseño cuidadosamente estructurado y cargado de simbolismo.

El pectoral está decorado con un cartucho circular que encierra un rostro de felino frontal con la boca hacia arriba y los colmillos curvados hacia los lados.

Además se observa como hay representados un par de ojos que miran desde debajo de una frente fruncida y la mandíbula inferior sólo se sugiere por la forma de las serpientes que emergen debajo de la boca.

Cabe destacar que el rostro incorpóreo está enmarcado por una especie de tocado, representado por apéndices en forma de pétalos que rodean la composición.

Aparte resalta como el perímetro exterior del pectoral está adornado con un motivo de trenza angular. También se pueden apreciar como en la parte superior hay dos agujeros que permitían colgarlo, probablemente en el pecho de una persona importante.

Con respecto a la composición destacar que en general, el diseño sugiere que se origino en o cerca de Chavín de Huantar, un gran centro ceremonial ubicado en las tierras altas del norte de los Andes. Es más se conoce que los elementos del diseño están asociados con un importante estatus sagrado.

Para finalizar subrayar que dentro de la sociedad chavín solo los objetos de adorno personal o de importancia ceremonial se fabricaban de metal.

Por lo que se piensa que el Pectoral con Cara de Felino Agnathic estaba claramente destinado a impresionar.

Actualmente se encuentra en la Colección y Biblioteca de Investigación Dumbarton Oaks de Washington D.C., Estados Unidos de América.

miércoles, 11 de septiembre de 2024

Vestale

La Vestale, también conocida como Vestalis o Erma di Vestale, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.818 d.C. y 1.819 d.C.., perteneciente al arte neoclásico.

Vestale
Vestale

Fue esculpida por el escultor y pintor italiano Antonio Canova.

También se conoce que la escultura fue encargada por el banquero italiano Luigi Uboldi.

A su muerte la escultura fue legada a la Academia de Brera, ubicada en el centro de la ciudad de Milán, localizada en la región de Lombardía, en el norte de Italia.

Hasta que en el año 1.902 d.C. Vestale fue adquirida por la Galería de Arte Moderno Milán, situada en la ciudad de Milán (Italia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vestale

Vestale

Vestale


Descripción

Tiene una altura de 53 cm, una anchura de 21 cm y una profundidad de 23 cm. 

Está esculpida en mármol de Carrara, mediante las técnicas de incisión, grabado, tallado y pulido.

Se trata de una escultura que representa el busto idealizado de una mujer joven, sobretodo llama la atención como está representada con un velo que le enmarca el rostro de tal manera que deja solo su rostro descubierto hasta la raíz del cabello.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados, con los párpados marcados, la narix recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Además se puede observar como en el borde inferior se encuentra grabado la inscripción:

"VESTALIS"

Con respecto a la composición resaltar que la cabeza idealizada es la representación de la belleza, es decir, busca el canon de belleza femenina inspirado en las antiguas obras del período clásico.

Para finalizar subrayar que el modelo en yeso de Vestale se encuentra en la Museo Gipsoteca Antonio Canova, ubicado en la localidad de Possagno, situada en la provincia de Treviso, en la región de Véneto (Italia).

Actualmente se encuentra en la Galería de Arte Moderno Milán, Italia.

martes, 10 de septiembre de 2024

Panel de Patchwork Bordado

El Panel de Patchwork Bordado es un panel datado  aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte chino.

Panel de Patchwork Bordado
En concreto fue realizado a finales de la dinastía Yuan (元) (dinastía que gobernó China desde el año 1.271 d.C. al año 1.368 d.C.).

Y a principios de la dinastía Ming (明朝) (dinastía que gobernó desde el año 1.368 d.C. hasta el año 1.644 d.C.).

Lo primero que se conoce es que el Panel de Patchwork Bordado perteneció a la colección de David Salmon, ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.997 d.C. el panel fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 149,5 cm y una anchura de 64,1 cm. Está tejido en seda y papel dorado.

Se trata de un panel de patchwork compuesto por varios tejidos de seda, en su mayoría satenes y damascos, exquisitamente bordados con motivos de flores, frutas y alguna mariposa ocasional realizadas mediante la técnica needle loop (conocido como bucle de la aguja, siendo el elemento básico en la estructura del tejido).

Con respecto a la composición destacar que en el panel trabajado en seda sobre papel dorado resalta como el oro luminoso muestra dónde se saltan los bucles intencionalmente en el patrón. 

Es más los parches del Panel de Patchwork Bordado parecen haber sido elaborados y bordados como unidades autónomas que se cosieron juntas para formar un panel más grande.

Para finalizar subrayar que originalmente éste tejido probablemente fue utilizado en un contexto budista, aunque en la actualidad se desconoce su función precisa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 9 de septiembre de 2024

Bab Agnaou

La Bab Agnaou, también conocida como Bab Agnaw, es una puerta datada aproximadamente en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Bab Agnaou

Se encuentra englobada dentro del arte hispanomusulán y dentro de éste pertenece al arte almohade

Fue mandada construir por el califa almohade Abu Yúsuf Yaacub al-Mansur.

Está edificada en la ciudad de Marrakech (marraquech o Marrakesh), localizada en la región Marrakech-Safí, en Marruecos.

Cabe destacar que la Barb Agnaou tenía la función de ser la entrada a la casba real, situada en la parte sur de la medina de la ciudad de Marrakech.

Aparte formaba parte de las 19 puertas de la medina que tiene 19 kilómetros de perímetro con un interior de 600 hectáreas y es la única puerta perteneciente al arte almohade, de las 19, que no ha sufrido una restauración completa.

Sólo se conoce que fue restaurada en una ocasión a finales del siglo XVIII (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), durante el mandato del sultán de Marruecos Sidi Mohammed III ben Abdel-lah al-Jatib, dónde tan solo se redujo el tamaño de su abertura.

Bab Agnaou

Bag Anaou


Bab Agnaou

Descripción

La puerta tiene una entrada formada por un arco de herradura (arco cuya curva es más amplia que un semicírculo, lo que recuerda a la forma de una herradura).

El arco se encuentra rodeado por una fachada elaborada con piedra gis azulada y ladrillo rojo.

Aparte destaca como las esquinas se encuentran ornamentadas con patrones florales extendidas alrededor de un caparazón.

Además también se puede apreciar como toda la ornamentación esta enmarcada por un total de tres paneles con una inscripción en escritura cúfica foliada, en la que se puede leer una inscripción del Corán.

Con respecto al estado de conservación resaltar que la piedra se encuentra en mal estado debido sobretodo a los vientos arenosos del desierto.

Así como a la contaminación del aire local y a las sales solubles (cloruros y sulfatos) presentes en el mortero usado para fijar las piedras.

Bab Agnaou

Bab Agnaou

Para finalizar subrayar que desde el año 1.995 d.C. la Bab Agnaou está incluida en la medina de la ciudad de Marrakech, como Patrimonio de la Humanidad (también conocido como Patrimonio Mundial) por la Unesco.

Actualmente Bab Agnaou se encuentra en la calle Oqba Ben Nafaa en la ciudad de Marrakech, Marruecos.

domingo, 8 de septiembre de 2024

Fragmento Textil Chavín

El Fragmento Textil Chavín es un fragmento textil datado aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chavín.

Fragmento Textil Chavín

Lo primero que se conoce es que pertenecía a la colección del coleccionista de arte Jean Eugene Lions, ubicada en la ciudad de Ginebra (Suiza).

En el año 1.974 d.C. el fragmento fue adquirido por el coleccionista Arnold I. Goldberg, pasando a formar parte de su colección de arte, localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.976 d.C. pasó a ser propiedad de Jane Costello Goldberg, siguiendo formando parte de la colección de arte "Collection of Arnold I. Goldberg". 

Hasta que en el año 1.987 d.C. el Fragmento Textil Chavín fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Fragmento Textil Chavín


Descripción

Tiene una altura de 14,6 cm y una anchura de 31,1 cm. Está tejido en algodón, con pigmentos de tierra de hierro refinados.

Se trata de un fragmento textil que está pintando con un motivo sobre una tela base.

Aparece representada una figura con las manos y pies con garras, el cabello de serpiente y el cinturón de serpiente que la relacionan con el dios del Báculo (también conocido como dios de las Varas), asociado con la fertilidad de la agricultura y una de las deidades más importantes en las culturas andinas.

Especialmente era venerado en el centro ceremonial y religioso Chavín de Huántar, que entre los años 1.500 a.C. y 550 a.C. fue visitado por diversos pueblos andinos para rendir culto a los dioses que moraban en él.

Además la figura sobrenatural con colmillos y garras de ave rapaz está rodeada de octógonos rojos que fueron pintados con un pigmento de hierro rojo.

Aparte estas formas serpentinas rojas terminan en cabezas de perfil, una al revés en una imagen especular, que juntas forman una nueva cabeza con una boca con colmillos.

Con respecto a la composición destacar que los investigadores piensan que el motivo representado por el artista tenía que haberse repetido a lo largo del textil en un patrón infinito, es decir, el significado simbólico era representar una continuación teóricamente ilimitada de imágenes, un conjunto de convenciones compositivas que perdurarían otros mil años.

Para finalizar subrayar que en la sociedad chavín los textiles proporcionaban una superficie portátil o ponible para la representación de imágenes complejas, por lo que se piensa que los textiles facilitaron la difusión de las imágenes desde el norte de Peru, dónde se originaron, hasta la costa sur peruana, dónde algunos investigadores piensan que el Fragmento Textil Chavín fue encontrado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 7 de septiembre de 2024

Haniwa de una Miko

El Haniwa de una Miko, también conocido como 埴輪巫女, es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte japonés

Haniwa de una Miko

En concreto fue esculpida durante el período Kofún (古墳時代) (período de la historia japonesa que comprende desde el año 250 d.C. al año 538 d.C.).

El Haniwa de una Miko perteneció al coleccionista de arte estadounidense Mary Griggs Burke.

En el año 2.015 d.C. la escultura fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 31,5 cm. Está esculpida en cerámica con rastros de color.

Se trata de un fragmento de una figura de haniwa con una expresión inocente e infantil que retrata a una mujer joven, identificada así por su moño, que se asemeja a un birrete.

El cabello está atado en dos partes con una cinta que es visible cuando se mira desde arriba. Aparte las hendiduras detectadas desde la parte inferior del disco muestran la separación del moño.

También se observa como el peinado está adornado con un adorno en forma de peine y una banda con un patrón de triángulos, parcialmente pintada de rojo. 

Llama la atención como directamente debajo de la línea del cabello hay una cresta larga y recta, también pintada de rojo, que probablemente indica las cejas.

Los rasgos faciales, representados sin ningún intento de modelado, se expresan mediante dos ranuras en forma de almendra para los ojos, un trozo de arcilla para la nariz (parcialmente restaurado) y una pequeña abertura para la boca.

En las mejillas presenta colorete y la joven lleva un collar de cuentas y pendientes que cubren sus orejas. Además se encuentra ataviada con una túnica de cuello alto con mangas ajustadas decoradas con puntos, lo que sugiere piel de ciervo, con una tela similar a un chal que cubre su hombro derecho.

El brazo derecho levantado se estrecha hasta una mano mal definida y dañada. Aparte resaltar que el brazo izquierdo, ahora perdido, puede haber sostenido ofrendas o haber estado representado levantado de la misma manera que el brazo derecho.

Aunque el torso se ha perdido, probablemente la escultura estaba ataviada originalmente con una chaqueta acampanada sobre una falda que terminaba de forma bastante abrupta sobre la base cilíndrica habitual.

Con respecto a la composición resaltar que no se conoce si la figura retrata a un individuo en particular, ni tampoco se conoce su posición dentro de la sociedad japonesa.

Algunos investigadores han sugerido que el colorete, los pendientes y el collar identifican a la figura como una participante en una ceremonia funeraria.

Pero algunos investigadores consideran que tales adornos indican que la mujer representada era una miko (sacerdotisas que son las representantes de los templos shinto japoneses (神社)), pero también se ha propuesto que la pintura facial representa un tatuaje.

Sea como sea, el consenso de los investigadores es que el color tenía un significado ceremonial y el Haniwa de una Miko podría provenir de la región de Kantō (関東地方), en el este de Japón (日本).

Para finalizar subrayar que las figuras de túmulos funerarios, conocidas con el nombre de haniwa (埴輪), eran el ajuar funerario más importante del período Kofún (古墳時代).

Además como los hombres y las mujeres haniwa tienen rostros similares, la identificación de genero es difícil. Sin embargo, en la mayoría de los casos, la ropa y los peinados sirven para distinguir a los hombres de las mujeres.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 6 de septiembre de 2024

Pectoral Chavín

El Pectoral Chavín es un pectoral datado aproximadamente entre los años 800 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chavín.

Pectoral Chavín

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte de David Bernstein, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.999 d.C. el Pectoral Chavín fue comprado por el restaurador y coleccionista de arte Jan Mitchell, pasando a formar parte de la colección de arte "Jan Mitchell and Sons Collection".

En ese mismo año, 1.999 d.C., el pectoral fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene altura de 22,0 cm, una anchura de 23,5 cm y un grosor de 0,3 cm.

Se trata de un pectoral con forma de cruz fabricado con una única lámina de oro martillado, ornamentado en su anverso por cabezas de aves de perfil repujadas.

Sobretodo llama la atención como cuando el pectoral se gira noventa grados, las cabezas de perfil, con sus picos curvados, se convierten en una sola imagen frontal de una criatura de nariz ancha sin mandíbula.

Además se puede apreciar como en el centro del pectoral hay dos pequeños agujeros pareados que originalmente podrían haber sido utilizados para unir el pectoral a un soporte.

Con respecto a la composición destacar que las múltiples lecturas de los diseños y el hecho de compartir los componentes del diseño son características del arte chavín.

Es más se conoce que las composiciones más complejas realizadas por los artistas incluyen elementos de aves rapaces y las caras con colmillos que hacen referencia a felinos y serpientes. 

Para finalizar subrayar que se conoce que los objetos de oro del estilo chavín son las primeras obras significativas en oro que se conocen en Perú.

Aparte destacar que el estilo chavín se asocia con el norte de Perú, en particular con los valles de Jequetepeque y Lambayeque y las tierras altas adyacentes, dónde se han encontrado impresionantes objetos de oro en el interior de tumbas pertenecientes a individuos de alto rango en la sociedad chavín.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 5 de septiembre de 2024

Piedra Rúnica G 216 de Timans

La Piedra Rúnica G 216 de Timans, también conocida como Piedra Rúnica G 216 de Timansbrynet, es una piedra rúnica datada aproximadamente entre los años 1.050 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Piedra Rúnica G 216 de Timans

Piedra Rúnica G 216 de Timans

Fue hallada en junio del año 1.940 d.C. de manera accidental por un trabajador, a una profundidad de 40 cm.

Cuando estaba realizado trabajos para insertar un cable telefónico a través del campo, a unos 50 metros al este de la granja de Timans, ubicada cerca de la ciudad de Roma, situada en la región del Lacio, en Italia.

Cabe resaltar que a un par de metros del lugar del hallazgo se descubrió una tumba a una profundidad de aproximadamente de 60 cm. Sin embargo no se conoce ninguna conexión entre la tumba y la piedra rúnica.

En el año 1.940 d.C. la Piedra Rúnica G 216 de Timans pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Gotland, localizado en la ciudad de Visby, situada en el condado de Gotland, en Suecia.

Piedra Rúnica G 216 de Timans



Descripción

Tiene una altura de 4,6 cm, una anchura de 8,8 cm y el grosor de 3,3 cm. 

Está fabricada en piedra arenisca, mediante la técnica de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una cuña de piedra arenisca de color gris claro que presenta dos lados planos casi paralelos entre sí. 

Uno de los lados está grabado en su superficie lisa con tres líneas en escritura rúnica, que se curvan ligeramente hacia el centro y son fáciles de leer.

El lado opuesto es casi perfectamente plano y liso, y en su centro hay tallado un molde circular poco profundo de 18 mm de diámetro. 

En el fondo del molde se dibuja alrededor de su centro un círculo interior de 9 mm de diámetro y 18 muescas claramente marcadas unen el perímetro exterior del molde con el círculo interior y éste con el centro del molde.

Aparte una ranura profunda va desde el extremo estrecho de la piedra hasta el centro de la circunferencia exterior del molde.

Llama la atención como el lado del molde es considerablemente más grande que el lado dónde están grabadas las runas, por lo que los lados estrechos forman ángulos agudos hacia el primero y obtusos hacia el segundo.

La transcripción de la inscripción es la siguiente:

"ormiga : „ulfua-r : krikiaR : iaursaliR (:) islat : serklat“"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"Übersetzt: Ormika, Ulvair, Grekland, Jerusalem, Island, Särkland"


Piedra Rúnica G 216 de Timans

La inscripción rúnica se divide en tres filas longitudinales inmediatamente adyacentes de ancho que disminuye gradualmente hacia la derecha. 

Por tanto la escritura rúnica discurre de izquierda a derecha.

Una lectura aproximada de la inscripción es la siguiente:

- En la fila superior dos nombres masculinos: Ormika y Ulgair.

Piedra Rúnica G 216 de Timans
- En la segunda línea: un nombre popular, griegos y la ciudad de Jerusalén

- En la última línea los nombres de dos países: Islandia y Särkland.

También cabe destacar que la inscripción son nombres sin contexto lingüístico externo, todos aislados unos de otros y enumerados en sus formas básicas, puesto que aparecen en la inscripción de forma independiente en forma léxica.

Con respecto al estado de conservación destacar que la piedra se encuentra cubierta con una pátina gris, se observa como la pátina cubre tanto superficies rugosas como lisas y es tan prominente en las runas como en otras partes de la piedra.

Para finalizar subrayar que cuando la Piedra Rúnica G 216 de Timans fue examinada por primera vez, hubo excepticismo sobre su autenticidad porque el texto está grabado en una superficie fina y bien conservada.

Sin embargo los exámenes realizados por los conservadores y restauradores del Museo de Gotland determinaron la autenticidad de la piedra rúnica.

Actualmente se encuentra en el Museo de Gotland, Suecia.

miércoles, 4 de septiembre de 2024

Alfiler de Pájaro

El Alfiler de Pájaro es un adorno datado aproximadamente entre los siglos V d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte tiahuanaco o arte tiwanaku.

Alfiler de Pájaro

Alfiler de Pájaro

Lo primero que se sabe es que alfiler fue hallado en la cuenca alta del lago Titicaca, localizado en el Altiplano andino, en los Andes Centrales, en Bolivia.

También se conoce es que perteneció a la colección de arte de Gabriella Passamonti, ubicada en la ciudad de Lima, en Perú.

En el año 1.958 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.958 d.C. y 1.978 d.C. fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de Europa, Asia, África, América y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Alfiler de Pájaro fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 34 cm y una anchura de 1,3 cm.

Se trata de un clavo muy fino, un alfiler, de oro con la parte superior con forma de pájaro, sobretodo destaca como la parte superior del cuerpo y la cabeza son de un tamaño desproporcionado con respecto a la representación de las patas y la parte inferior del cuerpo.

Resalta el pico grande y curvo entreabierto, las crestas están ornamentadas con pequeños agujeros hundidos, así como las cuencas de los ojos hundidas, además en la parte superior del pico hay un cuerno, las carúnculas están colgando y las alas pequeñas están representadas estiradas.

Para finalizar subrayar que la funcionalidad del Alfiler de Pájaro no está clara, puesto que algunos investigadores creen que originalmente podría haber sido utilizado para mantener los atuendos en su lugar, mientras que otros piensan que tal vez podría haber sido usado como una espátula para cal.

Puesto que el uso ritual de hojas de coca, a las que se agrega cal en polvo con una cuchara o espátula, ha sido una tradición en la América del Sur andina durante miles de años.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 3 de septiembre de 2024

Tocado en Forma de Medialuna

El Tocado en Forma de Medialuna es un tocado datado aproximadamente entre los años 250 d.C. y 380 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Tocado en Forma de Medialuna
Tocado en Forma de Media Luna

Fue hallado en julio del año 1.987 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por la antropóloga peruana Susana Meneses, el arqueólogo peruano Luis Enrique Chero Zurita y el arqueólogo peruano Walter Alva Alva.

En el interior de la Tumba del Señor de Sipán, ubicada en el centro del yacimiento arqueológico de Sipán (también conocido como Huaca Rajada), situado en distrito de Saña de la provincia del Chiclayo, localizado en el departamento de Lambayeque, en Perú.

En el año 2.002 d.C. el Tocado en Forma de Medialuna pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Tumbas Reales de Sipán, edificado en la ciudad de Lambayeque, en Perú.

Tocado en Forma de Medialuna


Descripción

Tiene una altura de 41 cm y una anchura de 27,1 cm. Está fabricado en oro y cobre.

Se trata de un adorno de tocado que ha sido fabricado martilleando una única lámina de oro y dándole forma de medialuna.

También se aprecia como justo en el centro, en la parte inferior, presenta un pequeño palo realizado en cobre que servía para unir el adorno a un gorro, casco o diadema que sostenía el adorno en alto.

Además cabe destacar que los investigadores piensan que la forma de medialuna se debe a que podría ser una referencia a la forma de un tumi (un tipo de cuchillo ceremonial).

Cabe enfatizar que el Tocado en Forma de Medialuna perteneció al Señor de Sipán, un antiguo gobernante y guerrero moche que gobernó aproximadamente en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.).

Aparte resaltar que el tocado forma parte de alrededor de los 600 objetos recuperados de su tumba que formaban parte de su ajuar funerario y dan a entender la majestuosidad y magnificencia de éste gobernante moche.

Para finalizar subrayar que el tocado fue prestado desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. al Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas".

También el Tocado en Forma de Medialuna fue prestado desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. para ser expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas", ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Tumbas Reales de Sipán, Perú.

lunes, 2 de septiembre de 2024

Schenabelkanne Celta

La Schanabelkanne Celta es una jarra datada aproximadamente entre los años 500 a.C. y 350 a.C., perteneciente al arte celta.

Schanabelkanne Celta

Schanabelkanne Celta

Fue fabricada en la antigua región de Etruria, ubicada en el centro de Italia, en las regiones de Toscana, Lacio y Umbría.

La Schanabelkanne Celta fue hallada en el año 1.873 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una tumba de la Edad de Hierro conocida como "Entierro en Carro de Somme-Bionne".

Ubicada en la comuna y población de Somme-Bionne, localizada en la región de Champaña-Ardenas, situada en el departamento de Marne, en el distrito y cantón de Sainte-Menehould (Francia).

Poco después de su descubrimiento pasó a ser propiedad del recaudador de impuestos y arqueólogo aficionado francés León Morel, pasando a formar parte de su colección de arte privada.

Hasta que en el año 1.901 d.C. Schanabelkanne Celta fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Schanabelkanne Celta

Schanabelkanne Celta

Schanabelkanne Celta

Schanabelkanne Celta

Schanabelkanne Celta



Descripción

Tiene un diámetro en la base de 100 mm, un diámetro máximo de 172 mm, una altura de 320 mm y un peso de 1.291 g. 

Está fabricada en aleación de cobre, mediante las técnicas de fundición y martillado.

Se trata de una jarra, jarro, cántaro, aguamanil o frasco con pico, conocido por el nombre schanabelkanne, con un pico de ángulo agudo y un cuerpo carenado sencillo.

El asa, que ha sido fundida por separado, tiene terminales a juego que representan cabezas de ciervo en el borde y un escudo dónde se une al cuerpo ornamentado con volutas, capullos de flores de loto y una palmeta invertida.

El borde, el pico y el cuello superior están fundidos al cuerpo, mientras que el cuello inferior y el cuerpo están martillados con la base fabricada por separado.

Con respecto a la composición destacar que la ornamentación es característica de la cultura La Tène (una cultura perteneciente a la Edad del Hierro, también denominada Edad del Hierro II).

Para finalizar subrayar que éste tipo de recipientes inicialmente fueron fabricados por los etruscos y los celtas importaron algunos de éstos recipientes y comenzaron a copiarlos, desarrollando variantes según sus gustos.

Aunque cabe resaltar que la función de éstos recipientes, ya fuera doméstica o religiosa, siguió siendo rara y fuera del comportamiento social habitual en la sociedad celta, por lo tanto la demanda fue limitada y la producción cesó después del siglo V d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 500 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 1 de septiembre de 2024

Brasero Nazarí

El Brasero Nazarí es un brasero datado aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Brasero Nazarí
En concreto se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Brasero Nazarí


Fue elaborado en un taller de Manises, ubicado en el municipio de Manises, localizado en la provincia de Valencia, en la comunidad autónoma de Comunidad Valencia (España).

Lo primero que se conoce es que el Brasero Nazarí perteneció a la colección de arte del Dr. y Sra. Lewis Balamuth.

Hasta que en el año 1.968 d.C. el brasero fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción


Tiene una altura de 5,2 cm y un diámetro de 49,1 cm.

Se trata de un pequeño brasero de loza de reflejo metálico, moldeado y pintado a mano sobre esmalte blanco, con forma circular poco profunda y una pequeña base circular hueca.

El anverso está decorado con la técnica de loza gallonada, realizada mediante el repujado de la pasta seca desde el interior hacia el exterior, dando como resultado una decoración de gallones en relieve y cónicos alrededor del borde exterior y del reborde interior elevado.

Además se puede observar como los gallones están entrelazados con diferentes bandas ornamentadas con motivos geométricos y vegetales.

También cabe destacar que dentro del arte nazarí el prestigio de éste tipo de objetos se evidencia por los blasones heráldicos decorativos que pertenecían a varios patrones nobles, eclesiásticos y reales.

Se puede apreciar como en el anverso del Brasero Nazarí, situado en el centro, hay representado un blasón con un águila de un patrón que no ha podido ser identificado.

El reverso también se encuentra totalmente decorado con un motivo vegetal de plantas y enredaderas, mientras que la parte inferior de la base presenta un diseño compuesto por una gran flor que ocupa todo el espacio.

Para finalizar subrayar que durante la dinastía nazarí la loza de reflejo metálico era la cerámica de lujo más importante tanto para el consumo local como para la exportación internacional.

Se conoce que el brasero era un método común de calefacción utilizado por todas las clases sociales nazaríes (diferenciándose entre sí por el lujo, la decoración y los materiales).

Los braseros más grandes eran utilizados para caldear las habitaciones, mientras que los braseros de menor tamaño serían utilizados para recalentar o mantener la temperatura en los platos con la comida y quemar perfumes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bailarina Celestial

La Bailarina Celestial es una escultura datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d....