Cuentas Nazaríes

Las Cuentas Nazaríes son cuentas datadas aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Cuentas Nazaríes

En concreto está englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Cuentas Nazaríes

Lo primero que se conoce es que formaba parte de la colección de arte del empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. las Cuentas Nazaríes fueron donadas al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Cada cuenta tiene un diámetro de 2,2 cm. Además cada cuenta esta fabricada en: oro, esmalte cloisonné, perlas y filigrana.

Se trata unas pequeñas cuentas de collar ovaladas con diseños de esmalte cloisonné que se elaboraron uniendo un alambre de oro aplanado a una superficie de oro, creando compartimentos separados.

Llama la atención como en cada compartimento se ha insertado una pasta de esmalte en polvo, para luego cocer cada cuenta en un horno, vitrificando la pasta y dándole un carácter de joya.

También se puede apreciar como los cartuchos esmaltados de éstas cuentas contienen inscripciones árabes en las que se puede leer el siguiente texto:

"La gloria es solo de Alá"

Para finalizar subrayar que debido a la composición de las Cuentas Nazaríes se piensa que fueron realizadas en algún taller ubicado en la ciudad de Granada durante la dinastía nazarí (última dinastía musulmana que gobernó el Reino de Granada desde el año 1.238 d.C. hasta el 2 de enero del año 1.492 d.C.).

Es más resaltar que el esmaltado cloisonné es característico de la joyería nazarí española, siendo sus obras la representación de la continuación, en la Baja Edad Media, de la tradición de la filigrana fina y el trabajo granulado más asociado con el Egipto fatimí y Siria.

Sin embargo enfatizar que independientemente de si hubo o no intercambios entre la España nazarí y el Mediterráneo oriental en los siglos XIV d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.500 d.C.), lo más probable es que la escuela de joyería nazarí se haya desarrollado esencialmente a partir de trabajos españoles anteriores.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Indiferente

El Indiferente, también conocido como L'Indifférent, es una pintura datada en el año 1.716 d.C., perteneciente al arte rococó.

El Indiferente

El Indiferente

Fue pintado por el pintor francés Jean-Antoine Watteau (también conocido como Antoine Watteau).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.729 d.C. el cuadro se encontraba en la colección de arte del grabador, pintor y dibujante francés Jean Baptiste Massé.

En el año 1.768 d.C. fue comprado por el noble francés, marqués de Marigny y de Menars, Abel-François Poisson de Vandières.

En el año 1.785 d.C. formaba parte de la colección de arte "Collection Godefroy de Villetaneuse", ubicada en la ciudad de Paris (Francia).

En el año 1.806 d.C. fue vendido al pintor, coleccionista y marchante de arte francés Jean-Baptiste-Pierre Le Brun, pasando a formar parte de su colección.

El 4 de mayo del año 1.848 d.C. la pintura fue comprada por el doctor en medicina, filántropo y coleccionista de arte Louis La Caze.

Hasta que en el año 1.869 d.C. El Indiferente fue legado al Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

El Indiferente

Descripción

Tiene una altura de 25,5 cm, una anchura de 19 cm y espesor de 3 mm. 

Está pintado al óleo sobre un panel de roble con pavimento de cinco travesaños horizontales y tres travesaños verticales.

Se trata de una pintura que representa a un hombre joven sobre un fondo de árboles que se elevan a la derecha y el cielo con el sol poniente a la izquierda.

El joven se encuentra ataviado con un abrigo de raso azul muy claro, medias rosas y zapatos amarillo-rosa, una capa roja forrada de azul en el brazo derecho, un sombrero azul con un lazo rosa y un lazo similar situado a la altura del hombro izquierdo.

Con respecto a la composición destacar que el título sigue siendo un misterio y tal vez se remite al tema que oscila entre el quietismo y el libertinaje de un joven encantador, desapasionado y que utiliza los artificios de la comedia humana, simbolizada en la pintura por las ropas relucientes y el paso de baile.

Para finalizar subrayar que El Indiferente, estimado entonces en más de siete millones de francos, fue robado el domingo 12 de junio del año 1.939 d.C. en la sala Schlichting del Museo del Louvre de París (Francia), hacia las 15:50 horas. 

Dos meses más tarde, el 14 de agosto del año 1.939 d.C. el subdirector del Museo del Louvre, Jacques Jaujard, recibió una llamada del juez de instrucción Marchat encargado del caso: un hombre llamado Serge Bogousslavsky (alias "Bog"), había denunciado el cuadro y admitió haberlo robado para restaurarlo.

Cabe resaltar que ésta restitución fue muy publicitada ya que "Bog" había advertido a los periodistas, indicando la hora y el lugar de su confesión. 

Además, "Bog" quería publicar un manifiesto titulado "Comment j'ai emprunté L’Indifférent" ("Cómo tomé prestado a El Indiferente"), lo que finalmente no se hizo.

Serge Bogousslavsky fue finalmente condenado (en apelación) a cuatro años de prisión, una multa de trescientos francos y una prohibición de viajar de cinco años.

También como curiosidad destacar que el cuadro El Indiferente aparece citado en la novela del escritor francés Georges Chaulet, "Fantômette et la Maison hantée", en el capítulo VIII (página 102) de la primera edición del año 1.971 d.C., sobre los visitantes que, tras el robo, acuden especialmente al Museo del Louvre para contemplar el recinto vacío del emplazamiento.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Parroquia San Martiño de Pazó

La Parroquia San Martiño de Pazó es una parroquia datada aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Parroquia San Martiño de Pazó

En concreto al arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte mozárabe.

Fue edificada aproximadamente a 3 km del municipio de Allariz, localizado en la provincia de Orense, situada en la comunidad autónoma de Galicia (España).

Parroquia San Martiño de Pazó

Parroquia San Martiño de Pazó

Parroquia San Martiño de Pazó

Descripción

Se trata de una parroquia de una única nave con forma rectangular de aproximadamente 14 metros de largo x 8,5 metros de ancho.

De la que actualmente solo se conservan los muros laterales, los cimientos y parte de la fachada

Tanto la capilla mayor como la fachada occidental, con un gran ábside cuadrangular, son reformas posteriores.

Aunque en la fachada principal, a ambos lados de la puerta principal, situados a unos 90 cm del suelo aún quedan los restos de dos ventanas de arcos de herradura bastante toscas construidas con pequeñas dovelas de trasdós concéntricos y despiezo radial, en la actualidad obstruidas.

Parroquia San Matiño de Pazó

La entrada a la parroquia era por dos puertas, colocadas en el mismo trazado y emplazadas una frente a la otra, formadas por arcos de herraduras enmarcados con alfiz, que presentan desde el interior de la parroquia otro arco de herradura de un radio mayor que el exterior.

También resalta como la porción ultrasemicicular de los arcos, arrancan directamente de las jambas, sin capiteles ni cornisas y con un solo tercio de radio de peralte.

Cabe destacar que se conoce que originalmente la entrada para los fieles se efectuaba por la puerta norte, mientras que la puerta sur era la que comunicaba con la dependencias de los monjes.

Los muros poco gruesos (de aproximadamente 65 cm), lisos y sin contrafuertes originalmente sostenían una cubierta de madera. 

Además se puede observar como la longitud de las hiladas de sillares y sillarejos de granito no es igual, por lo que se trata de un aparejo isódomo (también conocido como pseudoisódomo).

Para finalizar subrayar que en el año 1.931 d.C. la Parroquia San Martiño de Pazó fue declarada Monumento Histórico Artístico (figura jurídica de reconocimiento y protección del patrimonio histórico, tanto mueble como inmueble, español), siendo poco después declarada Bien de Interés Cultural (figura jurídica de reconocimiento y protección del patrimonio histórico español).

Oráculo de Delfos

El Oráculo de Delfos es una pintura datada en el año 1.899 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Oráculo de Delfos

Fue pintado por el pintor británico John William Godward.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del empresario y coleccionista de arte neozelandés Sir Ernest Hyam Davis.

El 3 de junio del año 1.994 d.C. el Oráculo de Delfos fue subastado por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprado por la galería de arte "Fine Art Society", con sede en la ciudad de Londres (Gran Bretaña) y en la ciudad de Edimburgo (Escocia).

Descripción

Tiene una altura de 228 cm y una anchura de 114 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven, una pitonisa, desnuda sentada sobre un trípode sagrado, dentro de un recinto rodeado de columnas y encima de una grieta en el suelo de la que sale humo.

En el rostro destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados con la mirada dirigida hacia el espectador, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

El cabello largo y negro se encuentra peinado en dos trenzas que le caen hasta la altura de los senos y le enmarcan el rostro. Además en la parte superior de la cabeza lleva una corona de laurel.

Con respecto a la composición destaca como tiene una estructura trapezoidal simétrica, con gran atención a los detalles y a la perfección.

Sobretodo llama la atención la perfecta anatomía del cuerpo y los tonos dorados de la tez de la mujer, que contrastan con los tonos grises, marrones y ocres que predominan en el resto del cuadro y acentúa la sensualidad de la modelo.

También resalta como la luz se intensifica en los muslos, en el centro de la composición, mientras que el rostro permanece en una misteriosa luz tenue, que acentúa el fuerte uso del claroscuro.

Para finalizar subrayar que se conoce que la modelo de la pintura era la modelo de artistas y actriz británica Ethel Maud Warwick (más conocida como Ethel Warwick), quién anteriormente ya había posado en otras obras del artista.

Actualmente se encuentra en la galería de arte "Fine Art Society", Escocia.

Capa de Plumas Maorí

La Capa de Plumas Maorí, también conocida como Kahu Kiwi, es una capa datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Capa de Plumas Maorí

Lo primero que se conoce es que en el año 1.982 d.C. la capa fue adquirida en Nueva Zelanda por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de: África, Américas y Oceanía.

Descripción

Tiene una longitud de 76 cm y una anchura de 122,50 cm.

Está elaborada en lino, lana, pluma de kiwi, fibra y plumas, mediante las técnicas de tejido a dedo y teñido.

Se trata de una capa con plumas de kiwi y tres bordes de taniko, que ha sido tejida en doble par de hilos trenzados, con un comienzo en la parte inferior como un borde de taniko de fibra de lino marrón, negra y sin teñir.

Además las bandas de taniko en los bordes laterales son de fibra negra, amarilla y sin teñir, mientras que en el interior de cada uno de los tres bordes de taniko hay una banda de lino teñido de amarillo y negro en cordones desenrollados.

Aparte se puede observar como el patrón en el borde inferior es de triángulos y dos de los lados son de un patrón de cuadros.

El interior de la capa está cubierto de plumas de kiwi, con parches de plumas de kiwi albino blancas, dispuestas en un total de cuatro bandas horizontales.

Se aprecia como se incluye lana roja y negra en el acabado en el borde superior. También hay flecos de urdimbre cortos en las esquinas superiores, pero están cubiertos de lana roja y verde y los cordones de amarre son de lana amarilla y blanca.

Para finalizar subrayar que los maoríes son el pueblo indígena de Nueva Zelanda y tienen una relación especial con los kiwis, que es un ave emblemática del país.

Los maoríes denominaron al kiwi cuando llegaron a Aotearoa (nombre en maorí de Nueva Zelanda, que significa "Tierra de la gran nube blanca") y en maorí la palabra "kiwi" significa "pájaro no volador que solo existe en Nueva Zelanda".

Es más los maoríes consideraban al kiwi un taonga (tesoro) con lazos espirituales y tenía la creencia que era el hijo mayor del dios del bosque Tāne-mahuta y que estaban bajo su protección.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Armonía (Wa)

Armonía (Wa), también conocida como 和, es una caja datada en el año 2.015 d.C., perteneciente al arte japonés. 

Armonía (Wa)

Armonía (Wa)

Armonía (Wa)

En concreto fue elaborada en el período Heisei (平成時代) (período de la historia japonesa comprendido entre el 8 de enero del año 1.989 d.C. al 30 de abril del año 2.019 d.C.).

Fue creada por el profesor universitario y artista japonés Iino Ichirō (飯野一朗).

En el año 2.015 d.C. fue adquirida por la galería de arte "Onishi Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 2.020 d.C. Armonía (Wa) fue comprada por el empresario y coleccionista de arte japonés Hayashi Kaoru.

En ese mismo año, 2.020 d.C., fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Armonía (Wa)

Armonía (Wa)

Armonía (Wa)

Descripción

Tiene una altura de 23,5 cm, una anchura de 36,8 cm y un diámetro de 20 cm. 

Está fabricada en cobre, lámina de oro, dorado con amalgama, baño de plata y acero inoxidable.

Se trata de una caja con una apariencia única: la base tiene forma de barco, mientras que la gran tapa que sobresale casi la cubre y domina el objeto.

Resalta como el exterior de la tapa se encuentra bañado en oro con amalgama, con una fina cuadrícula de líneas diagonales marcadas en la superficie para exponer el cobre rojizo brillante que se encuentra debajo.

Además se puede apreciar como las marcas del fabricante y del material se encuentran estampadas en la parte inferior de la base y en un cupón de metal aplicado en el interior de la tapa de la caja.

También cabe resaltar que Armonía (Wa) fue expuesta del 8 de marzo del año 2.021 d.C. al 24 de abril del año 2.022 d.C. en la exposición "Japan: A History of Style" (Japón: una historia de estilo), que se llevó a cabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Para finalizar subrayar que el artista Iino Ichirō (飯野一朗), nacido en la prefectura de Saitama (Japón), es profesor emérito de la Universidad de las Artes de Tokyo y ha ganado varios premios importantes por sus obras, entre ellas joyas.

Aparte enfatizar que todos los derechos y reproducción de Armonía (Wa) son de © Iino Ichirō (飯野一朗).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella con Pico de Estribo y Guerrero Dormido

La Botella con Pico de Estribo y Guerrero Dormido es una botella datada aproximadamente entre los siglos I d.C. y IV d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche. 

Botella con Pico de Estribo y Guerrero Dormido

Lo primero que se conoce que en el año 1.938 d.C. pasó a formar de la colección de arte "Bruno J. Wassermann-Collection", ubicada en la localidad de Bahía San Blas, en el extremo sudeste de la provincia de Buenos Aires (Argentina).

En el año 1.954 d.C. fue comprada por el empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella con Pico de Estribo y Guerrero Dormido fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 21 cm y una anchura de 12,7 cm. Está fabricada en cerámica, engobe y pigmento.

Se trata de una botella de cerámica modelada en forma de un guerrero dormido, con detalles de su vestimenta representadas en engobe blanco y marrón rojizo (una suspensión de arcilla y otros colorantes en agua).

El guerrero está representado con los brazos cruzados, apoyados sobre sus rodillas y el cuerpo ligeramente inclinado hacia delante, mientras reposa la cabeza, girada hacia el lado izquierdo, sobre las manos. 

En el rostro se pueden apreciar los ojos cerrados, la nariz aguileña, los labios carnosos y las líneas de expresión.

También destaca como el guerrero lleva un casco cónico, asegurado a la cabeza con una correa para la barbilla y adornado con lo que parecen ser pequeños discos de metal cosidos al borde inferior.

Aparte los elementos triangulares del collar recuerdan a los collares fabricados de metal o concha hallados en entierros pertenecientes a personas con un alto estatus dentro de la sociedad moche.

Se encuentra ataviado con una túnica decorada con un diseño geométrico a lo largo de la parte inferior, además se puede apreciar como en las pantorrillas y la nariz hay pintura corporal (posiblemente representando tatuajes).

El pico de la botella presenta forma de estribo, denominado así porque la forma del pico recuerda al estribo de la silla de montar de un caballo.

Para finalizar subrayar que se conoce que a principios del primer milenio d.C. los artistas moches elaboraron botellas con pico de estribo con formas escultóricas que representaban una amplia gamas de temas, incluidas figuras humanas, animales y plantas, siendo todas ellas trabajadas con una gran dosis de naturalismo.

Aunque aproximadamente unos 500 años después, las cámaras de las botellas se volvieron predominantemente globulares, proporcionando grandes superficies ornamentadas con escenas complejas pintadas de múltiples figuras, como por ejemplo la Botella con Estribo y Zorro Guerrero.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Redondel de Ventana Sasánida

El Redondel de Ventana Sasánida es una ventana datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Redondel de Ventana Sasánida

Fue hallado en el año 1.931 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Ma'aridh II, en la antigua ciudada de Ctesifonte.

Bajo la dirección de la expedición conjunta del "Staatliche Museen de Berlín" (Alemania) y del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

También cabe resaltar que la ciudad de Ctesifonte estaba ubicada en la orilla este del río Tigris, aproximadamente a 32 km al sur de la actual ciudad de Bagdad, en Irak.

En el año 1.932 d.C. el Redondel de Ventana Sasánida pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), puesto que fue cedido al museo como parte de la división de hallazgos.

Descripción

El redondel presenta un diámetro de 62,2 cm.

Se trata de una ventana de estuco ornamentada en un solo lado con palmetas que forman radios que conectan un anillo interior y otro exterior de cuentas.

Además según las ventanas redondas encontradas en monumentos contemporáneos en Siria, el lado decorado de la ventana puede haber estado orientado hacia afuera.

La aparición de tales ventanas en la antigua ciudad de Ctesifonte proporciona evidencia del intercambio de ideas artísticas entre Mesopotamia y el Mediterráneo oriental.

Para finalizar subrayar que cuando se encontró el Redondel de Ventana Sasánida se encontraba en pedazos, lo que indica que se cayó desde una altura.

Fue hallado en una serie de seis casas en el montículo de Ma'aridh. Es más destacar que éstas casas siguen el diseño típico sasánida con una mezcla de habitaciones cuadradas y alargadas.

Ma'aridh II es una casa grande a la que se ingresa a través de una pequeña entrada en lugar de hacerlo directamente desde la calle. La casa se divide en un sector utilitario o de servicios en el lado este del edificio y un espacio monumental decorado al oeste de la entrada.

Las habitaciones occidentales estaban decoradas con pilares, un arco de herradura doble y relieves de estuco. Aparte de una larga abovedada de cañón de 19 metros de longitud, que era probablemente la habitación más importante de la casa.

El acceso a la casa era a través de una habitación más pequeña con cuatro pilares. Además los investigadores consideran que ésta gran casa, que con la parte excavada revela más de 1.800 metros cuadrados, representa una casa perteneciente a la élite sasánida.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dos Paneles con Parejas Mithuna

Los Dos Paneles con Parejas Mithuna son dos paneles datados aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte indio.

Dos Paneles con Parejas Mithuna

Lo primero que se conoce es que se encontraban en una colección privada ubicada en la ciudad de Bath, localizada en el condado de Somerset, en el sudoeste de Gran Bretaña.

En el año 1.970 d.C. fueron comprados por el comerciante y coleccionista de arte J.G. McMullen, pasando a formar parte de la colección de arte de la "Obelisk Gallery", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.978 d.C. fueron adquiridos por el coleccionista de arte, historiador de arte y abogado malasio Bashir Mohamed.

En el año 1.979 d.C. fueron comprados por al casa de subastas "Spink and Son. Ltd", localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.980 d.C. los paneles fueron adquiridos por un coleccionista privado afincado en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.013 d.C. los Dos Paneles con Parejas Mithuna fueron comprados por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 14,4 cm y una anchura de 20,3 cm. 

Se trata de dos paneles de marfil con fondo de papel dorado que presenta una talla en su anverso, cada uno de estos dos paneles tiene representada una pareja amorosa (mithuna) dentro de un arco en forma de cúspide, típico de la arquitectura palaciega de la dinastía Nayaka de finales del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Además se puede apreciar como los grupos figurativos delicadamente tallados se encuentran sobre un fondo perforado de hojas y flores, con el calado contrastado con un fondo dorado.

También resalta como los dos paneles están separados entre sí por una fila pilastra y están enmarcados por una banda de rosetas.

Con respecto a la composición resaltar que la sofisticación y la ejecución de los paneles apuntan a fueron realizados en importantes talleres de marfil directamente asociados con las dinastía Nayaka, varias dinastías del sur de la India.

Sobretodo destaca como las figuras talladas en bajorrelieve están animadas por un complejo sistema de elementos superpuestos y por los planos modulados de sus cuerpos.

Se observa como las figuras son estilísticamente distintas, pero sus prendas y joyas pueden compararse fácilmente con las figuras de tamaño natural de donantes del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) representadas en los templos de piedra de Srirangam, Tanjore, Kumbakonam y Madurai.

Es más algunos investigadores piensan que al estar los templos edificados en la cuenca del río Cauvery de Tamil Nadu, ésta localización podría ser el probable centro de producción de éstos paneles.

Aparte las delgadas columnas y las arcos cúspide de los paneles de marfil son similares a los elementos arquitectónicos del distintivo patio porticado del palacio de Tirumala Nayak, edificado en la ciudad de Madurai, en el estado de Tamil Nadu (India).

Para finalizar subrayar que los Dos Paneles con Parejas Mithuna son ejemplos excepcionales de las artes de la dinastía Nayaka del sur de la India, conocida por su mecenazgo de las artes asociadas tanto con los palacios como con los templos.

Cabe destacar que dentro del arte indio las cajas con paneles eran ejemplos muy apreciados del arte secular y sobreviven en su mayoría en forma incompleta con paneles individuales separados de los ataúdes de madera.

Los Dos Paneles con Parejas Mithuna están estrechamente relacionados con otros que se ensamblaron en tiempos modernos en una sola caja. 

Se piensa que éstos dos paneles están relacionados con los que en la actualidad se conservan en el Museo de Bellas Artes de Boston y el Museo de Arte de Virginia, siendo éstos dos últimos paneles de ese conjunto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

Clavija Elamita

La Clavija Elamita es una clavija datada aproximadamente entre los años 1.340 a.C. y 1.300 a.C., perteneciente al arte elamita.

Clavija Elamita

Clavija Elamita

Fue hallada en la década de 1.950 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas bajo la dirección del arqueológo francés Roman Ghirshman y en nombre de la Delegación Científica Francesa en Persia.

En el yacimiento arqueológico de Choga Zanbil, localizado en la provincia del Juzestán, aproximadamente a 25 kilómetros al oeste de la ciudad de Dezful (Irán).

En el año 1.957 d.C. la Clavija Elamita fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Clavija Elamita

Descripción

Tiene una altura de 27,6 cm y una anchura de 31,1 cm.

Se trata de una clavija de cerámica vidriada que presenta una inscripción en escritura cuneiforme elamita en la que se puede leer los siguiente:

"Untash-Napirisha"

Cuya traducción es el nombre de un rey elamita que gobernó aproximadamente entre los años 1.340 a.C. y 1.300 a.C., siendo un rey de la dinastía Igehalkida.

Cabe resaltar que la función exacta de la Clavija Elamita sigue siendo incierta. Sin embargo algunos investigadores consideran que la clavija podría haber sido utilizada para colgar algún tipo de accesorio, como un tapiz u otro adorno de pared.

Para finalizar subrayar que se conoce que antiguamente la ciudad de Choga Zanbil fue fundada y establecida por el rey de Elam Untash-Napirisha como nueva capital del reino elamita.

La ciudad cuenta con uno de los zigurats mejor conservados del mundo antiguo, se conoce que al menos veinticinco dioses eran adorados allí, y aunque la ciudad no se encontraba terminada en el momento de la muerte del rey elamita Untash-Napirisha, continuó sirviendo como centro religioso hasta cerca del año 1.000 a.C..

Es más los arqueólogos han descubierto entre sus ruinas cientos de clavijas similares a la Clavija Elamita, lo que sugiere que posiblemente las clavijas desempeñaron un papel destacado allí.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Máscara de Iineferty

La Máscara de Iineferty es una máscara datada aproximadamente entre los años 1.279 a.C. y 1.213 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Máscara de Iineferty

En concreto fue creada durante el Imperio Nuevo de Egipto, en concreto durante la XIX dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 1.295 d.C. y 1.189 d.C.).

Fue hallada en el año 1.885 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el egiptólo francés Gaston Camille Charles Maspero.

En el Deir el-Bahari, localizado en la ribera occidental del río Nilo, frente a la antigua ciudad de Tebas, en la actual ciudad de Luxor (Egipto).

En el año 1.886 d.C. la Máscara de Iineferty fue vendida por el gobierno egipcio al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

¿Quién fue Iineferty?

Iineferty fue la esposa de Sennedjem, un artesano que vivió en Deir el-Medina y que trabajó durante los reinados del faraón Seti I (segundo faraón de la XIX dinastía de Egipto, también conocido como Menmaatra Sethy) y del faraón Ramsés II (tercer faraón de la XIX dinastía de Egipto, también llamado Usermaatra Setepenra o Ramsés Meriamón).

Máscara de Iineferty

Descripción

Tiene una altura de 50 cm. Está fabricada en madera, pasta y pintura.

Se trata de una máscara funeraria de cartonaje que representa la cabeza idealizada de Iineferty.

En el rostro destacan las cejas negras marcadas, los ojos almendrados finamente delineados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón pronunciado.

Además lleva una peluca larga trenzada con bandas decorativas justo debajo del nivel de la barbilla y en la parte superior tiene un filete floral rematado por una flor de loto, símbolo egipcio del renacimiento.

También destaca como el rostro se encuentra enmarcado por mechones de cabello separados que terminan en coletas finas, una de las características de peinado de finales de las XVIII y XIX dinastías del Antiguo Egipto.

Aparte se puede observar como la parte inferior de la máscara tiene la forma de un collar floral que habría quedado sobre los hombros de Iineferty.

Para finalizar subrayar que originalmente la elegante Máscara de Iineferty estaba colocada sobre la cabeza de la momia de Iineferty, formando parte de su ajuar funerario.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Extremo de Correa Carolingio

El Extremo de Correa Carolingio es un extremo de correa datado aproximadamente entre los siglos VIII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Extremo de Correa Carolingio

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del anticuario británico, coleccionista de arte y filántropo Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.881 d.C. el Extremo de Correa Carolingio fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de arte de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria. 

Descripción

Tiene una longitud de 3 cm. Está fabricado en aleación de cobre y nielado.

Se trata del extremo de una correa de aleación de cobre, que presenta una lengüeta fundida con un extremo grande con un nudo.

Resalta como el extremo está ornamentado con una decoración geométrica fundida, aparte se observa como está enriquecida mediante tiras de plata cruciformes e incrustación nielada.

Además resaltar como se puede apreciar como en el extremo partido presenta tres remaches de sujeción con cabeza abovedada.

Para finalizar subrayar que es posible, según las notas manuscritas del registro del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), que el Extremo de Correa Carolingio antes de ser comprado por el anticuario británico, coleccionista de arte y filántropo Augustus Wollaston Franks., fuera propiedad del arqueólogo y coleccionista suizo Robert Forrer, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Estrasburgo (Francia).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Túnica Wari Teñida

La Túnica Wari Teñida es una túnica datada aproximadamente entre los siglos VII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Túnica Wari Teñida

Túnica Wari Teñida

Se conoce que la túnica proviene de la parte central de los Andes centrales, en el actual Perú.

También es conocido que perteneció a la colección de arte del abogado, coleccionista de arte y mecenas de arte estadounidense Arthur M. Bullowa.

Hasta que en el año 1.980 d.C. la Túnica Wari Teñida fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 91,8 cm y una anchura de 112,7 cm. 

Se trata de una túnica teñida en colores vivos con franjas de tonos: rojizos, azulados y morados. Aparte destacar que la túnica se encuentra tejida en pelo de camélido con un patrón geométrico formado por círculos concéntricos en colores dorados, amarillos y rojos que contrastan con los colores de las bandas.

También cabe resaltar que dentro de la sociedad wari las telas teñidas con colores vivos eran muy valoradas.

Con respecto a la composición destacar que el complejo proceso de producción de la Túnica Wari Teñida implicaba fruncir firmemente la tela, atar un hilo alrededor del frunce y sumergir la tela en el tinte.

Además enfatizar que la tela debajo de la atadura no absorbía el tinte, al soltar el nudo se revelaba un motivo en el color original, tejido en un color más claro.

Para finalizar subrayar que en la segunda mitad del primer milenio d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 1.000 d.C.), los pueblos Wari del Perú ejercieron una fuerte influencia cultural y política sobre las regiones costeras y montañosas del sur desde su ciudad capital (también denominada Wari, ubicada a unos pocos kilómetros al noroeste de la actual ciudad de Ayacucho, en Perú).

Es más destacar que introdujeron un estilo artístico distintivo, que en la actualidad se puede encontrar en cerámicas policromadas finas, adornos personales exquisitos elaborados con materiales preciosos, obras talladas en madera, concha y piedra, y especialmente en textiles.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mampara de Ventana Perforada

La Mampara de Ventana Perforada es una mampara datada aproximadamente en la segunda mitad del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.551 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte indio.

Mampara de Ventana Perforada

Mampara de Ventana Perforada

Lo primero que se conoce es que la mampara se encontraba en la colección de arte de "Vipasha, Ltd.", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.993 d.C. la Mampara de Ventana Perforada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 185,4 cm, una anchura de 130,3 cm, un espesor de 8,3 cm y un peso de 353,802 kg.

Se trata de una mampara de arenisca roja perforada y tallada que también se conoce con el nombre de jali, presenta forma rectangular con un patrón calado en toda la superficie.

Cabe resaltar que el jali permite la entrada de la luz y aire, al mismo tiempo que minimiza la lluvia y el sol, y proporciona refrigeración mediante ventilación pasiva.

Sobretodo destaca como el diseño calado está compuesto por un patrón de estrellas de cinco puntas y estrellas de ocho puntas con diseños lineales entrelazados en su interior, aparte se observa como cada estrella está representada dentro de una celosía que en su conjunto forma un patrón mayor de figuras geométricas.

A su vez se puede apreciar como el jali presenta una banda exterior decorada con un diseño de pequeñas cruces caladas. 

Además se cree que la mampara es una de un par que originalmente habría formado parte de una serie de ventanas colocadas en un pared, como lo sugiere el desgaste de un lado.

Con respecto a la composición resaltar que a lo largo del día, el movimiento de los patrones en silueta sobre el suelo realzaba el placer de su intrincada geometría.

Los agujeros tienen casi el mismo ancho o un poco menor que el grosor de la piedra, lo que proporciona al jali resistencia estructural.

Para finalizar subrayar la Mampara de Ventana Perforada se atribuye al reinado del emperador mongol de la India Abu'l-Fath Jalal-ud-din Muhammad Akbar (también conocido como Akbar o Akbar el Grande), cuando la piedra arenisca roja era el material de construcción favorito.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Anillo de Corona Wólof

El Anillo de Corona Wólof, también conocido como Bague de Couronne Wólof, es un anillo datado aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Anillo de Corona Wólof

Anillo de Corona Wólof

Se conoce que fue fabricado por los herreros del grupo étnico Wólof, que habitan en Senegal, Gambia y Mauritania.

En el siglo 1.963 d.C. el anillo fue comprado en Senegal, por la coleccionista e historiadora de arte Dra. Marian Ashby Johnson.

Hasta que en el año 2.012 d.C. el Anillo de Corona Wólof fue donado al Museo Nacional de Arte Africano Smithsonian, localizado en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 2,8 cm, una anchura de 2,4 cm y una profundidad de 2,8 cm. Está fabricado en aleación de plata bañada en oro.

Se trata de un anillo de oro compuesto por una banda que se curva en una sección central más grande y puntiaguda con una cúpula central, un borde trenzado y una superficie granulada.

Además se puede apreciar como la cúpula está ornamentada con círculos concéntricos de alambre retorcido y granulado. 

Los lados tienen un diseño en forma de lágrima de espacio negativo y los bordes se encuentran decorados con glóbulos colocados en círculos de alambre.

Aparte resaltar que el interior del anillo es de una chapa plana martillada, por lo que algunos investigadores creyeron en un primer lugar que el anillo podría estar fabricado en cobre y coloreado en oro.

Sin embargo trabajos de restauración y conservación determinaron que el anillo se encuentra fabricado en aleación de plata bañada en oro.

Para finalizar subrayar que se conoce que originalmente el Anillo de Corona Wólof perteneció a una mujer perteneciente a la alta sociedad wólof, siendo un símbolo de su jerarquía y poder.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte Africano Smithsonian, Estados Unidos de América.

Escudo de Mosaico Mixteca

El Escudo de Mosaico Mixteca es un escudo ceremonial datado aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Escudo de Mosaico Mixteca

Escudo de Mosaico Mixteca

Se conoce que fue encontrado en el interior de una cueva, ubicada en el municipio de Acatlán, ubicado en el estado de Puebla (también conocido como Estado Libre y Soberano de Puebla), en México.

Fue adquirido en el año 1.918 d.C. en México por el botánico y coleccionista de arte alemán Karl Albert Purpus.

Hasta que en el año 1.921 d.C. el Escudo de Mosaico Mixteca fue comprado el Museo Nacional de Indio Americano, perteneciente al Instituto Smithsoniano, localizado en la ciudad de Washington, DC. (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 32,5 cm, una anchura de 32,3 cm y un grosor de 2 cm. Está fabricado en turquesa, madera, piedra y resina de árbol, mediante las técnicas de tallado, mosaico y perforado.

Se trata de un escudo ceremonial con forma circular construido con aproximadamente catorce mil teselas de turquesa, gemas y otras piedras. Además alrededor del borde hay un total de veintiocho perforaciones que alguna vez pudieron haber albergado plumas.

En el anverso del escudo se puede observar como la escena central representa a una mujer que desciende de una banda celeste, siendo flanqueada por dos hombres ricamente vestidos que sostienen en sus manos bastones ceremoniales.

También destaca como la escena central se encuentra dentro de una banda exterior ornamentada con un patrón geométrico en forma de rueda.

Con respecto a la composición resaltar que la montaña curva debajo de los hombres y la mujer, es un signo de lugar jeroglífico conocido por los códices pintados y documentos históricos y hace referencia a Culhuacan, un sitio en el centro de México venerado como un lugar de origen mítico.

Es más enfatizar que el estilo y la iconografía del escudo siguen las convenciones pictóricas de los manuscritos pintados mixtecas.

Para finalizar subrayar que el Escudo de Mosaico Mixteca es uno de los pocos ejemplos sobrevivientes de un escudo ceremonial pertenecientes al arte mixteca.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Indio Americano, Estados Unidos de América. 

Tablero Ceremonial (Malu)

El Tablero Ceremonial (Malu) es un tablero datado aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Tablero Ceremonial (Malu)

Tablero Ceremonial (Malu)

Tablero Ceremonial (Malu)

Se conoce que fue esculpido por el pueblo de Sawos de la región del río Sepik, en la zona norte de Nueva Guinea.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista y marchante de arte estadounidense Julius Carlebach.

En el año 1.955 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América, Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.956 d.C. y 1.969 d.C. el tablero fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de Asia, América, África, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. el Tablero Ceremonial (Malu) fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Tablero Ceremonial (Malu)

Tablero Ceremonial (Malu)

Descripción

Tiene una altura de 190,5 cm, una anchura de 61 cm y un grosor de 16,5 cm. 

Está fabricado en madera, mediante las técnicas de incisión, tallado, calado, pulido y grabado.

Se trata de un tablero calado malu que presenta el anverso totalmente ornamentado con un diseño calado y en relieve.

Destaca como la cara central de éste objeto representa el corazón del escabajo sagú, un insecto de gran tamaño. Además están incorporados a la talla calada la figura de cuatro cálaos bicorne, como importantes aves totémicas.

Aparte resalta como la cara central del tablero representa el corazón del picudo rojo, una especia de coleóptero de la familia de los gorgojos y originario del Asia tropical, siendo un insecto de gran tamaño de entre dos y cinco centímetros.

También se puede observar como en la base aparece representado un cerdo, un animal de gran importancia social y ritual en toda Nueva Guinea.

Con respecto a la composición destacar que en el arte oceánico la compleja imaginería que se puede observar en el tablero incorpora formas de aves, mamíferos e insectos, muchos de los cuales representan especies totémicas.

Para finalizar subrayar que los tableros de malu calados, incluido el Tablero Ceremonial (Malu), del pueblo Sawos de Nueva Guinea son quizás la máxima expresión del estilo curvilíneo que caracteriza la talla de la región norte del río Sepik.

Además resaltar que aunque los tableros de malu fueron creados por el pueblo Sawos, se comercializan con el pueblo vecino Iatmul, que los utiliza en el contexto de las ceremonias de iniciación que marcan la transición de los niños a la edad adulta.

Es más resaltar que si un niño muere durante el proceso de iniciación, los tableros de malu se muestran a las mujeres del pueblo para indicar que ha ocurrido una muerte.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tumbas de los Julios

La Tumba de los Julios, también conocida como Tumba de Cristo Sole o Mausoleo "M", es una tumba datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y siglos IV d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Tumba de los Julios

Tumba de los Julios

Fue hallada de forma accidental en el año 1.574 d.C., cuando unos trabajadores rompieron accidentalmente el techo de la tumba, mientras realizaban algunas modificaciones en el piso de la Basílica Papal de San Pedro (también conocida como Basílica de San Pedro), ubicada en la Ciudad del Vaticano (Ciudad del Vaticano).

Siendo entonces cuando el interior de la tumba fue explorado y documentado brevemente el mausoleo antes de sellar la abertura una vez más.

Además cabe resaltar que la tumba pertenece a la necrópolis vaticana situada a una profundidad que varía entre los 5 y 12 metros de la actual Basílica de San Pedro.

Tumba de los Julios

Necrópolis Vaticana

Descripción

Tumba de los Julios

Se trata de un pequeño mausoleo compuesto por una única cámara con forma rectangular y techo abovedado que presenta los muros ornamentados con diferentes frescos y mosaicos. 

El techo abovedado tiene un mosaico que representa al dios Apolo (dios del Sol, de la música, de la poesía, profecía, belleza y juventud) como Jesucristo con una aureola montado en su carro y dentro de un marco de roleos de hojas de vid.

También hay otros mosaicos representados en las paredes como uno que representa la escena de Jonás devorado por la ballena y unos pescadores en un bote, haciendo referencia al pasaje bíblico de Jonás 1-4 .

Además destaca otro mosaico dónde aparece representado un hombre cargando en sus hombros un carnero, conocido como crióforo y que designa un tipo de representación iconográfica que conmemora el solemne sacrificio de un carnero.

Aparte cabe resaltar que aunque la forma y algunos elementos de la tumba son paganos, los mosaicos son cristianos, por lo que algunos investigadores creen que se trata de una tumba cristiana.

Para finalizar subrayar que según el historiador de arte italiano Tiberio Alfarano, quién copió minuciosamente el epitafio (en la actualidad perdido), la tumba fue construida por los padres del difunto Julio Tarpeiano, del que tan sólo se conoce que fue un niño pagano que vivió en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.).

Alfombra de Oración Otomana Ballard

La Alfombra de Oración Otomana Ballard es una alfombra datada aproximadamente entre los años 1.575 d.C. y 1.590 d.C., perteneciente al arte otomano.

Alfombra de Oración Otomana Ballard

Alfombra de Oración Otomana Ballard

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del escritor y coleccionista francés Edouard Chappey.

El 7 de junio del año 1.907 d.C. fue adquirido en la ciudad de París (Francia) por el industrial y coleccionista francés Félix Doistau.

En ese mismo año, 1.907 d.C., fue comprada por el empresario y coleccionista de arte estadounidense James Franklin Ballard.

Hasta que en el año 1.922 d.C. la Alfombra de Oración Otomana Ballard fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Alfombra de Oración Otomana Ballard

Descripción

Tiene una altura de 180,3 cm, una anchura de 136,5 cm y un grosor de 9,2 cm. 

Está tejida en seda (urdimbre y trama), lana y algodón anudado asimétricamente.

Se trata de una alfombra ornamentada con una puerta de entrada al paraíso de triple arco, con pares de columnas delgadas con bases facetadas y capitales foliados que separan los tres portales, colocados dentro de diferentes bandas exteriores de diferente grosor y ornamentadas con motivos vegetales y geométrico.

Una lámpara que simboliza la luz divina cuelga del arco central, y pequeñas cúpulas otomanas están claramente representadas en el parapeto superior, mientras que las flores en la base del arco central también indican que el paraíso espera al musulmán piadoso que cumple con los deberes religiosos que incluyen rezar cinco veces al día.

Estas delgadas columnas pareadas o emparejadas que aquí separan los tres portales no aparecen en la arquitectura otomana y su origen se ha considerado oscuro durante mucho tiempo.

Sin embargo estudios recientes sugieren que el diseño de columnas pareadas puede haberse originado en la España islámica, haberse extendido hacia el este, hacia la ciudad de El Cairo (Egipto) y la ciudad de Estambul (Turquía), junto con la emigración de los judíos sefardíes.

Puesto que se sabe que éstos refugiados de la España islámica fueron invitados por el sultán otomano y se establecieron en gran número en la ciudad de Estambul (Turquía) a principios del siglo XVI d.C..

Fue tejida con una técnica que se originó en la ciudad de El Cairo otomano y que luego fue utilizada en la ciudad de Estambul (Turquía), la alfombra estaba hecha con una urdimbre y trama de seda y un pelo de lana anudado asimétricamente con detalles en algodón blanco.

Su perfecta articulación de las esquinas, su exquisito dibujo, su tejido fino y sus costosos materiales indican claramente sus orígenes en un taller bajo control de la corte, dónde se fabricaban objetos de lujo para el consumo real o regalos reales.

Con respecto a la composición resaltar que tanto el tamaño como el diseño indican que la alfombra puede haber tenido dos funciones: primero, como tapiz que indica la qibla o dirección de la oración hacia La Meca en un palacio o residencia privada.

Y en segundo lugar, como un lugar ritualmente limpio para las oraciones islámicas diarias, durante las cuales los musulmanes primero se ponen de pie, luego se inclinan, se arrodillan y tocan brevemente el suelo con la frente en un gesto de humildad ante Alá.

Para finalizar subrayar que la Alfombra de Oración Otomana Ballard es una de las alfombras de oración para postracción más famosas del mundo.

Es más la combinación de las imágenes, su alta calidad y su tamaño relativamente pequeño sugieren que fue utilizada como alfombra de oración por un miembro de la élite cortesana otomana.

Aparte es una de las primeras alfombras que incluyen una entrada de triple arco y su diseño, probablemente originario del taller imperial otomano, ha servido como prototipo para incontables alfombras tejidas en ciudades, pueblos e incluso en campamentos nómadas en toda Anatolia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.