Alla Prima

Alla prima es una técnica pictórica consistente en aplicar capas de pintura húmeda sobre capas de pintura húmeda aplicadas previamente.

El Matrimonio Arnolfini
(Jan van Eyck)

Remando a Casa
(Winslow Homer)

Ésta técnica, que se utiliza principalmente en la pintura al óleo, requiere una forma rápida de trabajar, puesto que la obra debe completarse antes de que se hayan secado las primeras capas.

Cabe resaltar que tradicionalmente, en una pintura al óleo, se aplica una nueva capa de pintura a la mayor parte de la pintura, solo después de permitir que la capa anterior se seque por completo.

Este proceso de secado puede tardar desde varios días hasta varias semanas, dependiendo del espesor de la pintura.

En cambios, los trabajos realizados con la técnica alla prima se pueden realizar en una o más sesiones (según el tipo de pintura utilizada y sus respectivo tiempos de secado), aunque es habitual que un trabajo realizado con ésta técnica se termine en una única sesión de trabajo.

Retrato de Jan Six
(Rembrandt)

También destacar que cuando se utiliza acuarela, la técnica alla prima requiere cierta delicadeza para aceptar la imprevisibilidad.

La pintura de acuarela, muy translúcida y propensa a los accidente, florece de maneras impredecibles que según el estado de ánimo del artista puede ser una bendición o una carga.

Además se conoce que la técnica alla prima se ha practicado junto con otras técnicas desde el desarrollo de la pintura al óleo y fue utilizada por varios de los principales pintores neerlandeses en partes de sus cuadros, como el pintor Jan van Eyck (también conocido como Johannes de Eyck) en su obra El Matrimonio Arnolfini y el pintor Rogier van der Weyden (también conocido como Rogier de la Pasture).

Entre los muchos pintores barrocos que prefirieron el uso de la técnica alla prima se encontraban: el pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (también conocido como Diego Velázquez), el pintor y grabador neerlandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn (más conocido como Rembrandt) y el pintor neerlandés Frans Hals.

Las Meninas
(Diego Velázquez)

En el arte rococó algunos de los pintores que utilizaron ésta técnica y se puede apreciar en sus obras son: el pintor y grabador francés Jean-Honoré Fragonard, el pintor italiano Francesco Lazzaro Guardi y el pintor británico Thomas Gainsborough.

Desde mediados del siglo XIX d.C., el uso de pigmentos producidos comercialmente en tubos portátiles ha facilitado una variedad de colores fácilmente accesibles para pintar rápidamente en el lugar.

Pintores impresionistas como el pintor francés Claude Monet, postimpresionistas como el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (más conocido como Vincent van Gogh), realistas como el pintor estadounidense John Singer Sargent, el pintor, retratista y profesor estadounidense Robert Henri y el pintor y litógrafo estadounidense George Wesley Bellows, expresionistas como el pintor bielorruso Chaïm Soutine y el pintor neerlandés, nacionalizado estadounidense, Willem de Kooning utilizaron la técnica alla prima de diferentes maneras, lo cual es todavía ampliamente utilizado por artistas figurativos y no figurativos.

En los últimos años, la técnica alla prima se ha hecho famosa como el principal método de pintura utilizado por artistas de televisión como el ganador del premio Emmy William Alexander, Lowell Spears, Buck Paulson, Diane Andre, los artistas estadounidenses Robert Norman Ross (también conocido como Bob Ross), Robert Warren, Wilson Bickford, Brandon Thomas, y muchos otros.

Jasper Schade van Westrum
(Frans Hals)

Paisaje 
(Frans Koppelaar)

Las pinturas que utilizan la técnica alla prima es popular para pintar paisajes imaginativos y que tardan poco en completarse. 

Es más destacar que Robert Norman Ross y William Alexander podían pintar un paisaje completo en menos de media hora en sus programas de televisión: "The Magic of Oil Painting" y "The Joy of Painting".

En la actualidad la técnica alla prima es común en la industria automotriz y existe un puñado de productos que permiten el uso de aplicaciones en la pintura de casas, pero la práctica no está muy extendida.

Para finalizar subrayar que al ser una técnica pictórica en la que se aplican capas de pintura húmeda sobre capas de pintura húmeda aplicadas previamente, también se refiere a ésta técnica con la expresión "húmedo sobre húmedo".

Maza Maorí (Mere Pounamu)

La Maza Maorí (Mere Pounamu) es una maza datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Maza Maorí (Mere Pounamu)

Lo primero que se conoce es que formaba parte de la colección de arte asiático de Robert & Jean-Pierre Rousset, propiedad de la familia Rousset.

En el año 1.952 d.C. la maza fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.957 d.C. y 1.978 d.C. fue cedida para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de Asia, África, América, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Maza Maorí (Mere Pounamu) fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 21 cm, una anchura de 10,8 cm y un grosor de 37,1 cm. 

Se trata de una maza fabricada en piedra verde, con forma de lágrima y un pequeño orificio situado en la parte superior, que se utilizaba para asestar un golpe cortante o penetrante al enemigo, lo que convierte a las mazas una de las principales armas utilizadas por los guerreros maoríes.

Cuando las mazas no se utilizaban, se solían llevar colgadas de la muñeca mediante un lazo de fibra o metidas en un cinturón como símbolo de destreza marcial.

Además cabe destacar que los ejemplos de maza más preciados se denominaban "mere pounamu", siendo fabricados de piedra verde (pounamu), un tipo de jade.

Los "mere pounamu", laboriosamente pulidos, se creaban para la élite de los jefes maoríes y se trasmitían de generación en generación dentro de las familias como reliquias.

Para finalizar subrayar que al igual que otros objetos maoríes, las mazas solían llevar nombres individuales y se valoraban como trofeos en la guerra.

Además es conocido que las "mere pounamu" se consideraban tan prestigiosas y sobrenaturalmente poderosas que algunos jefes, capturados en batalla, entregaban sus mazas a sus enemigos y pedían que los mataran con ellas en lugar de con armas comunes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Recipiente para Sake con Mariposas

El Recipiente para Sake con Mariposas, también conocido como 蝶漆絵根来瓶子, es un recipiente datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Recipiente para Sake con Mariposas

Recipiente para Sake con Mariposas

En concreto fue elaborado durante el período Muromachi (室町時代) (período de la historia japonesa que abarca desde el año 1.336 d.C. al año 1.573 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la coleccionista de arte estadounidense Mary Griggs Burke.

Hasta que en el año 2.015 d.C. el Recipiente para Sake con Mariposas fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Recipiente para Sake con Mariposas

Descripción

Tiene una altura de 32,4 cm. Está fabricado en madera con laca negra y roja y aplicaciones de pan de oro.

Se trata de un recipiente para sake realizado en cerámica Negoro, es decir, se trata de una botella de sake que solían fabricarse en pares y se utilizaban en los santuarios sintoístas para contener el sake (vino de arroz) ofrecido a las deidades locales.

Además resaltar que el recipiente se encuentra lacado en negro y la parte superior está decorada con diseños y patrones en rojo.

También se puede apreciar como un patrón de crisantemo en relieve parte desde la boca o corona y en los hombros hay el diseño de dos mariposas enfrentadas. 

Una de ellas está delineada en laca roja y rellena con trazos cortos para representar patrones para las alas y el cuerpo, mientras que los contornos de la otra mariposa están definidos simplemente por un campo de laca roja.

Aunque cabe resaltar que ambos diseños se encuentran resaltados con pan de oro. Es más el diseño de las mariposas sugiere que el Recipiente para Sake con Mariposas, ligero y fácil de llevar, puede haber sido utilizado en Bugaku (un tipo de danza y música cortesana practicado en Japón desde el período Nara, en el que las mariposas son un motivo común).

Para finalizar subrayar que durante los trabajos de conservación y restauración, las fotografías realizadas mediante "rayos X" han revelado que el núcleo de madera está compuesto de dos partes que han sido cortadas y ahuecadas en un torno y luego unidas en los hombros, mientras que la boca o corona fue tallada por separado e insertada en la parte superior del recipiente.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Viuda India

La Viuda India, también conocida como Indian Widow o La Viuda de un Jefe Indio Observando las Armas de su Difunto Marido, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.783 d.C. y 1.785 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Viuda India

Viuda India

Fue pintado por el pintor inglés Joseph Wright (también conocido como Wright of Derby).

Se conoce que la pintura fue expuesta al público por primera vez en el año 1.785 d.C., en la ciudad Londres (Gran Bretaña).

También es conocido que la pintura perteneció a la colección de arte del coleccionista y militar británico John George Burton Borough.

Hasta que en el año 1.961 d.C. la Viuda India fue legada al Derby Museum and Art Gallery, localizado en la ciudad de Derby, en Gran Bretaña, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 101,6 cm y una anchura de 127 cm. Está pintada en óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de perfil de una mujer india, sentada en lo alto de una colina, con un árbol seco a su espalda dónde reposan las diferentes armas y posesiones que pertenecieron a un jefe indio, su marido.

La mujer se encuentra ataviada con una túnica larga oscura, anudada al hombro derecho, que le envuelve la cintura, con un forro rojo y que le deja la parte superior del cuerpo al descubierto, pudiéndose apreciar la forma de sus pechos.

El cabello largo negro está recogido con una diadema ornamentada con plumas, además se puede observar como tiene el codo derecho apoyado en la rodilla derecha, mientras que con la mano derecha se toca el rostro con un gesto compungido.

El brazo izquierdo reposa sobre la rodilla izquierda y sostiene con su mano un palo alargado colocado entre sus piernas, resaltando como el pie derecho descalzo reposa sobre una piedra, en cambio del pie izquierdo está representado de puntillas y tan solo se ven los dedos. 

Con respecto a la composición destacar que la figura principal está representada recortada contra la luz del sol y un cielo tormentoso.

También llama la atención de los detalles como: el tratamiento de las plumas, los cordones con púas y la funda del cuchillo, así como la piel de búfalo pintada colocada en la corteza del árbol, demuestran los conocimientos del autor sobre los nativos americanos.

Para finalizar subrayar que la Viuda India fue la expuesta, junto con otras obras, en el año 1.785 d.C. en la primera "exposición individual" del pintor inglés Joseph Wright realizada en Gran Bretaña.

Actualmente se encuentra en el Derby Museum and Art Gallery, Gran Bretaña.

Jarra con Pico Maya

La Jarra con Pico Maya es una jarra datada aproximadamente entre los siglos I a.C. y I d.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya. 

Jarra con Pico Maya

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección del coleccionista de arte y joyero estadounidense Edward Merrin.

Siendo expuesta en la galería de arte de Nueva York (Estados Unidos de América) "Edward Merrin Gallery".

En el año 1.973 d.C. fue comprada por el coleccionista de arte, empresario y filántropo Charles Diker y su esposa la bailarina, filántropa y autora Valerie Diker. 

Pasando a formar parte de la colección de arte de Charles y Valerie Diker.

Hasta que en el año 1.999 d.C. la Jarra con Pico Maya fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 13,7 cm, una anchura de 15,9 cm y un diámetro de 13,7 cm.

Se trata de una jarra con el pico vertical paralelo al eje central de la cámara principal, que se encuentra especialmente relacionada con el consumo de chocolate.

Además es conocido que los antiguos mayas inyectaban aire en el pico para que el efecto burbujeante produjera una espuma en la superficie de la sabrosa bebida de chocolate.

Resalta como la jarra está tallada en piedra caliza endurecida (compactada) y el cuello contiene una "banda celeste", un motico del arte maya que indica una ubicación celestial, que tiene jeroglíficos en forma de "T" descrifrados como "IK" (viento), separados por líneas diagonales.

El cuerpo globular del recipiente es perfectamente simétrico y el fondo de la cámara se encuentra nivelado con la finalidad de facilitar el almacenamiento.

También se puede apreciar como a ambos lados del pico, en el cuerpo del recipiente, hay representadas deidades ornamentadas que flotan entre volutas humeantes.

Sobretodo resalta como la especificidad de éstas figuras contrasta con la abstracción repetitiva de la decoración del borde de la "banda celeste".

Llama la atención el primer ser sobrenatural, a la derecha del pico, que tiene características aviares, como alas, una máscara bucal con un pico saliente y la boca hacia abajo, aunque se pueden ver claramente manos y pies de apariencia humana en sus extremidades retorcidas.

La deidad aviar mira hacia abajo, una convención común para los antepasados que miraban a los gobernantes vivos desde arriba en las esculturas del período preclásico tardío maya y el período clásico temprano maya.

Aparte una frase jeroglífica compuesta por una mano abierta que sostiene un signo de "k'in" (sol) se encuentra directamente sobre la cabeza de la deidad, lo que indica que se trata de un individuo específico con nombre.

La segunda figura, situada en el lado izquierdo del pico, tiene características más humanas, con símbolos asociados con el dios del maíz, incluyendo: el perfil distinguido con la frente inclinada, las dos líneas paralelas en la mejilla, el diente que sobresale de la boca y joyas de jade adornando las muñecas, los tobillos, los pectorales y el taparrabos.

Se puede observar otro jeroglífico con nombre que aparece sobre la frente de ésta deidad del maíz, cuando mira hacia arriba.

También una inscripción jeroglífica aparece en el pico, aunque no está completamente descifrada, contiene una dedicatoria de la jarra.

Siendo los jeroglíficos que se mencionan en la dedicación del cuerpo de piedra "u-K'AL-wa TUUN" y mencionando el nombre de uno de los dioses representados.

Para finalizar subrayar que en la actualidad la Jarra con Pico Maya es uno de los recipientes de piedra esculpidos con más elegancia dentro del arte maya que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura de Poste de Casa (Amo)

La Figura de Poste de Casa (Amo) es un poste datado aproximadamente en el año 1.800 d.C., perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Figura de Poste de Casa (Amo)

Figura de Poste de Casa (Amo)

Lo primero que se conoce es que la figura fue adquirida en Nueva Zelanda por el oficial británico de la Marina Real John Lort Stokes.

En el año 1.835 d.C. la Figura de Poste de Casa (Amo) fue comprada por el comerciante de arte Mathias Komor, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estadas Unidos de América).

En el año 1.958 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre el año 1.958 d.C. y 1.978 d.C. fue prestada para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de Asia, América, África, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Figura de Poste de Casa (Amo) fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 109,2 cm, una anchura de 27,9 cm y un grosor de 12,7 cm. 

Se trata de un poste de madera ricamente tallado que representada a un antepasado de Te Arawa (confederación de iwis ("tribus") maoríes que habitan al norte de la Isla Norte de Nueva Zelanda), que originalmente pudo adornar una casa de reunión maorí y puede representar la figura de un antiguo guerrero.

Con respecto a la composición destacar que la sensación de movimiento feroz se transmite mediante la representación estilizada de los brazos que probablemente indica que la figura puede estar interpretando en una danza de guerra, mientras saca la lengua en desafío a los enemigos de su pueblo.

Para finalizar subrayar que las grandes casas de reunión comunales sirvieron, y siguen sirviendo, como puntos focales importantes para la comunidad entre el pueblo maorí de Nueva Zelanda (Aotearoa).

Éstas casas están ricamente adornadas con tallas que representan antepasados y figuras de la mitología maorí. Es más destacar que las casas de reunión funcionan como cámara del consejo, casa de huéspedes, centro comunitario y lugar de reunión para la discusión y debate de cuestiones importantes.

Aparte destacar que las casas de reunión son particularmente importantes como lugares donde la historia, las costumbres y la genealogía del grupo local se preservan y se transmiten a las generaciones posteriores.

Por lo que la estructura de las casas de reunión en sí representan el cuerpo de un antepasado primordial: de forma figurada, el caballete del techo es la columna vertebral, las vigas son las costillas, las tablas del hastial en el exterior los brazos extendidos y el adorno del hastial en la cima del techo la cara.

Mientras que el interior de las casas están profusamente decorados con paneles tallados y otros elementos arquitectónicos que representan a antepasados poderosos, tanto masculinos como femeninos.

Siendo éstas imágenes de antepasados las que constituyen una historia visual de la sociedad maorí, representado y encarnando simultáneamente el espíritu de sus ilustres antepasados, siendo numerosas las representaciones de guerreros destacados que, en el pasado, lucharon para proteger a la comunidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Estatuilla de Amón

La Estatuilla de Amón es una escultura datada aproximadamente entre los años 945 a.C. y 712 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatuilla de Amón

En concreto fue fabricada durante el Tercer Período Intermedio de Egipto (período comprendido entre los años 1.070 a.C. y 650 a.C.).

Estatuilla de Amón

En el año 1.917 d.C. la escultura fue comprada en la ciudad de El Cairo (Egipto) por el aristócrata, coleccionista y mecenas de arte británico George Edward Stanhope Molyneux Hervert V (también conocido como Lord Carnarvon).

En el año 1.923 d.C. por herencia la Estatuilla de Amón pasó a ser propiedad de la aristócrata y coleccionista de arte británica Almina Herbert (también conocida como Condesa de Carnarvon).

Hasta que en el año 1.926 d.C. la escultura fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estatuilla de Amón

Estatuilla de Amón

Estatuilla de Amón

Descripción

Tiene una altura de 17,5 cm, una anchura de 4,7 cm, un grosor de 5,8 cm y un peso de 0,9 kg.

Se trata de una escultura de oro que representa al dios Amón (dios de la creación) en posición de pie, con la pierna izquierda adelantada, mientras que la pierna derecha está representada ligeramente atrasada.

Cabe destacar que la deidad se identifica por su característica corona de punta plana, que originalmente sostenía dos altas plumas de oro, ahora desaparecidas.

Lleva la barba trenzada de los dioses con la punta rizada, también lleva un emblema ankh en su mano izquierda y una cimatarra cruzada sobre su pecho, sostenida con la mano izquierda.

Cabe resaltar que algunos investigadores piensan que originalmente la figura podría haber estado montada sobre un cetro ceremonial o un estandarte.

Aunque se puede observar como hay rastros de un lazo tripartito situado en la parte superior de la corona de Amón, lo que indica que originalmente también podía haber estar suspendido.

Con respecto a la composición resaltar que el modelado suave del torso, la cintura estrecha y otros rasgos del rostro son típicos del arte del Tercer Período Intermedio.

Ésta era unas de las marcas del declive político del poder centralizado en Egipto, pero también es un período de grandes logos artísticos. 

Se conoce que las obras en metal (oro, plata y bronce) eran de una calidad especialmente buena y la Estatuilla de Amón da testimonio de la excelencia típica de esa época.

Aparte resaltar que para los egipcios, el color del oro y el brillo de su superficie se asociaban con el sol y se suponía que la piel de los dioses era de oro.

Para finalizar subrayar que el dios Amón (dios de la creación) adquirió importancia por primera vez a principios del Imperio Medio. 

Siendo a partir del Imperio Nuevo, el dios Amón fue posiblemente el dios más importante del panteón egipcio. Además como dios creador, a menudo se lo identifica como Amón-Ra (en la típica combinación egipcia de deidades, Amón se combina con la principal deidad solar, Ra).

Su santuario principal era el inmenso complejo de templos de Karnak, edificado en la orilla este del río Nilo, en el extremo sur de la moderna ciudad de Luxor (Egipto).

Es más destacar que en los pilonos y muros de los templos del Imperio Nuevo, suele representar a Amón-ra presentando una cimatarra al faraón, otorgándole así la victoria militar.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Adorno Nasal Moche

El Adorno Nasal Moche es un adorno datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Adorno Nasal Moche

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del galerista alemán André Emmerich, ubicada en la galería André Emmerich de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.969 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.969 d.C. y 1.978 d.C. el adorno fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de África, América, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Adorno Nasal Moche fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6,7 cm, una anchura de 10,8 cm y un grosor de 1,3 cm.

Se trata de un adorno nasal de oro calado que representa a dos criaturas sobrenaturales, ambas con rasgos caninos y felinos, que se muestran de espaldas, cada una sosteniendo una cabeza humana como trofeo.

Las colas de las criaturas terminan en cabezas gruñonas, lo que subraya aún más la sensación de agresión que indican las orejas de la criatura, que están representadas hacia atrás.

Además resaltar que cuando se usaba el Adorno Nasal Moche cubría gran parte de la boca del portador, puesto que tal vez se pensaba que las poderosas imágenes infundían gran fuerza al habla del portador.

Con respecto a la composición destacar que incrustaciones de piedra o concha adornaban originalmente los cuerpos de los animales, incluidos los ojos, las orejas, la trompa y las patas.

Para finalizar subrayar que se dice que el Adorno Nasal Moche fue encontrado en el sitio de enterramiento de Loma Negra, localizado en el distrito de La Arena, situado en la provincia y departamento de Piura, en el noroeste del Perú.

También cabe destacar que Loma Negra era uno de los puestos de avanzada más septentrionales de la cultura moche, es más se conoce que las obras de metal de Loma Negra comparten una iconografía similar con la cerámica y la emtalistería encontradas en sitios moche más al sur, como Ucupe.

Sin embargo, la relación exacta entre Loma negra y el Valle Moche (también conocido como Valle de Santa Catalina), situado en una extensa área de la Región de La Libertad, en el norte de Perú, sigue siendo un tema de debate entre los investigadores.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ídolo con Forma de Ojo

El Ídolo con Forma de Ojo es una escultura datada aproximadamente entre los años 3.700 a.C. y 3.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Ídolo con Forma de Ojo

Fue hallado en el año 1.937 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo británico Sir Max Edgar Lucien Mallowan.

En la antigua ciudad de Tell Brak (conocida antiguamente como Nauar o Nagar), localizada al noroeste de Siria.

También cabe destacar que las excavaciones fueron realizadas en nombre de la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

En el año 1.951 d.C. el Ídolo con Forma de Ojo fue donado por el Instituto de Arqueología de la "University College London" (Gran Bretaña), al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6,5 cm, una anchura de 4,2 cm y un grosor de 0,6 cm. 

Se trata de una escultura esculpida en yeso y alabastro que representa un ídolo, se piensa que podría ser la representación de una deidad con el cuerpo acampanado, grandes ojos y líneas onduladas en la parte superior de la cabeza.

También llama la atención como delante hay otra figura más pequeña, que probablemente representa a un niño, los ojos del niño están representados a la altura del pecho y el cuerpo del niño está tallado en el vientre de la figura de la deidad.

Para finalizar subrayar que se conoce que en la antigua ciudad de Tell Brak, aparte del Ídolo con Forma de Ojo, también se hallaron miles de éste tipo de esculturas en el interior de un edificio conocido como "Templo del Ojo".

Por lo que los investigadores consideran que probablemente las esculturas se colocaron en el interior del templo como ofrendas, además resaltar que muchas de las esculturas presentan incisiones con múltiples pares de ojos, otros con joyas y otros con representaciones de "niños".

Todo ello demuestra que en la sociedad sumeria los ojos grandes representaban la atención a los dioses, aunque no es propio sólo del arte sumerio, sino de gran parte del arte mesopotámico.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Gancho de Cráneo (Agiba)

El Gancho de Cráneo (Agiba) es un objeto datado aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Gancho de Cráneo (Agiba)

En concreto se conoce que fue fabricado por el pueblo Kerewa, que habitan en Papúa Nueva Guinea, en la región suroeste del oceánico Pacífico.

Perteneció a la colección de arte del coleccionista Roy James Hedlund, ubicada en Nueva Guinea.

En el año 1.962 d.C. el Gancho de Cráneo (Agiba) fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.969 d.C. y 1.978 d.C. fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 141,9 cm, una anchura de 74,9 cm y un grosor de 12,7 cm.

Se trata de una agiba, es decir, una figura plana con forma de tabla que ha sido creada para la exhibición de cráneos humanos. Cabe resaltar que es una abstracción bidimensional de la figura humana que representa un espíritu importante asociado con la caza y la guerra.

Resalta como las partes humanas representada en el anverso están ornamentadas con diversos motivos geométricos y en el rostro abstracto, grande y ovalado destacan los ojos redondos y la forma de la boca.

Aparte se conoce que los hombres Kerewa vivían antiguamente en casas comunales divididas en cubículos en los que dormían los miembros de cada clan o subclan.

Cada cubículo albergaba un santuario del clan que contenía una o más agiba y otros objetos sagrados. Además la agiba simbolizaba la vitalidad y la destreza marcial del clan y presidía sobre los cráneos obtenidos por sus miembros.

Los cráneos se colgaban de la agiba mediante lazos colocados sobre las proyecciones en forma de gancho en la base y en ocasiones, se construía una plataforma debajo de la imagen para soportar el peso de los cráneos ensamblados.

También cabe resaltar que dentro del pueblo Kerewa solo los hombres que habían capturado una cabeza enemiga tenían derecho a tallar una agiba. Es más se dice que la agiba representaba un espíritu que se le revelaba al tallador en un sueño.

Para finalizar subrayar que se conoce que los objetos sagrados más importantes del pueblo Kerewa eran las agiba.

Además destacar que en el pasado, la caza de cabezas era un elemento integral de las prácticas religiosas en todo el Golfo de Papúa, en honor a los espíritus (imunu) cuyos poderes sustentaban a la comunidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Psique Abandonada

La Psique Abandonada, también conocida como Psyché Abandonnée, es una pintura datada entre los años 1.794 d.C. y 1.795 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Psique Abandonada

Fue pintada por el pintor francés Jacques-Louis David.

También cabe destacar que la pintura se consideró perdida durante mucho tiempo.

La pintura fue encontrada en el año 1.991 d.C. y redescubierta públicamente durante la exposición "L’Antiquité rêvée", ocurrida en el año 2.010 d.C. en el Museo del Louvre de París (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 80 cm y una anchura de 63 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la diosa Psique (diosa del alma) abandonada por el dios Cupido (dios del amor y dios del deseo).

Aparece representada como una mujer joven desnuda, agachada de perfil hasta la altura de las piernas, contra un cielo azul pincelado con trazos animados y el horizonte delimitado por una colina. 

En el rostro, representado de frente mirando hacia el espectador, destaca la expresión compungida, las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los púmulos rosados, los labios carnosos y rojos y el mentón redondeado.

También se puede observar como el cabello largo, rizado y claro se encuentra recogido, atado en la parte superior de la cabeza con una cinta blanca que le despeja el rostro, con algunos mechones rizados cayéndole sobre el hombro izquierdo.

Además destaca como los brazos están representados cruzados con ambas manos juntas cerca de la cara.

Con respecto a la composición destacar que la figura de Psique tiene una falta de sexualidad, con su cuerpo representado agachado y sus brazos cubriendo sus pechos sin ninguna indicación de sensualidad excepto por la ropa que le falta. 

Aparte resaltar que tanto la expresión del rostro, como la pose del cuerpo transmiten desesperación.

Para finalizar subrayar que se piensa que la Psique Abandonada fue pintada después del arresto del pintor francés Jaques-Louis David en el año 1.794 d.C., cuando se encontraba encarcelado en el Hôtel du Luxembourg, localizado en la ciudad de Paris (Francia), tras la caída de Rospierre del poder.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Capa Maorí (Kaitaka Aronui)

La Capa Maorí (Kaitaka Aronui) es una prenda datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Capa Maorí (Katitaka Aronui)

Capa Maorí (Kaitaka Aronui)

En el año 1.906 d.C. fue comprada por el coleccionista y comerciante de manuscritos, bellas artes y artefactos etnográficos neozelandés Kenneth Athol Webster.

En el año 1.950 d.C. la Capa Maorí (Kaitara Aronui) fue comprada por la etnóloga, escritora, coleccionista y curadora de museos Terence Barrow.

Después en el año 1.990 d.C. fue adquirida por el coleccionista de artefactos y arte polinesio Mark Blackburn.

Hasta en el año 2.020 d.C. la Capa Maorí (Kaitaka Aronui) fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 113,7 cm y una anchura de 172,7 cm.

Se trata de una capa tejida en lino y lana que presenta el cuerpo principal ampliamente rectangular, ensanchándose suavemente hacia cada lado en la parte inferior.

Cabe resaltar que la capa es suave y flexible al tacto, además una serie de costuras adicionales están ingeniosamente tejidas en el cuerpo principal (kaupapa) de la capa creando pinzas que permiten que la capa descanse cómodamente sobre los hombros cuando es utilizada.

Se puede apreciar como el borde inferior de la capa está ornamentado con un ancho borde tejido mediante la técnica de tāniko (técnica de tejido tradicional de los maoríes de Nueva Zelanda).

Los diseños están compuestos por motivos de triángulos, chevrones y zigzags en color natural con reflejos negros, marrones y rojos, dispuestos simétricamente para producir una estética vivaz y dinámica.

Con respecto a la composición destacar que la capa pertenece al género kaitaka, que alcanzó una especial importancia en Nueva Zelanda durante el primer cuarto del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.826 d.C.).

Para producir la capa se cultivó un tipo especial de lino (phormium tenax) que produjo la fina fibra de seda (muka) creando el lustroso brillo de la Capa Maori (Kaitaka Aronui).

Se conoce que las fibras que componen la capa fueron preparadas con cuidado sin recurrir al remojo y los golpes habituales en la preparación, ya que éstos procesos reducían el brillo sedoso de la prenda final.

Además la superficie sin adornos de la capa también requirió la ejecución experta de la técnica de trenzado de doble par (whato aho rua), que produce su calidad sedosa y suave.

Para finalizar subrayar que la Capa Moarí (Kaitaka Aronui) es un magnífico ejemplo de capa maorí de Nueva Zelanda, siendo un singular del género conocido como kaitaka aronui, que presenta tramas que corren en dirección horizontal cuando se usa.

Aparte las capas de éste calibre son raros y éste ejemplar se encuentra en condiciones excepcionales dada su antigüedad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Astrolabio Planisférico Safávida

El Astrolabio Planisférico Safávida es un astrolabio datado aproximadamente entre los años 1.654 d.C. y 1.655 d.C., perteneciente al arte persa, en concreto al arte safávida. 

Astrolabio Planisférico Safávida

Astrolabio Planisférico Safávida

Fue fabricado por el astrolabista y astrólogo iraní Muhammad Zaman al-Munajjim al-Asturlabi, en su taller situado en la ciudad de Mashhad, localizada en el noroeste de Irán.

Se conoce que perteneció a la colección de arte de I. G. Sargis, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América). 

Hasta que en el año 1.963 d.C. el Astrolabio Planisférico Safávida fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Astrolabio Planisférico Safávida

Astrolabio Planisférico Safávida

Descripción

Tiene una altura de 21,6 cm, una anchura de 17,1 cm y un grosor de 5,7 cm. 

Está fabricado en latón y acero, mediante las técnicas de fundición, martillado, perforado y grabado.

Se trata de un astrolabio compuesto por una caja principal con letras árabes a lo largo del borde que la dividen en horas iguales.

Además hay cinco placas grabadas con líneas para representar diferentes latitudes terrestres que están colocadas dentro del centro hueco de la caja y sobre ella hay un mapa estelar giratorio.

La rete (red, es decir, un disco perforado que representa un mapa del cielo) en el círculo interior está inscrita con los doce signos del zodíaco y tiene la forma de la invocación musulmana de la fe conocida con el nombre de basmala o bismillah.

El segmento exterior presenta un diseño vegetal ondulado y los elementos de diseño de la rete sirven como indicadores que representan una selección de estrellas brillantes fijas, cuyos nombres están inscritos cerca de los extremos.

Aparte cabe resaltar como las placas se mantienen en su lugar en el centro, dónde hay un pequeño orificio central con un alfiler que las mantiene unidas y permite el giro de las placas una sobre otras.

También se puede observar como en el anverso, en el rete en el círculo interior, se puede leer la siguiente inscripción escrita en escritura nasta'liq (estilo persa de caligrafía árabe que es una mezcla del estilo nasji y del estilo taliq):

"بسم الله الرحمن الرحيم"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"En el nombre de Alá, el más clemente, el más misericordioso"

Mientras que la parte posterior del astrolabio se encuentra grabada con la siguiente inscripción: 

"صنعه محمد زمان المنجم الاصطرلابى 10۶۵"

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

"Realizado por Muhammad Zaman, el astrólogo, el fabricante de astrolabios A.H. 1065"

En la parte superior hay un triangular sin decoración con un anillo de suspensión unido en la parte superior de la placa principal, utilizado para que el astrónomo pudiera tomas una observación al suspender el astrolabio, ya sea de una correa unida al anillo o de su pulgar pasado a través de él.

Para finalizar subrayar que los astrolabios de éste tamaño no eran lo suficientemente precisos para las observaciones astronómicas, pero servían para mediar el tiempo y los astrólogos podían usarlos para determinar la posición de un planeta en relación con las diferentes casas astrológicas.

Es más se puede afirmar que los astrolabios planisféricos se empleaban generalmente para resolver tres intereses principales de la astronomía: trazar mapas de los cuerpos astrológicos, encontrar la dirección de la qibla y determinar los tiempos de oración.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Falocripta

La Falocripta es una prenda datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Falocripta

Falocripta

Se conoce que la prenda perteneció a la colección de la artista, filántropa y coleccionista de arte estadounidense Muriel Kallis Steinberg Newman.

Hasta que en el año 2.008 d.C. la Falocripta fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de la colección del Instituto del Traje (Costume Institute's Collection).

Descripción

Se trata de una prenda de vestir fabricada con una calabaza que está el exterior totalmente ornamentado mediante grabados con diversas bandas decoradas con motivos geométricos y en centro la silueta de diferentes partes del cuerpo humano.

También cabe resaltar que es una prenda principalmente ceremonial que cubre el pene.

Para finalizar como curiosidad destacar que la anterior coleccionista de la Falocripta era la reconocida coleccionista de arte y entusiasta de la moda Muriel Kallis Newman y su colección representaba su conocimiento y apreciación de una amplia gama de tradiciones de diseño y fabricación de joyas.

Siendo numerosos los artículos de su colección los que son artefactos compuestos por piezas de varias culturas y períodos de tiempo reapropiados como creaciones de joyería moderna.

Es más es importante destacar que Muriel Kallis Newman usó muchas de las piezas de su colección interpretándolas para adaptarse y expresar su propio estilo singular, a menudo vanguardista.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Poema de Lazhou

El Poema de Lazhou, también conocido como 明 邢侗 行書蘭州詩 摺扇, es un abanico plegable datado aproximadamente entre los años 1.551 d.C. y 1.612 d.C., perteneciente al arte chino.

Poema de Lazhou

En concreto fue fabricado durante la dinastía Ming (明朝) (período de la historia China que abarca desde el año 1.368 d.C.  al año 1.644 d.C.). 

Fue elaborado por el artista visual chino Xing Tong (邢侗).

En el año 1.971 d.C. fue comprado por el coleccionista de arte estadounidense John M. Crawford Jr..

Hasta que en el año 1.989 d.C. el Poema de Lazhou fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm y una anchura de 48,3 cm.

Se trata de un pequeño abanico plegable montado como una hoja de álbum y un poema escrito en 19 columnas en escritura semicursiva en carácteres chinos y escrita mediante tinta sobre papel dorado.

El poema es el siguiente:

" 洮河雙鯉綠波盈，書到加餐萬里情。

晚磧皋蘭愁玉塞，秋風羌管憶金城。

盤中赤柰霜前菓，寨外黃羊獵後羹。

聖主垂衣莫西顧，已將方略付營平。

寄荊使君蘭州作。邢侗稿。"

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

" Dos carpas saltan de las verdes olas del río Tao, y traen una carta amistosa desde diez mil millas de distancia.

Debes estar triste, de pie en un banco de arena cerca del Paso de Jade de Gaolan,

Recordando a Jincheng, como una flauta bárbara toca en el viento otoñal.

Las manzanas rojas se apilan en platos antes de la escarcha, los corderos se cocinan en guiso después del ahorcamiento.

Nuestro sabio soberano deja que su túnica cuelgue suelta y no se preocupa por el oeste;

Ya ha enviado su estrategia a Zhao Yingping. "

Para finalizar subrayar que  en el Poema de Lazhou aparecen varios sellos en color rojo:

Sobretodo destaca el sello del artista:

- Xing Tong "邢侗之印"

Pero también se pueden apreciar otros dos sellos de coleccionistas:

- Han Seii "潘正煒"

- Gu Loufu "顧洛阜"

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco Sasánida Lobulado

El Cuenco Sasánida Lobulado es un cuenco datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Cuenco Sasánida Lobulado

Cuenco Sasánida Lobulado

Lo primero que se conoce es que en el año 1.992 d.C. el Cuenco Sasánida Lobulado fue donado de forma anónima al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cuenco Sasánida Lobulado

Descripción

Tiene una altura de 5,41 cm, una anchura de 10,49 y una longitud de 24,46 cm. 

Está fabricado en plata dorada con incrustaciones de niel.

Se trata de un cuenco con forma de barco, con grandes lóbulos en los extremos y en el centro de cada lado intercalados con otros más pequeños.

Destaca como los bordes de los lóbulos están dorados, al igual que el interior de los cuatro lóbulos grandes. Además el exterior de los lóbulos grandes están ornamentados con figuras de gallinas de Guinea (también conocidas como gallinetas o pintadas) dentro de bordes redondos de motivos ornamentales florales y geométricos, que están incisos y rellenos con niel, mientras que los lóbulos pequeños están festonados.

El interior del cuenco tiene una imagen de un pez con una aleta caudal bifurcada y cuatro filas de escamas horizontales, que ha sido representado en niel y dorado. 

Se piensa que probablemente el pez sea una especie de agua salada, como un atún o un pez reina, nativo del océano Índico, aunque es posible que el pez no esté destinado a representar una especie específica. 

El cuenco se asienta sobre una base alta de anillo oblongo y en la parte inferior hay un sello con un diseño indeterminado.

Para finalizar subrayar que probablemente el Cuenco Sasánida Lobulado probablemente formaba parte de un servicio de mesa propiedad de alguien estrechamente relacionado con la corte real sasánida.

Ésto se debe a que la producción de vasijas de plata era supervisada de cerca por la corte y el sello situado en la parte inferior presumiblemente indica que el cuenco fue fabricado en un taller oficial.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Renos Nadadores

Renos Nadadores, también conocidos como Swimming Reindeer, es una escultura datada aproximadamente entre los años 12.000 a.C. y 10.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Renos Nadadores

Renos Nadadores

En concreto fue fabricada durante la cultura Magdaleniense, una de las últimas culturas del período Paleolítico superior en la Europa occidental. 

Renos Nadadores

Fue encontrada en el año 1.866 d.C. por el ingeniero francés Peccadeau de l'Isle, mientras trabaja en la construcción del ferrocarril.

En la población y comuna de Montastruc-la-Conseillère, localizada en la región de Occitania, en el departamento de Alto Garona, en el distrito de Toulouse (Francia).

Un año después de su descubrimiento, en el año 1.867 d.C., los Renos nadadores fueron expuestos en la Exposición Universal de París (Francia).

Hasta que en el año 1.887 d.C. fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Renos Nadadores

Descripción

Tiene una altura de 30 mm, una longitud de 207 mm y una anchura de 27 mm. 

Está fabricado en marfil de la punta de un colmillo de mamut.

Se trata de una escultura que representa a dos ciervos que se siguen uno a otro desde la nariz hasta la cola, además debido a las características de cada animal se puede diferenciar claramente su sexo.

El macho más grande está representado detrás de una hembra más pequeña, aparte resaltar que como ambos animales presentan astas los animales tienen que ser renos porque las únicas hembras de ciervo que tienen astas son las ciervas del reno.

Ésta identificación se confirma aún más por los rasgos distintivos de la cabeza de la cierva, que está sombreada con líneas oblicuas finamente incisas que indican áreas de coloración más oscura y más clara. 

El colgajo de piel que se extiende desde la garganta hasta el pecho está resaltado mediante incisiones verticales, lo que muestra las texturas de las marcas de su pelaje.

Renos Nadadores

El sombreado del pelaje de la cierva está hecho con cuidado y precisión, mediante la utilización de tramas cruzadas y parches de líneas oblicuas más profundas y entrelazadas para enfatizar la musculatura más pesada de los muslos.

Las líneas verticales finas y curvas indican áreas de pelaje más largo. Los surcos verticales cortos y profundos parecen corresponderse con parches claros en el pelaje de la cierva con líneas verticales en espina.

Se puede observar como los suaves y esponjosos pelos blancos de los bordes de la parte inferior del vientre de la cierva están indicados por pequeñas y finas incisiones que rodean las mamas, que también muestran un ligero relieve entre las patas traseras.

Renos Nadadores

Incluso se pueden apreciar como pequeñas incisiones oblicuas situadas en la zona del pecho, entre las patas delanteras, parecen indicar sus costillas.

Las astas del macho se extienden a lo largo de tres cuartas partes de su espalda, lo que es proporcionado para un ciervo adulto. 

La cabeza está marcada con un sombreado fino en ambos lados con largas marcas de raspado compuestas de múltiples incisiones horizontales realizadas en una sola acción.

Renos Nadadores

Cabe resaltar que éstas son marcas deliberadas hechas para ser vistas, no marcas de herramientas del modelado inicial de la pieza que se pulieron en el acabado de la escultura.

Tanto los cuellos y las patas de ambos animales están representados estirados lo que sugiere que están en movimiento. 

Las patas delanteras de la hembra se extienden juntas hacia adelante, al igual que las del macho. Mientras que las patas traseras se extienden hacia atrás.

También ambos renos tienen las fosas nasales esculpidas en relieve, las cuencas de los ojos están formadas en relieve y los ojos fueron representados como óvalos grabados que reproducen la apariencia de ojos saltones.

Las orejas están representadas dobladas hacia atrás contra la cabeza, siendo todos éstos detalles junto con las extremidades extendidas lo que indica que los ciervos están representados como si estuvieran en el agua y ésto fue lo que llevó a que la escultura se conozca como "Renos Nadadores".

Aparte los lados opuestos del cuerpo y la cabeza de los dos animales parecen iguales, pero el lado izquierdo tiene menos sombreado que el derecho y los lomos de los animales no se encuentran sombreados.

Con respecto a la composición destacar que la representación de los animales representa una escena de otoño entre septiembre y diciembre. Puesto que ésta es la única época en la que tanto los machos como las hembras tienen astas.

Los machos pierden sus astas después del celo en noviembre-diciembre, mientras que las hembras las mantienen durante la primavera, lo que les da protección para obtener suficiente alimento para sus crías.

Renos Nadadores

El colorido y la calidad del pelaje de la hembra, así como el del macho que sigue a la hembra, también son acordes con una representación otoñal.

Es más el objeto se considera una escultura, ya que no tiene los atributos funcionales de una herramienta o un arma.

Para finalizar subrayar que cuando se halló la escultura se encontraba en dos piezas rota por la mitad y se pensó que cada reno era un objeto por separado.

Sin embargo fue en el año 1.905 d.C cuando el abad, naturalista, arqueólogo, prehistoriador, geólogo y etnólogo francés Henri Breuil examinó las piezas en el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) y se dio cuenta de que se habían reajustado en una sola pieza.

Fue entonces cuando se realizaron los trabajos de restauración durante los cuales se volvieron a unir las dos partes de la escultura.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cuenco Lambayeque

El Cuenco Lambayeque es un cuenco datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.300 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayaque o arte sicán.

Cuenco Lambayeque

Cuenco Lambayeque

Fue hallado en el año 2.011 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el complejo arqueológico de Chotuna-Chornancap.

Localizado en en distrito de Lambayeque, ubicado en la provincia de Lambayeque, situada en el departamento de Lambayeque, en el Norte de Perú.

Poco después de su descubrimiento el Cuenco Lambayeque pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Brüning, en Perú.

Descripción

El diámetro más pequeño tiene 7 cm, mientras que el diámetro más grande tiene 11,1 cm.

Se trata de un pequeño cuenco fabricado en cobre plateado con forma de casquete esférico, con los bordes y el fondo formando una curva y la parte exterior del cuerpo totalmente ornamentada.

Los diseños repujados en relieve incluyen una figura central que lleva un tocado en forma de medialuna y sostiene un bastón, aparte está rodeada por un pájaro, una serpiente y una cabeza de felino.

También se puede observar como la banda más externa muestra seis criaturas que sostienen vasijas y llevan tocados en forma de medialuna, seguramente un indicador de un estatus elevado.

Para finalizar subrayar que el Cuenco Lambayeque es un cuenco ritual que fue encontrado en la mano izquierda de la señora de Chornancap (también conocida como sacerdotisa de Chornacap).

Cabe resaltar que se conoce que la señora de Chornancap son los restos femeninos de una gobernante y sacerdotisa lambayeque, siendo sus restos los primeros descubiertos de una mujer lambayeque de alto rango.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional Brüning, Perú.