lunes, 31 de marzo de 2025

Don Quijote

Don Quijote, también conocido como Don Quijote y Sancho, es un boceto datado en el año 1.955 d.C., perteneciente al cubismo.

Don Quijote

Fue pintado por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso (más conocido como Pablo Picasso).

En julio del año 2.010 d.C. fue el crítico de arte y científico georgiano Dali Lebanidze, junto con otros críticos de arte georgianos, quieres afirmaron haber hallado el boceto original, perdido desde hace mucho tiempo.

El boceto apareció en la casa de una familia residente en la ciudad de Tiglis (Greorgia), quienes habían recibido el boceto de un familiar residente en el extranjero.

Aunque han sido realizados varios estudios y el crítico de arte y científico georgiano Dali Lebanidze llegó a la conclusión de que el boceto es el original.

No se ha publicado ningún dictamen científico, forense o crítico independiente que acrediten su autenticidad.

Fue en mayo del año 2.022 d.C. cuanto el coleccionista de arte e historiador de arte Keith Coppola hizó la afirmación de que había encontrado el boceto original, fechado el 11 de febrero de 1.955 d.C., en un una subasta de bienes.

Sin embargo hasta mayo del año 2.022 d.C. los intentos por autenticar su versión del Don Quijote por parte de los herederos del pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso han sido infructuosos.


Descripción

Se trata de un boceto que representa al caballero o hidalgo Don Quijote de la Mancha (también conocido como Alonso Quijano), a su caballo Rocinante, su escudero Sancho Panza y su asno Rucio, el sol y varios molinos de viento.

Resaltan las líneas gruesas, casi garabatos, que componen las figuras deformadas y dramáticas que destacan sobre un fondo blanco liso.

Un Sancho Panza representado pequeño y corpulento, mira a un Don Quijote alto y demacrado, quién a su vez mira al frente.

También se puede observar como Don Quijote y el caballo Rociante se yerguen nobles, pero con un aire algo cansado. 

Además por los trazos se piensa que la figura pintada con trazos gruesos parecen haber sido modificados mientras se pintaba el torso, los brazos y los hombros de Don Quijote.

Se puede apreciar como la cabeza está coronada por lo que sería el yelmo de Mambrino (yelmo ficticio fabricado en oro puro y con la propiedad de convertir en invulnerable a su usuario) unido a sus hombros por un cuello formado por una sola línea delgada.

Aparte resalta como en el rostro hay representado una nariz puntiaguda y una perilla larga e igualmente delgada.

También se observa como en la mano derecha lleva las riendas del caballo y una lanza, mientras que en la izquierda lleva un escudo circular.

En cuanto al caballo Rociante resaltar que está representado como piel y huesos, como lo describe Miguel de Cervantes. 

Sancho Panza está representado a la derecha esbozado mediante la misma línea formada por una masa negra que define el cuerpo redondo, sentado sobre el asno Rucio representado con un cuello largo y fibroso y las orejas finas y largas.

Con respecto a la composición resaltar que a pesar de que las dos figuras parecen estar representadas quietas, el boceto está lleno de movimientos por las líneas gruesas y trazos llenos de vitalidad.

Dando como resultado un efecto en el que los elementos oscuros del boceto han sido transformados por la mente de Don Quijote desde lo cotidiano hasta lo mítico.

Para finalizar subrayar que el boceto Don Quijote es ampliamente reconocido como una de las representaciones más destacadas de la legendaria figura literaria y un personaje popular en el arte.

Es más destacar que Don Quijote de la Mancha es una novela escrita por el novelista, poeta, dramaturgo y soldado español Miguel de Cervantes Saavedra y está considerada como la primera novela moderna, así como una de las mejoras obras de la literatura universal.

Actualmente el boceto Don Quijote se encuentra en paradero desconocido.

domingo, 30 de marzo de 2025

7 O’Clock NY

El 7 O’Clock NY es un objeto datado en el año 2.000 d.C., perteneciente al arte japonés.

7 O’Clock NY 

7 O’Clock NY 

7 O’Clock NY 

Fue elaborado por el profesor, escultor y artista japonés Nakagawa Mamoru (中川衛).

En el año 2.020 d.C. el 7 O’Clock NY fue donado por Hayashi Kaoru al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en conmemoración del 150 aniversario del museo.

7 O’Clock NY


Descripción

Tiene una altura de 35,2 cm, una anchura de 15,6 cm y un diámetro de 8,9 cm. 

Está fabricado en aleación fundida de cobre, plata y estaño con incrustaciones de cobre, oro y plata.

Se trata de un objeto con forma oblonga, cuya forma está inspirada en los rascacielos y las luces de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El anverso representa el paisaje urbano a las 7 de la mañana (7 a.m.), mientras que el reverso muestra la misma vista pero a las 7 de la tarde (7 p.m.).

También llama la atención como la parte superior presenta un borde ondulado simétrico, mientras que la parte inferior de la base presenta en color dorado el sello del artista.

Aparte resaltar que el 7 O’Clock NY fue expuesto del 8 de marzo del año 2.021 d.C. al 24 de abril del año 2.022 d.C. en la exposición "Japan: A History of Style" (Japón: Una historia del estilo), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Con respecto a la composición destacar como el objeto ha sido creado utilizando numerosos tipos de metal y aleaciones para crear una superficie vibrante y dinámica mediante segmentos cortados e incrustados con precisión.

Para finalizar subrayar que todos los derechos de reprodución del 7 O’Clock NY son de © Nakagawa Mamoru.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 29 de marzo de 2025

Colgante de Escudo con Dardos

El Colgante de Escudo con Dardos es un colgante datado aproximadamente entre los años 1.500 d.C. y 1.564 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Colgante de Escudo con Dardos

En la década de 1.970 d.C., un pescador de pulpos descubrió de manera accidental el colgante en la costa del Golfo de México, cerca de Veracruz.

Cabe destacar que también se descubrieron otros objetos y todos ellos, incluido el Colgante de Escudo con Dardos, conforman el Tesoro del Pescador.

Además resaltar que los investigadores piensan que el colgante proviene de una tumba mixteca localizada en Oaxaca, que fue saqueada por los españoles con la intención de enviarlo a España.

Desde el año 1.991 d.C. el Colgante de Escudo con Dardos fue adquirido por el Museo Baluarte de Santiago, ubicado en la ciudad de Veracruz (también conocida como Heroica Veracruz), en el estado de Veracruz (México).


Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm, una anchura de 8,3 cm y un grosor de 1 cm.

Se trata de un colgante de oro con compuesto por un medallón central con un escudo de guerra formado por tres pequeñas herraduras en la parte inferior, mientras que la parte superior está ornamentada con un patrón compuesto por cinco líneas horizontales concéntricas.

También el medallón presenta un borde granulado y el borde exterior está decorado con pequeñas anillas. Aparte está acompañado de cinco flechas emplumadas y en la parte inferior cuelgan ocho pequeños adornos con forma de lágrima que contienen pequeños cascabeles en su interior. 

Además las dos banderas en la parte superior presenta una marca compuesta por la letra "C" y una pequeña corona, lo que significa que éste adorno fue registrado por los españoles y que estaba destinado a lo que se conoce como el quinto real, es decir, el 20% del botín que se debía al rey español.

Con respecto a la composición destacar que el Colgante de Escudo de Dardos es uno de los pocos objetos que han sobrevivido y dan testimonio de la maestría de los orfebres mixtecas. 

Para finalizar subrayar que existe una historia que explica por qué se conservan tan pocos ejemplos de orfebrería mesoamerica.

Cuando los españoles conquistaron América, saquearon todo el oro que encontraron para enviarlo de vuelta a España. Se conoce que el oro se fundía y se embarcaba en forma de lingotes, en bruto.

Los investigadores piensan que el Colgante de Escudo con Dardos probablemente se salvó de ser fundido inmediatamente porque estaba muy bien elaborado.

Posiblemente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) el colgante iba de camino a España cuando el barco que lo transportaba se hundió.

Es más los investigadores tienen la certeza de que si el Colgante de Escudo con Dardos hubiera llegado a España, no habría sobrevivido, puesto que seguro hubiera sido fundido para las eternas campañas militares en Europa y el extranjero.

Actualmente se encuentra en el Museo Baluarte de Santiago, México.

viernes, 28 de marzo de 2025

Wind in the Lotus at Yeast Courtyard

Wind in the Lotus at Yeast Courtyard es una fotografía datada en el año 2.004 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

Wind in the Lotus at Yeast Courtyard

Fue tomada por la fotógrafa estadounidense Lois Conner.

En el año 2.012 d.C. Wind in the Lotus at Yeast Courtyard fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 89,9 cm y una anchura de 35,7 cm. Está realizada en impresión en tinta pigmentada.

Se trata de una fotografía que presenta una vista estrecha del Lago del Oeste (conocido como 西湖 o xī hú).

Ubicado en el centro de la ciudad de Hangzhou (杭州), localizada en la provincia de Zhejiang (浙江), en China (中国).

Destaca como la extensión de anchas hojas y flores de loto que se extienden casi hasta la cima de la composición evoca la descripción que el poeta de la dinastía Song del Sur, Yang Wanli (楊萬里) hizo del Lago del Oeste en verano.

Siendo la descripción la siguiente:

"Las hojas de loto,

extendiéndose hasta el cielo,

forman una extensión infinita de verde.

Las flores de loto,

que reflejan la luz del sol,

son extraordinariamente rojas"

También resalta que la alta línea del horizonte, marcada por el arco del Puente Dongpu, enfatiza la vasta extensión de plantas que han ocultado por completo la vista del agua.

Con respecto a la composición resaltar que la fotografía tomada la fotógrafa estadounidense Lois Conner, representa la influencia de la artista por el formato y la temática de la pintura tradicional china. 

Para finalizar subrayar que la fotografía Wind in the Lotus at Yeast Courtyard  muestra uno de los paisajes más famosos de China.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 27 de marzo de 2025

Chac Mool

Chac Mool es una escultura datada aproximadamente entre los años 800 d.C. y 1.250 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Chac Mool
Chac Mool

Se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el estado de Yucatán, ubicado en el golfo de México.

En el año 1.966 d.C. Chac Mool pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Regional de Antropología de Yucatán, localizado en la ciudad de Mérida, en el estado de Yucatán (México).



Descripción


Tiene una altura de 92,7 cm, una anchura de 104,1 cm, un grosor de 56,5 cm y un peso de 544.310844 kg. Está esculpido en piedra, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento que representa una figura masculina reclinada sosteniendo un cuenco sobre el torso.

En el rostro cuadrado destaca la mandíbula ancha y angular, los ojos almendrados presentan cavidades vacías que originalmente podrían haber contenido incrustaciones, la nariz puntiaguda y la boca representada mediante una fina incisión horizontal.

Está adornado con un tocado ornamentado con motivos geométricos, orejeras redondas, brazales y tobilleras, todos ellos representadas como si estuvieran fabricados en jade.

También cabe destacar que se piensa que el cuenco que sostiene sobre su torso servía como un receptáculo para los líquidos vertidos durante sacrificios y ofrendas quemadas.

Además podrían haber sido un símbolo de los cenotes, es decir, un símbolo de las cavidades semi-circulares o circulares que se inundaban de agua y que se pueden encontrar en la península de Yucatán.

Aparte se puede apreciar como toda la escultura reposa sobre un pedestal con forma rectangular elaborado del mismo material.

Para finalizar subrayar Chac Mool fue prestado al Museo J.Paul Getty. para ser expuesto desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos dorados: lujo y legado en la antigua América).

También fue prestado desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. para ser expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos dorados: lujo y legado en la antigua América), llevada a cabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Regional de Antropología de Yucatán, México.

miércoles, 26 de marzo de 2025

Maebyeong Decorado con Lotos

El Maebyeong decorado con Lotos, también conocido como 청자 철화 연꽃 무늬 매병 고려 o 靑磁鐵畫蓮花文梅甁 高麗, es un recipiente datado aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Maebyeong decorado con Lotos

Maebyeong decorado con Lotos

En concreto fue elaborado durante la dinastía Goryeo (período de la historia de Corea comprendido entre los años 918 d.C. y 1.392 d.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció al coleccionista de arte estadounidense Desmond FitzGerald.

Formando parte de la colección de arte "Collection of Desmond FitzGerald", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Entre el 22 y 23 de abril del año 1.927 d.C. fue vendido dentro del lote 409 en la subasta de arte: "Chinese and Korean Potteries and Porcelains: Collection of Desmond FitzGerald" (Cerámicas y porcelanas chinas y coreanas: Colección de Desmond FitzGerald).

Siendo el Maebyeong decorado con Lotos comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Maebyeong decorado con Lotos



Descripción

Tiene una altura de 26,7 cm. Está elaborado en gres con diseño marrón hierro bajo vidriado celadón.

Se trata de una vasija coreana conocida con el nombre de maebyeong, presenta un borde pequeño y ligeramente curvado, un cuello corto, hombros redondeados y cuerpo estrecho que se ensancha ligeramente en la base.

Además destaca como la superficie exterior se encuentra totalmente ornamentada con el mismo diseño representado tres veces.

El diseño presenta en el centro una flor de loto abierta, en la parte inferior hay un patrón de hojas, el mismo patrón que en la parte superior y encima de la flor de loto hay un motivo de enredadera.

Con respecto a la composición destacar que el pigmento de hierro de la vasija agrega un tinte amarillo al esmalte de celadón.

Para finalizar subrayar que el Maebyeong decorado con Lotos presenta un estilo de diseño similar a los recipientes de hierro pintados en los hornos de Cizhou durante la dinastía Song (宋朝) (dinastía gobernante en China entre los años 960 d.C. y 1.279 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 25 de marzo de 2025

Tablilla Cuneiforme: Texto Gramatical Babilónico Tardío

La Tablilla Cuneiforme: Texto Gramatical Babilónico Tardío es una tablilla datada aproximadamente en el I milenio a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte babilónico.

Tablilla Cuneiforme: Texto Gramatical Babilónico Tardío
Tablilla Cuneiforme: Texto Gramatical Babilónico Tardío

Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada cerca de la ciudad de Hilla (también conocida como Al-Hilla), localizada sobre el río Éufrates, en el centro de Irak.

Lo primero que se conoce que estuvo en posesión del clérigo, editor y orientalista estadounidense William Hayes Ward.

Hasta que en el año 1.886 d.C. la Tablilla Cuneiforme: Texto Gramatical Babilónico Tardío fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.



Descripción


Tiene una altura de 8,1 cm, una anchura de 6,5 cm y un grosor de 2,2 cm. 

Se trata de una tablilla de arcilla con forma rectangular del período babilónico tardío que presenta una incisión en su anverso y reverso, con entradas grabadas en sumerio en la columna izquierda y su traducción en idioma acadio en la derecha.

Además resaltar que la inscripción demuestra los continuos esfuerzos por dominar la escritura y las lenguas antiguas de Mesopotamia.

Cabe destacar que el contenido de las cuarenta y siete líneas es algo heterogéneo, incluyendo cláusulas imperativas, partículas como "no" y números.

Se conoce que en la época en que se escribió éste texto el idioma sumerio ya hacía tiempo que había desaparecido y el idioma acadio, que en su día se hablaba ampliamente en el antiguo Oriente Próximo, fue reemplazado cada vez más por el idioma arameo.

Aparte se puede observar como al final de la tablilla se menciona el nombre del escriba que escribió el texto.

También destacar que la invención de la escritura, aproximadamente en el año 3.300 a.C., fue uno de los muchos avances en la tecnología administrativa, incluyendo el uso de fichas geométricas para contar y sellos cilíndricos para garantizar las transacciones, que acompañaron el crecimiento de las primeras ciudades y estados del sur de Mesopotamia.

La escritura protocuneiforme es el nombre que se le da a la forma más antigua de escritura: pictogramas dibujados sobre tablillas de arcilla.

Es más gradualmente los pictogramas se fueron abstrayendo en signos cuneiformes que se grababan en lugar de dibujarse. 

En su máxima extensión, la escritura cuneiforme se utilizó desde la costa mediterránea de Siria hasta el oeste de Irán y desde la Anatolia hitita hasta el sur de Mesopotamia.

Se adaptó para escribir al menos en quince idiomas diferentes, siendo el último texto cuneiforme datado aproximadamente en el año 75 d.C., aunque es probable que la escritura continuara utilizándose durante los dos siglos siguientes.

Para finalizar subrayar que entre el 18 de marzo y el 23 de junio del año 2.019 d.C. la Tablilla Cuneiforme: Texto Gramatical Babilónico Tardío fue expuesta en la exposición "The World between Empires: Art and Identity in the Ancient Middle East" (El mundo entre imperios: Arte e identidad en el antiguo Oriente Medio), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 24 de marzo de 2025

Fragmento de Relieve con Aves Acuáticas

El Fragmento de Relieve con Aves Acuáticas es un fragmento de relieve datado aproximadamente entre los años 2.020 a.C. y 2.000 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Fragmento de Relieve con Aves Acuáticas
Fue esculpido en el Imperio Medio del Antiguo Egipto (período comprendido entre los años 2.040 a.C. y 1.782 a.C.).

En concreto durante la XI dinastía del Antiguo Egipto (período comprendido entre los años 2.160 a.C. y 1.990 a.C.).

Fue hallado en el año 1.906 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el Templo Funerario de Mentuhotep II.

Edificado en el complejo funerario de Deir el-Bahri, situado en la ribera occidental del río Nilo, frente a la antigua ciudad de Tebas (Egipto).

Las excavaciones fueron llevadas a cabo por el egiptólogo suizo Édouard Naville, qué trabajaba para el "Egypt Exploration Fund" (Fondo para la Exploración de Egipto) (organización e institución cultural creada para excavar y explorar las regiones que comprenden Sudán y Egipto).

En el año 1.906 d.C. el Fragmento de Relieve con Aves Acuáticas fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) como agradecimiento por el apoyo dado en las excavaciones.



Descripción


Tiene una altura de 38 cm y una anchura de 33 cm. Está fabricado en piedra caliza policromada, mediante las técnicas de incisión, grabado, pintado y tallado.

Se trata de un fragmento de un gran relieve que representa aves atrapadas en una red de aparejo colocada por los cazadores del faraón.

Destaca como la malla de la red aparece pintada de blanco amarillento contra los cuerpos de los pájaros, cuyo color uniformemente marrón y amarillo se debe presumiblemente a una capa de pintura en la época ramésida (período histórico del Antiguo Egipto que abarca las XIX y XX Dinastías del Imperio Nuevo).

Originalmente se cree que el Fragmento de Relieve con Aves Acuáticas podría haber estado ubicado en una de las columnatas superiores del Templo Funerario Mentuhotep II.

Para finalizar subrayar que se conoce que el Templo Funerario Mentuhotep II, visto desde su jardín formal frontal, presentaba la apariencia de una estructura escalonada por una "colina primigenia" central con forma de cubo, en cuya cima pudo haber existido una pirámide.

El "cubo" central estaba rodeado por sus cuatro lados por salas con pilares. Más al oeste, excavado en roca, se encontraba un patio abierto y la sala hipóstila más antigua de Egipto.

En el extremo occidental de ésta sala, un nicho albergaba una escultura colosal del faraón y frente a él estaban muros de protección que albergaban un pequeño santuario con un altar.

Los relieves de la sala hipóstila estaban tallados en piedra arenisca, mientras que relieves de caliza decoraban las salas con pilares alrededor del "cubo" central y los pórticos superior e inferior.

Además destacar que el templo estaba dedicado al culto del difunto faraón Mentuhotep II, la deidad solar del Alto Egipto, Montu-Ra y en su fase tardía al emergente dios Amón-Ra (dios creador del mundo y de todos los seres).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 23 de marzo de 2025

Deux Enfants Lisant

Deux Enfants Lisant, también conocido como Two Girls Reading o Dos Niñas Leyendo, es una pintura datada el 28 de marzo del año 1.934 d.C., perteneciente al cubismo.

Deux Enfants Lisant

Fue pintado por el escultor y pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso).

En el año 1.994 d.C. Deux Enfants Lisant pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte de la Universidad de Michigan, localizado en la ciudad de Ann Arbor, en el estado de Michigan (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 110,17 cm, una anchura de 89,38 cm y un grosor de 7,62 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a dos chicas, representadas con llamativas formas geométricas y colores sólidos (uniformes, sin degradados, sombras o luces), que están leyendo un libro juntas.

La figura sentada a la izquierda, ligeramente más alta, es de color verde y viste de amarillo, mientras que la figura representada a la derecha tiene el rostro azul y blanco, se encuentra vestida de rojo y apoya las manos entrelazadas sobre un libro abierto.

Los investigadores piensan que la figura de la izquierda es, sin duda, la modelo francesa y amante de Pablo PicassoMarie-Thérèse Walterl, a la edad de veintitrés años que dio a luz un año y medio después de la finalización de la pintura, a la hija del artista Maya Widmaier-Picasso.

Mientras que la identidad de la figura representada a la derecha es menos clara.

Para algunos investigadores piensan que se trata de la representación de la hermana de Marie-Thérèse Walterl, pero otros afirman que se trata de la primera esposa de Pablo Picasso, la bailarina del Imperio Ruso de la compañía Ballets Rusos Olga Stepánovna Jojlova (también conocida como Olga Jojlova, después Olga Picasso).

Aunque cabe enfatizar que si la modelo era la bailarina rusa Olga Jojlova es muy improbable que posara para la pintura junto con la modelo francesa Marie-Thérèse Walterl, puesto que ambas eran rivales por el afecto de Pablo Picasso.

Incluso se considera que puede ser un retrato imaginario que involucraba a dos mujeres de rasgos opuestos, pero complementarios: una fría y controladora, rubia y de piel claro y la otra morena, excitable y sensual.

Con respecto a la composición resaltar que la escena sugiere intimidad, pero las formas distorsionadas y los colores vibrantes evocan distancia y separación, confiriendo a la composición una atmósfera melancólica.

Además destacar que la pintura muestra la fascinación del artista por el tema de las mujeres en sus actividades cotidianas, unidas por su capacidad de transmitir simultáneamente intensidad y reflexión.

Para finalizar subrayar que en el año 2.002 d.C. Deux Enfants Lisant formo parte de la exposición "Picasso: Masterworks of the Collection" (Picasso: Colección de las Obras Maestras), ocurrida en el Museo de Arte de la Universidad de Michigan (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Estados Unidos de América.

sábado, 22 de marzo de 2025

Vista del Taj Mahal, firmada por Koodrutoollah

La Vista del Taj Mahal, firmada por Koodrutoollah es una pintura datada en el año 1.880 d.C., perteneciente al arte indio.

Vista del Taj Mahal, firmada por Koodrutoollah

Fue pintada por el dibujante indio Koodrutoollah, en la ciudad de Lucknow, ubicada en el estado de Uttar Pradesh (India).

Se conoce que estuvo en posesión del comerciante de arte islámico e indio de la ciudad de Londres (Gran Bretaña), Simon Ray.

En el año 2.002 d.C. fue adquirida por el marchante de arte Carlton Rochell.

Formando parte su la colección de arte expuesta en su galería de arte "Carlton Rochell Asian Art", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.024 d.C. la Vista de Taj Mahal, firmada por Koodrutoollah fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 67,3 cm y una anchura de 98,4 cm. Está pintado en acuarela, pluma y tinta sobre papel.

Se trata de una acuarela que representa el mausoleo del Taj Mahal, mandado construir por el quinto emperador mongol de la India Sha Jahan I (también conocido como Shihab al-Din Muhammad Kurram) en honor a la que fue su cuarta esposa Arjumand Banu Begum (también conocida como Mumtaz Mahal), después de que falleciera durante el parto de su decimocuarto hijo, una niña llamada Gauhara Begum.

Destaca el mausoleo edificado en mármol blanco, simétrico, con un iwán (puerta en forma de arco) coronado por una cúpula bulbosa con el tercio superior ornamentado con un anillo de flores de loto en relieve y un remate con una aguja dorada que termina en una luna creciente.

Además se aprecia como todo el mausoleo descansa sobre un pedestal cuadrado que presenta en cada esquina un minarete que complementa y realza el conjunto.

Se puede observar como la fachada está ornamentada con diferentes motivos compuestos por: caligrafía, elementos geométricos abstractos y motivos vegetales.

En la parte superior central se puede leer la siguiente inscripción:

"EL TAJ AGRA"

También está firmado y fechado en la esquina inferior izquierda, en la que se puede leer:

"Dibujado por Koodrutoollah

Oficina de Ingeniería Superior

Comandante Presdy y Oudh, M.W.

15 de febrero de 1880"

Y enfatizar que dentro de líneas negras presenta la siguiente marca de agua:

"J WHATMAN 1875"

Con respecto a la composición resaltar que ésta pintura se caracteriza por una mezcla de estilos europeos e indios.

La nítida perspectiva lineal de ésta obra se inspira en dibujos de ingeniería europeos y refleja el auge de la fotografía a mediados del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.845 d.C. y 1.855 d.C.).

Mientras tanto, la aptitud de los indios mongoles para el detalle meticuloso queda reflejado en las incrustaciones florales y caligráficas de piedra dura intrincadamente representadas en la fachada del edificio.

Para finalizar subrayar que la Vista del Taj Mahal, firmada por Koodrutoollah se encuentra considerado el ejemplo más célebre de la arquitectura indo-islámica.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 21 de marzo de 2025

The Tetons and the Snake

The Tetons and the Snake es una fotografía datada en el año 1.942 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

The Tetons and the Snake

Fue tomada por el fotógrafo estadounidense Ansel Easton Adams (también conocido como Ansel Adams). 


Descripción

Se trata de una fotografía en blanco y negro tomada en el parque nacional Grand Teton National Park (Parque Nacional de Grand Teton).

Ubicado al noroeste del estado de Wyoming (Estados Unidos de América). 

La fotografía ha sido tomada desde una perspectiva elevada y muestra el río Snake en un valle montañoso.

Resalta como la iluminación muestra un gran río que serpentea desde la esquina inferior derecha hasta el centro izquierdo de la imagen.

Mientras árboles perennes oscuros cubren la empinada orilla izquierda del río y árboles caducifolios más claros cubren la orilla derecha.

Aparte en la mitad superior del encuadre se puede apreciar una alta cordillera oscura pero claramente cubierta del nieve.

El cielo está nublado en algunas partes, pero solo parcialmente nublado en otras, y el sol brilla a través de él, iluminando la escena y reflejándose en el río en éstos lugares.

Para finalizar subrayar que una impresión de la fotografía se vendió el 14 de diciembre del año 2.020 d.C. en la subasta realizada por la casa de subastas "Sotheby's de Nueva York" (Estados Unidos de América), siendo comprada por un precio de 988.000 dólares y convirtiéndose en el precio más alto jamás alcanzado por una obra del fotógrafo estadounidense Ansel Adams.

Además destacar que The Tetons and the Snake es una de sus fotografías más conocidas y aclamadas por la crítica.

También resaltar que existen impresiones de The Tetons and the Snake en las colecciones de varios museos de arte como:

- National Gallery of Art (Galería Nacional de Arte) en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América).

- Philadelphia Museum of Art (Museo de Arte de Filadelfia), en el estado de Pensilvania (Estados Unidos de América).

- J. Paul Getty Museum (Museo J. Paul Getty) de la ciudad de Los Ángeles, en el estado de California (Estados Unidos de América).

- University of Michigan Museum of Art (Museo de Arte de la Universidad de Michigan) en la ciudad de Ann Arbor, en el estado de Michigan (Estados Unidos de América).

jueves, 20 de marzo de 2025

Botella Verde Dorada

La Botella Verde Dorada es una botella datada aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte indio.

Botella Verde Dorada

Se conoce que la botella estaba en posesión del comerciante de arte iraní Saeed Motamed, formando parte de su colección ubicada en la ciudad de Frankfurt, en Alemania.

Hasta que en el año 1.975 d.C. la Botella Verde Dorada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 14,5 cm y una anchura de 5,1 cm. 

Está fabricada en vidrio verde, soplado en molde, dorado y plateado.

Se trata de una botella de vidrio compuesta por una base cuadrada, un cuerpo cuadrado, un cuello con forma bulbosa y la boca alargada.

Destaca como el toda la superficie de la botella se encuentra ornamentada con detalles con forma geométrica dorados y decoración con formas florales y de hojas, que contrastan sobre un fondo compuesto por un patrón circular. 

Con respecto a la funcionalidad destacar que se piensa que originalmente la botella era utilizada como un difusor de perfume, es decir, un recipiente utilizado como difusor de aromas.

Para finalizar subrayar que la Botella Verde Dorada cuadrada proviene de vasijas moldeadas holandesas y alemanas, que habrían sido importadas después de que la Compañía Holandesa de las Indias Orientales estableciera una fábrica comercial en el año 1.618 d.C. en el estado federado de Gujarat (India).

Es más se conoce que a mediados del siglo XVIII d.C. el artesano gujarati Ram Singh Malan, que regresó a la India tras una estancia en Holanda, abrió una próspera fábrica de vidrio en la ciudad de Bhuj (India).

Con el apoyo de su mecenas, el gobernante del reino de Kutch Maharao Lakha, dio lugar a la producción de numerosas piezas de cristalería fina en la región.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 19 de marzo de 2025

Montura para Cuerno de Beber

La Montura para Cuerno de Beber es una montura datada aproximadamente entre los siglos VII d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte celta.

Montura para Cuerno de Beber

Montura para Cuerno de Beber

Fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Lismore, ubicada en el condado de Waterford, localizado en la provincia de Munster, al sureste de Irlanda.

Montura para Cuerno de Beber

Se conoce que se encontraba en posesión del coleccionista de arte y relojero británico Underwood.

Hasta que en el año 1.853 d.C. la Montura para Cuerno de Beber fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Montura para Cuerno de Beber

Montura para Cuerno de Beber


Descripción

Tiene una longitud de 9 cm y un diámetro de 1,50 cm. Está fabricado en aleación de cobre, mediante las técnicas de fundición, incisión, grabado y perforación.

Se trata de una montura terminal de cuerno para beber con forma de cabeza de animal, similar a la de un ave con un largo pico.

Destaca como el receptáculo se estrecha en el interior, mientras que el exterior se encuentra ornamentado con un collar con bandas y un par de ranuras. También presenta en el borde dos orificios para remaches.

Aparte se puede apreciar como el receptáculo sostiene una cabeza redonda con un enorme hocico biselado, abierto por la mitad y rematado en una protuberancia con espiral.

Las mandíbulas, similares a las de un tucán, se encontraban originalmente unidas por dientes a lo largo de parte de su longitud.

Los ojos de éste pájaro tienen una forma humana estilizada, mientras que dos espirales continuas decoran cada mejilla redondeada y unas nítidas marcas de punzón cónicas recorren las mejillas desde la parte superior hasta la inferior del pico, así como la parte superior e inferior.

Con respecto al estado de conservación destacar que toda la superficie desgastada no muestra signos de dorado, mientras que en el resto de la superficie hay rastros de dorado.

Para finalizar subrayar que se conoce que originalmente la Montura para Cuerno de Beber decoraba una importante pieza del mobiliario domestico celta, en una sociedad donde los festines y las celebraciones formales desempeñaban un papel fundamental.

En concreto en poemas heroicos celtas éste tipo de uso de monturas se refieren con frecuencia a los festines conmemorativos por victorias y al uso de cuernos para beber hidromiel (también conocido como aguamiel) y vino.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

martes, 18 de marzo de 2025

Botella del Guerrero Zorro

La Botella del Guerrero Zorro es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos IV d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Botella del Guerrero Zorro

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la coleccionista israelí Judith Riklis, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.983 d.C. la Botella del Guerrero Zorro fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 26,7 cm, una anchura de 15,2 cm y un diámetro de 23,5 cm. 

Se trata de una botella con pico de estribo que representa un zorro antropomorfo con atributos humanos representados en tres dimensiones.

La tapa tridimensional de la botella puede interpretarse como una maza de guerra zoomorfa o como un guerrero zorro con un tocado en forma de maza bajo la barbilla.

Además se puede observar un ramillete de frutas o tubérculos, quizás pimientos, que se modela en la parte superior de la maza.

Desde el cuello de la botella hasta la circunferencia de la cámara, con forma globular, hay pintados con engobe rojo mazas, lanzas y cordones de cascos, mientras que la parte inferior de la cámara es lisa y no presenta decoración.

Aparte cabe resaltar que las imágenes en la Botella del Guerrero Zorro de las armas conmemoran la guerra, un tema recurrente dentro del arte moche.

Con respecto a la composición subrayar que la botella con pico de estribo era un tipo de recipiente muy utilizado en la costa norte de Perú durante aproximadamente unos 2.500 años.

Aunque el simbolismo de ésta forma distintiva no está claro, algunos investigadores piensan que el pico de estribo podría haber evitado la evaporación de líquidos, pero otros creen que simplemente la forma habría sido utilizada como un asa práctica.

Para finalizar subrayar que se conoce que los zorros se representan a menudo como guerreros en el arte moche y el papel de los zorros en la religión moche podría derivar de su comportamiento en la naturaleza.

Los zorros cazan y capturan presas pequeñas, de forma similar a como los guerreros moche luchaban y capturaban prisioneros.

También se piensa que los zorros podrían estar asociados con el mundo de los muertos, ya que son principalmente nocturnos y viven en madrigueras subterráneas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 17 de marzo de 2025

Composición Caligráfica Monumental

La Composición Caligráfica Monumental es un panel calígrafo datado en el año 1.859 d.C., perteneciente al arte otomano.

Composición Caligráfica Monumental

En la década del año 1.970 d.C. se encontraba en la galería de arte "Carré Rive Gauche", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.979 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de Jean-Claude Carole Lubtchansky.

En el año 2.021 d.C. fue adquirido por el marchante de arte y reconocido experto en arte indio e islámico Alexis Renard, pasando a formar parte de la colección de arte de se su galería de arte ubicada en la isla de Saint Louis, localizada en pleno corazón de la ciudad de París, en Francia.

Hasta que en el año 2.024 d.C. la Composición Caligrafía Monumental fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 57 cm y una anchura de 149 cm. Esta elaborado en tinta y oro sobre papel.

Se trata de un panel caligráfico individual con forma rectangular, que presenta una composición caligráfica que combina dos estilos: la cúfica geométrica cuadrada y la escritura especular Muthanna (es decir, la técnica de escribir en espejo, donde la composición en la izquierda refleja a la de la derecha).

Además destacar que ejemplifica la maestría de la caligrafía, considerada una forma de arte de gran prestigio en todo el Imperio Otomano.

También cabe destacar que a partir del siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), los paneles caligráficos individuales como la Composición Caligráfica Monumental se popularizaron en el reino otomano.

Aparte las inscripciones buscan reforzar el valor religioso e incluyen la inscripción: "Gloria a Alá" en la caligrafía especular central, flanqueada por versículos del Corán inscritos en los paneles cúficos cuadrados geométricas.

En un panel rectangular situado bajo la caligrafía central en espejo y en letra cursiva más pequeña se puede leer lo siguiente:

"Estas tres caligrafías fueron pintadas para el Mihrab de Uthman en la Mezquita del Profeta, bajo el reinado de al-Ashraf Qā'itbay al-Mahmūdī (Sultán Mameluco) en el año 888. 

Posteriormente, por orden del Sultán Abdülmecid, hijo del Sultán Mahmūd, en el año 1276, se realizó una copia, similar en forma y composición. 

Su composición fue dirigida por el eminente ‘Abd Allah Zamzamī"

Para finalizar subrayar que dentro del arte otomano éstos paneles suelen ser de tamaño monumental, ya que estaban destinados a colgarse en las paredes de las casa o palacios de personas adineradas, así como en edificios públicos religiosos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 16 de marzo de 2025

Pectoral Vicús

El Pectoral Vicús está datado aproximadamente entre los años 100 a.C. y 500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte vicús.

Pectoral Vicús

Pectoral Vicús

Lo primero que se conoce es que el pectoral formaba parte de la colección de Juan Luis Pereira, ubicada en la ciudad de Lima, en Perú.

En el año 1.972 d.C. el pectoral fue comprado por el coleccionista y abogado Arnold I. Goldberg, pasando a formar parte de la colección de arte "Collection of Arnold I. Goldberg".

En el año 1.976 d.C., por herencia la "Collection of Arnold I. Goldberg", junto con el pectoral, paso a ser propiedad de su esposa Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.987 d.C. el Pectoral Vicús fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Pectoral Vicús

Pectoral Vicús


Descripción

Tiene una altura de 44 cm y una anchura de 33 cm.

Se trata de un pectoral de cobre ancho en la parte superior y que va estrechándose hacia una base redondeada, también se puede apreciar como presenta tres perforaciones en la parte superior semicircular, posiblemente para la suspensión de otros adornos.

Aparte los investigadores piensan que las esquinas superiores izquierda y derecha ya se encontraban dobladas en la antigüedad.

Para finalizar subrayar que se conoce que la costa de Piura, cerca de la actual frontera peruana con Ecuador, fue el hogar de la sociedad vicús.

Allí, los orfebres expertos vicús sobresalían en la creación de adornos mediante la técnica del repujado, que consiste en cortar una lámina de metal martillada y trabajarla desde atrás para lograr diseños en relieve, a menudo con felinos y aves, aunque otras obras, como el Pectoral Vicús, no presentan adornos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 15 de marzo de 2025

Virgen Velada

La Virgen Velada es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.850 d.C. y 1.856 d.C., perteneciente al romanticismo.

Virgen Velada

Virgen Velada

Fue esculpida por el escultor italiano Giovanni Strazza.

Se conoce que la escultura fue adquirida en la ciudad de Roma (Italia) por el obispo canadiense John T. Mullock.

El 4 de diciembre del año 1.856 d.C. la escultura llegó a la colonia inglesa de Terranova (Canada), siendo conservada en el Palacio Episcopal, junto a la Basílica-Catedral de San Juan Bautista en Saint John's, ubicada en la ciudad de San Juan de Terranova, localizada en la provincia de Terranova y Labrador, situada en el extremo oriental de la península de Avalon, en la isla de Terranova (Canada)

En el año 1.892 d.C. el obispo canadiense John T. Mullock donó la escultura a la Superiora del Convento de la Presentación la Madre María Magdalena O'Shaughnessy.

Pasando la escultura a estar al cuidado de las Hermanas del Convento de la Presentación de la Santísima Virgen María de San Juan (también llamadas San Juan de Terranova), en la Plaza de la Catedral (Canada), dónde se puede visitar con cita previa.

Virgen Velada

Virgen Velada


Descripción

Tiene una altura de 48 cm. Está esculpida en mármol de Carrara, mediante las técnicas de tallado, incisión, pulido y grabado.

Se trata de un busto que representa a la madre de Jesús de Nazaret, la Virgen María como una mujer joven velada, es decir, que su cabeza ha sido tapada con un fino velo.

Llama la atención como el cabello largo se encuentra trenzado y recogido en un elegante moño que le despeja el rostro.

La cabeza se encuentra representada ligeramente inclinada hacia delante rezando. Además se puede apreciar como en el rostro destacan los ojos almendrados cerrados, la nariz recta y los labios carnosos.

Con respecto a la composición llama la atención como los rasgos faciales y las trenzas del cabello son claramente visibles a través del velo traslúcido de piedra.

Es más enfatizar como el velo con las ondas fluidas y ligeras que ocultan el rostro de la virgen han logrado transmitir una ambivalencia entre serenidad y sensualidad.

También resaltar el dominio de la técnica de corte del mármol del artista, puesto que ha logrado destacar un efecto del contraste entre la flexibilidad y ligereza de un velo con la dureza del material empleado.

Para finalizar subrayar que en el contexto del "Risorgimento" (también conocido como "unificación de Italia" es el movimiento político y social del siglo XIX d.C. que culminó con la creación del Reino de Italia) la Virgen Velada simbolizaba una Italia unificada.

Actualmente se encuentra en el Convento de la Presentación de la Santísima Virgen María de San Juan, Canada.

viernes, 14 de marzo de 2025

Magdalena Penitente

La Magdalena Penitente, también conocida como La Bella Alemana o Santa María Magdalena, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.515 d.C. y 1.520 d.C., perteneciente al arte gótico.

Magdalena Penitente

Magdalena Penitente

Magdalena Penitente

Fue esculpida por el escultor alemán Gregor Erhart.

Se piensa que la escultura procede de la Iglesia de Santa María Magdalena del convento dominico de Augsburgo, ubicado en la ciudad de Augsburgo, situado en la región de Suabia, localizado en el estado federado de Baviera, en Alemania.

Lo siguiente que se conoce es que perteneció a la colección de arte del marchante de arte alemán Siegfried Lämmle.

En el año 1.902 d.C. Magdalena Penitente fue legada al Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Magdalena Penitente



Descripción

Tiene una altura de 1,77 m, una anchura de 0,44 m y una profundidad de 0,43 m. Está esculpida en madera de tilo policromada.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura en posición de pie de una distinguida discípula de Jesús de NazaretMaría Magdalena.

Según la leyenda dorada del dominico y escritor italiano y obispo de Génova Jacopo della Voragine (también conocido como Santiago de la Vorágine o Jacopo da Varazze).

Después de la Crucifixión de Jesús de Nazaret, María Magdalena partió hacia Provenza y pasó el resto de su vida llevando sólo su cabello, rezando en la cueva de Sainte-Baume (en la actualidad convertida en santuario) y se dice que era llevada todos los días por ángeles para escuchar los coros celestiales.

María Magdalena se encuentra representada desnuda, envuelta únicamente por su largo cabello con los mechones rizados dorados que dejan entrever su anatomía.

En el rostro, ligeramente inclinado hacia el lado izquierdo, destacan las cejas finas rubias, los ojos almendrados entrecerrados, la nariz recta, los labios carnosos rojos, el mentón redondeado y los pómulos rosados.

También se puede apreciar como tiene las manos juntas en posición de rezo y la postura de su cuerpo está representada en contrapposto con todo el peso apoyado sobre la pierna izquierda.

Cabe destacar que el zócalo y la parte delantera de los pies fueron restaurados en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).

Aparte cabe enfatizar que los investigadores piensan que originalmente se suponía que había ángeles rodeándola y se puede observar como en la parte posterior hay un gancho que permitió colgar la escultura en la nave de la iglesia.

Para finalizar subrayar que durante la Segunda Guerra Mundial (conflicto militar global ocurrido entre los años 1.939 d.C. y 1.945 d.C.), en concreto durante la ocupación nazi en el norte de Francia, la Magdalena Penitente fue llevada a Alemania a petición del político, militar y aviador alemán Hermann Wilhelm Göring, pero luego la escultura fue encontrada y devuelta al museo francés.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

jueves, 13 de marzo de 2025

Safo en Léucade

La Safo en Léucade, también conocida como La Muerte de Safo, es una pintura datada en el año 1.801 d.C., perteneciente al romanticismo.

Safo en Léucade

Safo en Léucade

Fue pintado por el pintor francés Antoine-Jean Gros (también conocido como Antonie-Jean Barón Gros).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.901 d.C. Safo en Léucade pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte e Historia Baron Gérad de Bayeux, ubicado en la ciudad de Bayeux, localizado en el departamento de Calvados, situado en la región de Normandía, en el noroeste de Francia.


Descripción

Tiene una altura de 122 cm y una anchura de 100 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la poetisa lírica griega Safo (también conocida como Safo de Lesbos o Safo de Mitilene), muy famosa por su poesía de amor y deseo.

La pintura se centra en el mito dónde Safo intenta saltar desde un acantilado al mar en la isla de Leucate (Grecia). Intenta quitarse la vida debido a su gran amor por el barquero Faón, quién no sentía lo mismo por ella.

Safo aparece representa en el borde de un acantilado, iluminada por la luz de la luna que aparece reflejada en el mar oscuro frente a ella.

Está ataviada con un vestido sin mangas, amplio y vaporoso que le llega hasta la altura de los tobillos dejando ver los pies descalzos. Además también lleva un velo trasparente blanco que ondea al viento.

Sobretodo llama la atención como el rostro se encuentra ligeramente levantado hacia arriba, con los ojos cerrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

Aparte resalta como los brazos se encuentran representados firmemente abrazados a la lira que aprieta contra su cuerpo.

Es casi como si aparece representada inhalando profundamente antes del saldo. Es más se aprecia como al fondo parece haber un fuego encendido, que podría ser un altar de sacrificios, cuyo significado radica en que la poetisa ha tomado la decisión definitiva de quitarse la vida.

Con respecto a la composición destacar la representación de la desesperación en el arte pictórico dónde el fin de una vida humana se confía a la naturaleza por amor.

Para finalizar subrayar que Safo en Léucade tuvó una gran acogida tras su creación y marcó la cima de la carrera del pintor francés Antoine-Jean Gros, pero con ella vino la depresión constante y la ansiedad de buscar una nueva obra maestra, aunque nunca pudo replicar éste logro en sus obras posteriores.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte e Historia Baron Gérad de Bayeux, Francia.

miércoles, 12 de marzo de 2025

Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo

La Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo es una hebilla datada aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.

Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo

Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo

Fue hallada en el año 1.939 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por arqueólogo y astrónomo autodidacta británico Basil John Wait Brown.

En la granja de Sutton Hoo, dónde debajo de unos montículos se descubrió un barco funerario anglosajón con numerosos objetos anglosajones, ubicada a lo largo de la orilla del estuario del río Deben, cerca del pueblo de Sutton, en el condado de Suffolk (Gran Bretaña), en concreto se encontró en el "Túmulo de Barcos de Sutton Hoo 1".

Cabe destacar que todo el Tesoro de Sutton Ho, junto con la Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo, era propiedad de la terrateniente y la filántropa británica Edith May Pretty, puesto que el tesoro fue descubierto en tierras de su propiedad.

Formando parte de su colección hasta que en el año 1.939 d.C. la Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo

Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo


Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo


Descripción

Tiene una longitud de 13,20 cm, una anchura de 5,60 cm y un peso de 412,70 g. 

Está fabricado en oro y niel (aleación de metal negro), mediante las técnicas de nielado, incrustación, fundición y perforado.

Se trata de una hebilla de cinturón formada por una placa con una caja hueca que se abre por detrás y se cierra mediante tres correderas móviles, que originalmente podría haber albergado algo precioso en su interior.

La superficie superior se encuentra completamente cubierta con un entrelazado zoomorfo, con un diseño resaltado en pequeños círculos perforados e incrustado (excepto en la trabilla) en nielado.

Resaltan tres grandes protuberancias hemisféricas lisas que se conectan con cierres deslizantes en la placa posterior, que se abre mediante una bisagra.

Se puede apreciar como situados a ambos lados de las protuberancia, en la punta de la hebilla, dos animales sujetan a una criatura más pequeña con sus fauces abiertas.

Además a ambos lados de las dos protuberancias superiores, ligeramente más pequeñas, se encuentran dos cabezas de pájaros con picos curvados.

Aparte entre ellas se encuentra una placa circular decorada con un complejo entrelazado animal que actúa como tope para la lengüeta de la hebilla.

También destacar que la lengüeta que sobresale de la placa es estriada, siendo por lo demás lisa. Se observa como la trabilla de la hebilla tiene dos paneles de entrelazado sin nielado, en la superficie superior y el resto es liso.

La trabilla de la hebilla tiene una bisagra independiente y la placa de la lengüeta también se mueve sobre un eslabón giratorio independiente: el disco basal.

Con respecto a la composición resaltar que su forma, con los lados curvos y las tres protuberancias abovedadas, se asemeja a las hebillas francas.

Para finalizar subrayar que dentro de la sociedad anglosajona las hebillas utilizadas para abrochar los cinturones eran un medio para expresar la riqueza y el estatus de un hombre.

Se conoce que el tipo de metal empleado y la finura de la decoración eran factores clave. La Gran Hebilla de Oro de Sutton Hoo demuestra la gran importancia de la persona conmemorada y está considerada el mejor ejemplo de hebilla de oro que se conserva perteneciente al arte anglosajón.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Panel Rectangular Fenicio

El Panel Rectangular Fenicio es una panel datado aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 9...