miércoles, 31 de julio de 2024

Fragmento de Relieve: Soldado de Caballería

El Fragmento de Relieve: Soldado de Caballería es un fragmento de relieve datado aproximadamente entre los años 704 a.C. y 681 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Fragmento de Relieve: Soldado de Caballería

Fue hallado en el año 1.847 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el viajero, arqueológo, dibujante, coleccionista, escritor, político y diplomático británico Austen Henry Layard.

En el gran palacio del rey de Asiria Senaquerib, conocido como "Palacio Sin Rival", edificado en la antigua ciudad de Nínive.

Localizada en la confluencia de los ríos Tigris y Josr, situada en las inmediaciones de la actual ciudad de Mosul, en Irak.

Se conoce que perteneció a la colección del coleccionista, diplomático y lord teniente de Irlanda Ivor Churchill Guest (Primer Vizconde de Wimborne).

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.919 d.C. fue adquirido por el marchante de arte y coleccionista Dikran Kelekian.

En el año 1.927 d.C. el fragmento fue comprado por el coleccionista y magnate empresarial estadounidense John Davison Rockefeller.

En el año 1.930 d.C. fue prestado para su exposición al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), hasta que en el año 1.932 d.C. el Fragmento de Relieve: Soldado de Caballería fue donado finalmente al museo, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 62 cm, una anchura de 57 cm y un grosor de 4,5 cm.

Se trata de un fragmento de relieve de alabastro de yeso que presenta en su anverso una escena de un soldado asirio conduciendo un caballo junto a un gran río.

El soldado se encuentra equipado con un casco alto cónico, una lanza corta, un arco (también se puede observar un carcaj en la espalda) y una espada corta, que lleva en la cadera y aparentemente se sujeta a una correa que cruza el pecho.

Además la armadura fabricada con escamas de cuero o metal está colocada sobre una túnica y un manto. También se aprecia como hay un patrón de tramado en las piernas por encima de las botas altas, que podrían representar algún tipo de cubierta protectora.

En la mano izquierda sostiene la rienda con la que conduce el caballo. Aparte el caballo en sí lleva un elaborado arnés, que incluye carrilleras ornamentadas, una cresta en forma de medialuna que se eleva desde la parte superior de la cabeza y una gran borla a la altura del pecho.

Cabe destacar que en el Imperio Asirio los caballos eran una parte clave del ejército, e incluso se conoce que se libraron algunas campañas al norte y al este del imperio con el propósito de adquirirlos.

El fondo está compuesto por un río caudaloso lleno de peces, que están representados encima de las líneas que representan las ondas del agua.

Con respecto a la composición destacar que una característica inusual de los relieves palaciegos asirios que representan campañas militares es que se encuentran llenos de imágenes de paisajes.

Para finalizar subrayar que el Fragmento de Relieve: Soldado de Caballería procede originalmente de una escena mucho más grande que representa una campaña asiria que alguna vez llenó la pared de una sala del palacio del rey de Asiria Senaquerib

Aunque la ubicación de la campaña es incierta, algunos investigadores sugieren que el río puede ser el Tigris. En la escena original también se muestra el río atravesando un terreno montañoso y muy boscoso, lo que indica una zona al norte del corazón de Asiria.

Además debajo del río, los árboles y el pasaje se encuentran representados al revés, siendo éste un recurso utilizado a menudo para mostrar que el río atravesaba un valle escarpado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 30 de julio de 2024

San Antonio de Padua

San Antonio de Padua es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.484 d.C. y 1.490 d.C., perteneciente al arte renacentista.

San Antonio de Padua

Fue pintada por el pintor cuatrocentista italiano Cosimo Tura (también conocido como Cosmè Tura o II Cosmè).

La pintura fue encargada por el duque de Ferrara, de Módena y Reggio, miembro de la Casa de Este, Hercules I de Este (también conocido como Ercole I d'Este y apodado "El Diamante" y "Viento del Norte").

Es conocido que la pintura había sido realizada para su sobrino el obispo católico italiano Niccolò Maria d'Este.

Además resaltar que originalmente la pintura fue colocada en la Iglesia de San Nicolò en Ferrara, ubicada en la ciudad de Ferrara, localizada en la región de Emilia-Romaña (Italia).

Después la pintura pasó por varias instituciones antes de ser adquirida por el estado italiano.

Siendo en el año 1.906 d.C. cuando San Antonio de Padua pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Estense de Módena, Italia.


Descripción

Tiene una altura de 178 cm y una anchura de 80 cm. Está pintado en óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa al sacerdote de la Orden Franciscana, predicador y teólogo portugués San Antonio de Padua (también conocido como San Antonio de Lisboa o Antonio de Padua).

Aparece representado muy alto, con el rostro demacrado y consternado. Además llama la atención como está representado en un esquema cromático reducido que le hace parecer una estatua grotesca.

Se encuentra ataviado con un sayal marrón atado a la cintura con el cíngulo (cordón con tres nudos que representan la Pobreza, la Castidad y la Obediencia), de la vestimenta resalta como los pliegues están realzados por el incisivo claroscuro como si fueran de piedra, mientras que las manos alargadas y blancas rompen el suave curso de la figura.

La escena se encuentra ambientada en una logia con suelo de damero en perspectiva y un arco, sostenido por dos pilares corintios con pulvinos, más allá del cual se abre un vasto paisaje marino con un horizonte rebajado que hace que el santo parezca aún más alto.

También se observa como en el mar hay una ensenada (accidente geográfico costero consistente una entrada de agua circular o redondeada con una boca estrecha) con barcas, suavemente iluminadas por la luz dorada del atardecer.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que San Antonio de Padua muestra los desarrollos finales del arte del pintor italiano Cosimo Tura, marcados por un expresionismo profundo y original con destellos de invención visionaria.

Actualmente se encuentra en la Galería Estense de Módena, Italia.

lunes, 29 de julio de 2024

Espejo de St. Keverne

El Espejo de St. Keverne es un espejo datado aproximadamente entre los años 120 a.C. y 80 a.C., perteneciente al arte celta.

Espejo de St. Keverne

Espejo de St. Keverne

Fue hallado de manera accidental en el año 1.833 d.C. en un cementerio de la Edad de Hierro descubierto durante la construcción de una carretera.

La tumba en la que fue encontrado estaba revestida de piedra y entre los objetos hallados había: un espejo, un broche, dos brazaletes y un anillo.

Espejo de St. Keverne
El cementerio está ubicado en la localidad de St. Keverne, localizada en el condado de Cornualles, en Gran Bretaña.

En el año 1.873 d.C. el Espejo de St. Keverne fue donado por T. Edward y J. J. Rodgers al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.



Descripción

Tiene un diámetro de 165 mm, una longitud de 218 mm y un peso de 178 g. El mango tiene una longitud de 78,90 mm y un grosor de 7.30 mm. Mientras que el grosor de la placa es de 1,20 mm.

Se trata de un espejo de aleación de cobre decorado con ornamentación grabada al estilo La Tène en la parte posterior y un asa fabricada mediante la técnica de fundición.

Además el borde está decorado con triángulos rayados y el asa tiene un lazo que está contenido dentro de una forma de "Y", más allá de una moldura doble.

Se puede apreciar como los dos brazos en forma de "Y" se encuentran unidos al borde de la placa circular del espejo mediante un remache en cada lado.

Aparte el espejo tiene un acabado de bronce metálico y parece haber sido limpiado de una manera que se han eliminado todos los rastros de pátina.

En cuanto a la composición destaca como la parte posterior se encuentra decorada con un estilo relativamente simple dispuesto dentro de dos áreas circulares.

Con respecto al estado de conservación resaltar que la parte frontal del espejo se encuentra muy picada debido a la corrosión.

Para finalizar subrayar que los espejos decorados de éste tipo son exclusivamente británicos y se han encontrados muy pocos ejemplares en el continente europeo.

Siendo la mayoría de los espejos encontrados fechados entre los años 100 a.C. y 100 d.C. y hallados en el interior de tumbas formando parte de ajuares funerarios.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 28 de julio de 2024

Figura con Forma de Violín

La Figura con Forma de Violín es una escultura datada aproximadamente entre los años 3.200 a.C. y 2.700 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte cicládico.

Figura con Forma de Violín

Figura con Forma de Violín

Figura con Forma de Violín

Lo primero que se conoce es que entre los años 1.987 d.C. y 1.991 d.C. pertenecía a la colección de la "Fondation Thétis", ubicada en la ciudad de Basilea, en Suiza.

El 23 de mayo del año 1.991 d.C. la escultura fue comprada a través de la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), por la galería de arte "Safani Gallery", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.998 d.C. la Figura con Forma de Violín fue adquirida por el empresario y filántropo multimillonario estadounidense Leonard Norman Stern, pasando a formar parte de la colección de arte "Leonard N. Stern Collection".

Entre los años 2.024 d.C. y 2.034 d.C. la escultura ha sido trasladada a Grecia, con la finalidad de ser cedida para su exposición en el Museo de Arte Cicládico (también conocido como Museo Goulandris de Arte Cicládico), localizado en la ciudad de Atenas, en Grecia.

Figura con Forma de Violín



Descripción

Tiene una altura de 25,5 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, grabado, pulido y tallado.

Se trata de una escultura con forma de violín que representa una figura femenina sentada, compuesta por tres partes: un tallo cilíndrico alargado que representa la cabeza y el cuello, una superficie trapezoidal irregular que representa el pecho y los brazos y un torso inferior ancho y semicircular.

Además se puede observar una incisión en forma de "V" que delimita la base del cuello de la parte superior plana del torso.

Mientras que se aprecia como la zona del vientre es estrecha con una silueta curvilínea. Aparte tres líneas paralelas y horizontales incisas en el vientre pueden indicar una banda que lo envuelve o posiblemente un estado posparto.

También hay una cuarta incisión curvilínea que marca la parte superior del triángulo pélvico que está delineado por dos líneas verticales y un punto y una incisión vertical tenue situada entre ellas indican la vulva.

En cuanto a la parte posterior destacar que la figura se encuentra alisada y se ven tenues rastros de marcas de herramientas en la superficie.

Con respecto a la composición resaltar que la superficie alisada está cubierta de acumulaciones funerarias de color marrón y marrón rojizo. Hay evidencias de pérdidas antiguas debajo de las acumulaciones en la parte delantera derecha del cuello, el brazo izquierdo exterior, cerca del codo, el trasero izquierdo y el borde inferior trasero.

También hay una rotura en la base del cuello que fue reparada con un adhesivo. Es más el desgaste es  visible a lo largo de los bordes exteriores de la figura, incluida la parte superior de la cabeza, el lado izquierdo, la cintura y la parte inferior del borde inferior.

Para finalizar subrayar que la Figura con Forma de Violín es una de las figuras con forma de violín más altas que se han encontrado en excavaciones arqueológicas realizadas desde el año 1.898 d.C..

Las figuras esquemáticas con forma de violín aparecen desde la fase temprana de Grotta-Pelos hasta las fases del Grupo Kampos del período Cicládico temprano.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Cicládico, Grecia.

sábado, 27 de julio de 2024

Máscara de Teotihuacán

La Máscara de Teotihuacán es una máscara datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Máscara de Teotihuacán

Máscara de Teotihuacán

Lo primero que se conoce es que pertenecía a la colección de arte del platero y artista estadounidense William Spratling, ubicada en la ciudad de Taxco, localizada en el estado de Guerrero, en México.

En el año 1.957 d.C. la máscara fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre el año 1.957 d.C. y 1.979 d.C. fue prestada para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, Europa, Africa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Máscara de Teotihuacán fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 24,1 cm, una anchura de 24,8 cm y un diámetro de 11,7 cm. Está fabricada en esquisto, mediante las técnicas de incisión, grabado, pulido y tallado.

Se trata de una gran máscara con forma de rostro humano que presenta una frente horizontal geométricamente representada, una nariz triangular y la boca y los ojos ovalados.

Además ésta máscara representa un tipo facial idealizado que podría haber sido utilizado como un símbolo en lugar de un retrato, similar a otros motivos estandarizados presentes en el arte teotihuacán.

También se puede observar como las depresiones de los ojos y la boca sugieren que ésta máscara podría haber tenido originalmente incrustaciones de concha o pirita para la representación de los ojos y los dientes.

Aparte las perforaciones en los lados del reverso sugieren que originalmente estaba destinada a estar unida a otro objeto, pero dado el peso de la piedra y la falta de agujeros para los ojos y la boca, posiblemente no fue utilizada por personas vivas.

Por lo que podría haber estado unida a una escultura más grande y perecedera de figura humana o de deidad, o también podría haber sido montado sobre fardos de momias o deidades o colocados dentro de ellos.

Para finalizar subrayar que es conocido que las máscaras tridimensionales de piedra que representan un rostro humano idealizado son abundantes en el estilo escultórico de Teotihuacán.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 26 de julio de 2024

Linga con Rostro de Shiva

Linga con Rostro de Shiva es un linga datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte indio.

Linga con Rostro de Shiva

Se conoce que proviene de Jammu y Cachemira, un territorio de la unión de la India, localizado en el norte de India.

Perteneció a la colección del coleccionista, marchante de arte e historiador John Siudmak, siendo expuesto en la galería de arte "John Siudmak Asian Art", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.989 d.C. Linga con Rostro de Shiva fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 35,5 cm. 

Está fabricada en piedra, mediante las técnicas de incisión, tallado, pulido y grabado.

Se trata de una escultura con forma fálica que representa un lingam (también denominado linga o Shiva linga), apoyado sobre un pedestal y ornamentado con el rostro del dios Shiva (el Ser Supremo en el shivaísmo y uno de los dioses más importante del hinduismo capaz de crear o destruir lo que desee, conocido como "El Destructor" y representa la destrucción y la transformación universal).

En el rostro ovalado del dios destacan las cejas finas arqueadas, los ojos rasgados finamente delienados con los iris marcados, la nariz recta y los labios carnosos curvados en una sonrisa.

Pero sobretodo resalta como el rostro hermoso le da un semblante dulce a ésta compleja deidad, también muestra el tercer ojo de la sabiduría suprema, usa grandes orejeras para los oídos y tiene el cabello ondulado recogido en un moño de doble bucle decorado con una luna creciente, su motivo característico.

Además resaltar que se puede observar como las líneas incisas definen las glándulas fálicas.

Para finalizar subrayar que el dios Shiva manifestado en forma humana emergiendo del eje del linga, es una célebre representación del dios que alcanzó prominencia en el norte de la India durante el siglo V d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 500 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 25 de julio de 2024

Plato con Jóvenes y Caballos Alados

El Plato con Jóvenes y Caballos Alados es un plato datado aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Plato con Jóvenes y Caballos Alados

Se conoce que perteneció a la colección de arte de los coleccionistas e historiadores Nuri Farhadi y Habib Anavian.

Hasta que en el año 1.963 d.C. el Plato con Jóvenes y Caballos Alados fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 5,2 cm, un diámetro de 21 cm y un peso de 572 g.

Se trata de un plato de plata dorada poco profundo, con forma redonda que presenta el interior totalmente ornamentado con una escena en la que aparecen dos jóvenes de pie sobre plataformas uno frente al otro, cada uno sosteniendo un bastón y las riendas de un caballo alado.

Que recuerdan a las representaciones del héroe de la mitología griega, natural de Corinto, Belerofonte (también conocido como Belerofón y Belerofontes) y el caballo alado Pegaso, así como de los Dioscuros (los gemelos divinos Cástor y Pólux en las mitologías griega y romana).

Ambos caballos inclinan el cuello hacia abajo para beber de un gran vaso sostenido por una figura femenina, que aparece representada en forma de busto emergiendo de un friso de medias palmetas.

Siendo muy probable que sea la representación de una personificación del agua o de la diosa iraní del río Aredvi Sura Anahita (figura cosmológica indo-iraní, venerada como divinidad de las aguas, asociada con la fertilidad, la virginidad, la sanación, la sabiduría y la guerra).

También al fondo se observa como hay representada una pequeña figura con las piernas cruzadas tocando el laúd (instrumento musical de cuerda).

Para finalizar con respecto a la composición destacar que el plato presenta una escena inusual que toma elementos de los prototipos grecorromanos y elementos iraníes.

Es más la escena puede tener un significado cósmico, si es que los dos jóvenes representan la constelación de Géminis, denominada "Do-Paykar" en los textos astronómicos del persa medio.

Aparte resaltar que el plato fue martillado para darle la forma, para después decorarlo añadiendo piezas de metal para crear las zonas de altorrelieve y otros detalles mediante el uso de repujado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 24 de julio de 2024

Incensario con Elementos Arquitectónicos

El Incensario con Elementos Arquitectónicos es un incensario datado aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte omeya.

Incensario con Elementos Arquitectónicos

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en una gran casa de la ciudadela de Amán, situada en el centro de la ciudad de Amán, en Jordania.

En el año 1.963 d.C. el Incensario con Elementos Arquitectónicos pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Jordania, ubicado en la ciudad de Amán.


Descripción

Tiene una altura de 21 cm y una anchura de 16,5 cm. 

Se trata de un incensario, es decir, un recipiente usado para el suhumerio de materias aromáticas como el incienso. 

Llama la atención que presenta forma cuadrada formada con elementos arquitectónicos, sobre una base cuadrada hay cuatro pies situados en las esquinas que funcionan de soporte.

Además se puede observar como encima de la base hay una estructura arquitectónica de arcos que se sostienen en cuatro pilares con columnas ubicados en las esquinas y decorados con diversos ornamentos arquitectónicos tallados en relieve.

Con respecto a la composición resaltar que se asemeja a las estructuras omeyas, como la puerta de la ciudadela de Amán, que servía como sala de audiencias.

Aparte que resaltar que la ciudadela de Amán (denominada en árabe Jabal al-Qal'a, (جبل القلعة)) ocupaba un punto estratégico elevado en el corazón de la antigua ciudad de Amán.

La ciudadela forma parte de una serie de los conocidos como "palacios del desierto" construidos a lo largo de los caminos hacia la ciudad de Damasco (Siria), por el califato omeya a medida que consolidaba su poder en los siglos VII d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 800 d.C.).

Es más es conocido que en la ciudadela de Amán había edificios administrativos, estructuras defensivas, edificios residencias y una mezquita.

Para finalizar subrayar que el Incensario con Elementos Arquitectónicos fue prestado para ser expuesto en la exposición: "Byzantium and Islam: Age of Transition" (Bizancio e Islam: Era de transición), ocurrida desde el 14 de marzo al 8 de julio del año 2.012 d.C. en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Jordania, en Jordania.

martes, 23 de julio de 2024

Botella con Cabeza de Murciélago

La Botella con Cabeza de Murciélago es una botella datada aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 800 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Botella con Cabeza de Murciélago

Botella con Cabeza de Murciélago

La Botella con Cabeza de Murciélago fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Tembladera, en el valle del Jequetepeque, situado en el norte de Perú.

En el año 1,968 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Ente los años 1.968 d.C. y 1.978 d.C. fue prestado al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo que se dedicó a las artes de las culturas indígenas de Europa, Asia, África, Oceanía y América.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Botella con Cabeza de Murciélago fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Cabeza de Murciélago


Descripción

Tiene una altura de 21,6 cm, una anchura de 16,9 cm y un diámetro de 16,9 cm.

Se trata de una botella de cerámica con pico, que se encuentra diseñada con un cuerpo esculpido con forma de cabeza de animal con los dientes al descubierto.

Resalta como la boca con colmillos combinada con una nariz curvada hacia arriba, es una característica del murciélago de nariz de hoja (también conocido como Phyllostomidae), que se encuentran comúnmente en los Andes.

La nariz (una estructura en forma de lanza en el hocico), junto con las orejas son una herramienta fundamental en su capacidad para localizar objetos basándose en el sonido (o ecolocalización).

Representadas como crestas tridimensionales a cada lado del pico de la botella, las orejas de ésta figura están representadas en alerta como si estuvieran listas para recibir ondas sonoras.

Ubicados debajos de las orejas están representados los ojos negros, muy bruñidos, que recuerdan al espectador la visión nocturna de los murciélagos e imitan los brillantes ojos negros de la criatura.

Con respecto a la composición destacar que los motivos y las crestas tridimensionales colocadas en la parte superior de la cabeza de la figura es una combinación característica del estilo de Tembladera.

Aparte se observa como hay zonas policromadas encerradas por líneas incisas. La botella tiene rastros de pigmentos naranja, en la boca, las crestas, la parte posterior de la cabeza y el contorno de los ojos.

Mientras que hay rastros de pigmentos canela y blanco en los dientes y en las incisiones alrededor del fondo de la botella que bordean la base en una línea gruesa y ondulada.

También destacar que el color naranja sobre una superficie de color marrón oscuro crea el efecto del pelaje de color marrón oscura a naranja típico de algunas subespecies de murciélagos.

Para finalizar subrayar que para drenar el contenido de la botella, el pico se coloca en el centro, lo que exige que la botella esté casi completamente boca abajo.

Es más la inversión de la cabeza de la figura puede haber sido una referencia intencionada y divertida a la capacidad del murciélago para dormir y comer boca abajo.

Además cuando se invierte, el recipiente revela un fondo bruñido que imita el acabado de los ojos de la criatura.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 22 de julio de 2024

Alma Bendita

El Alma Bendita, también conocida como Alma Bienaventurada o Anima Beata, es una escultura datada en el año 1.619 d.C., perteneciente al arte barroco.

Alma Bendita
Alma Bendita

Alma Bendita

La escultura fue encargada por el cardenal español Pedro de Foix Montoya al arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini.

Originalmente se encontraba ubicada en la sacristía de la Iglesia de Nuestra Señora del Sagrado Corazón (también conocida como Iglesia de San Giacomo de los Spagnouli o Iglesia de Santiago de los Españoles), situada en la ciudad de Roma, localizada en la región de Lacio (Italia). 

Estuvo en la iglesia hasta que en la segunda mitad del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.851 d.C. y 1.900 d.C.) el Alma Bendita fue transferida al Palacio de España (también denominado Palacio Monaldeshi), localizado en la ciudad de Roma, en Italia.

También cabe destacar que ésta localización es utilizada en la actualidad como la embajada española ante la Santa Sede (también conocida como Sede Apostólica, Sede de Pedro o Sede de Roma).

Alma Bendita
Alma Bendita



Descripción

Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.

Se trata de una escultura a tamaño real que representa el busto de una mujer joven idealizada, con la vista fijada en lo alto y una expresión extasiada en el rostro.

En el rostro destacan las cejas finas arqueadas, los ojos almendrados, la nariz recta, los pómulos marcados, los labios carnosos entreabiertos que dejan apreciar los dientes y el mentón redondeado.

Además se puede observar como el cabello largo y ondulado se encuentra peinado en un elaborado recogido enmarcando el rostro. También resalta como en la parte superior de la cabeza lleva una corona de flores.

Para finalizar subrayar que que la obra Alma Bendita contrasta con la obra Alma Maldita (ambas esculpidas por Gian Lorenzo Bernini), puesto que una encarna las almas salvadas de los bienaventurados que van al cielo y la otra encarna las almas condenadas a la condena eterna del infierno.

Sin embargo enfatizar que aunque la opinión más aceptada es que la figura de la mujer representa la beatitud cristiana, estudios recientes consideran que la escultura podría representar la figura de una ninfa (deidad menor femenina asociada a un manantial, un arroyo, un monte, un mar o una arboleda. También son consideradas espíritus divinos que animal la naturaleza y ayudantes de otras deidades principales).

Actualmente se encuentra en el Palacio de España (también denominado Palacio Monaldeshi), Italia.

domingo, 21 de julio de 2024

Plato Tailandés con Borde Foliado

El Plato Tailandés con Borde Foliado es un plato datado aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte tailandés

Plato Tailandés con Borde Foliado

Soporte de Espejo Inciso

Se conoce que procede del distrito de Si Satchanalai, localizado en la provincia de Sukhothai, en el centro-norte de Tailandia.

Perteneció a la colección de arte del coleccionista Charles L. Cleveland, ubicada en la ciudad de Mineápolis, situada en el estado de Minesota (Estados Unidos de América).

En el año 2.015 d.C., por descendencia, pasó a ser propiedad de sus herederos quienes subastaron el plato en la casa de subastas "Hidman Auctioneers" de la ciudad de Chicago (Estados Unidos de América).

Siendo adquirido por los coleccionistas de arte Sr. y Sra James E. Breece III, pasando a formar parte de la colección de arte "James E Breece III", ubicada en la ciudad de Litchfield, situada en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

En el año 2.021 d.C. el Plato Tailandés con Borde Foliado fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 32 cm. 

Se trata de un gran plato con forma circular ,profundo y con un pie alto y empotrado, que presenta un diseño inciso en la arcilla húmeda, en el que se ha acumulado el esmalte, siendo su mayor profundidad lo sirve para realzar cromáticamente la decoración.

En el centro hay representado un círculo floral y el cavetto se encuentra ornamentado por cuatro flores de lotos dibujadas. 

También destaca como el borde cuidadosamente festoneado crea un efecto foliado, haciendo eco de las flores de loto talladas en su interior.

Además cabe resaltar que el pie no se encuentra vidriado y presenta quemaduras por oxidación del proceso de cocción.

Para finalizar subrayar que el Plato Tailandés con Borde Foliado es un gran ejemplo de los gres con decoración incisa y vidriado de celadón verde producidos en los hornos de Si Satchanalai, en el centro-norte de Tailandia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 20 de julio de 2024

Soporte de Espejo Inciso

El Soporte de Espejo Inciso es un soporte datado aproximadamente entre los años 300 d.C. y 700 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Soporte de Espejo Inciso

Se conoce que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la provincia de Limón, localizada en el extremo oriental de Costa Rica.

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.977 d.C. el Soporte de Espejo Inciso fue donado, por un coleccionista anónimo, al Museo Peabody de Arqueología y Etnología, un museo afiliado a la Universidad de Harvard, localizado en Cambridge, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm, una anchura de 15,2 cm y un grosor de 0,5 cm. 

Está fabricado en pizarra y pirita.

Se trata del soporte de un espejo con forma circular que presenta el reverso ornamentado con una escena incisa en bajorrelieve y realzada con elementos trapezoidales. 

La escena representa es una escena de buzos que buscan conchas spondylus (bivalvo o pelicípodo que se caracteriza por tener una concha fuerte, con espinas exteriores y la coloración que va desde el color blanco hasta el púrpura intenso), resaltando así la importancia de ésta concha marina en el arte teotihuacán.

También se puede apreciar como el soporte presenta en la parte superior y en la parte inferior dos agujeros perforados que originalmente eran utilizados para fijar el soporte al reverso del espejo.

Además subrayar que en la Mesoamérica precolombina las placas de pizarra eran utilizadas como soportes para espejos de pirita, unos objetos rituales considerados como elementos esenciales de los ajuares reales.

Es más se conoce que el Soporte de Espejo Inciso fue intercambiado en la ciudad de Teotihuacán (México), siendo llevado hacia el sur de Costa Rica dónde fue colocado en el interior de la tumba de un personaje de alto rango.

Para finalizar subrayar que el soporte fue expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos dorados: lujo y legado en la antigua América), ocurrida desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. hasta el 28 de enero del año 2.018 d.C. en el Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América).

También el Soporte de Espejo Inciso fue expuesto desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos dorados: lujo y legado en la antigua América), llevada a cabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Peabody de Arqueología y Etnología, Estados Unidos de América.

viernes, 19 de julio de 2024

Bolso del Corán

El Bolso del Corán, también conocido como Qur'an Case, es un bolso datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Bolso del Corán

Se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Bolso del Corán

Por sus características se piensa que pudo haber sido fabricado en un taller de la ciudad de Granada, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Se encontró en propiedad de la marquesa de Dos Aguas María del Carmen Dasí y Moreno, siendo expuesto en su colección de arte ubicada en el antiguo Palacio del Marqués de Dos Aguas, edificado en la ciudad de Valencia (España).

Después perteneció a la colección de arte del aristócrata, soldado y autor francés, cuarto duque de Dino y segundo marqués de Talleyrand, Charles Maurice Camille de Talleyrand-Périgord.

Hasta que en el año 1.904 d.C. el Bolso del Corán fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Bolso del Corán


Descripción

Tiene una altura de 10,8 cm y una anchura de 12,4 cm.

Se trata de un bolso de cuero ornamentado con bordados tejidos con hilo de plata dorada, el bolso presenta forma cuadrada y una solapa de apertura en forma de escudo.

Contiene en el anverso volutas vegetales entrelazadas y el lema dinástico nazarí, todo ello bordado en hilo de plata dorada, mientras que el reverso está ornamentado con motivos entrelazados de estrellas y curvilíneos y una repetición del lema.

También se puede apreciar como hay una inscripción en idioma árabe, en escritura nasji (estilo de caligrafía árabe de formas redondeadas y letras pequeñas), repetida en el anverso y el reverso.

La inscripción y una traducción aproximada es la siguiente:

"لا غالب إلا الله" = "No hay vencedor sino Alá"

Aparte se pueden observar como hay diseños foliados similares a las volutas vegetales que también rodean las medias lunas plateadas que flanquean la inscripción.

Con respecto a la composición destacar que los motivos bordados pertenecen al repertorio decorativo más amplio asociado con los motivos en objetos realizados en la ciudad de Granada nazarí.

En cuanto a la funcionalidad reslatar que originalmente podría haber contenido segmentos del Corán, posiblemente un juz' (el Corán generalmente se divide en treinta parte o juz', una para cada día del mes).

Para finalizar subrayar que una inscripción francesa en un trozo de papel encontrado dentro de la bolsa en el momento de la compra afirmaba que pertenecía al último sultán del reino nazarí de Granada Abū ‘Abd Allāh Muhammad ibn Abī il-Hasan ‘Alī (también conocido como Muhammad XII o Boabdil).

Además resaltar que el Bolso del Corán es uno de los pocos objetos de cuero bordado que han sobrevivido del período nazarí, por lo que está considerado un raro y excelente ejemplo que refleja el refinamiento y la opulencia de la corte nazarí.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 18 de julio de 2024

Jarra Silbadora de Jaguar

La Jarra Silbadora de Jaguar es una jarra datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Jarra Silbadora de Jaguar

Jarra Silbadora de Jaguar

Lo primero que se conoce es que formaba parte de la colección de la coleccionista de arte Elizabeth M. Riley

Hasta que en el año 2.002 d.C. la Jarra Silbadora de Jaguar fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección.


Jarra Silbadora de Jaguar


Descripción

Tiene una altura de 11,1 cm, una anchura de 7,6 cm y una longitud de 15,2 cm. 

Se trata de una jarra de cerámica policromada con forma de felino yacente que presenta un pico en el lomo del animal y un asa que lo conecta con la parte posterior de la cabeza hueca de la criatura, cerca de la apertura para el silbato.

Además resaltar que cuando la jarra se llena parcialmente con líquido y se inclina hacia delante, se expulsa el aire y se emite un sonido.

El felino fue pintado con engobes policromados (suspensiones acuosas de partículas de arcilla con diferentes pigmentos), con la finalidad de lograr un pelaje tostado con manchas negras y el vientre color crema, con el pico de la jarra y el puente de color granate.

Aparte se aprecia como la cola rayada se encuentra pintada en el lado derecho del felino y las patas pequeñas están modeladas debajo del pecho, mientras se observa como una pata trasera está modelada en el lado izquierdo derecho del felino.

Con respecto a la composición resaltar que la figura se encuentra muy bruñida, es decir, la arcilla húmeda se frotó con una piedra u otro instrumento antes de cocerla, lo que produjo una superficie más reflectante.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores piensan que la cola rayada o anillada del felino sugiere que puede ser un gato de las pampas (Leopardus colocola), un pequeño gato salvaje originario de América del Sur.

Además dentro del arte wari los felinos son a menudo considerados símbolos de poder y las fauces abiertas con los colmillos expuestos recuerdan a los jaguares de pie y reclinados que fueron creados por los artistas precolombinos desde el año 1.500 a.C. en las costas norte y sur de Perú.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 17 de julio de 2024

Recipiente para Óleos Sagrados

El Recipiente para Óleos Sagrados es un recipiente datado aproximadamente entre los años 400 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte medieval.

Recipiente para Óleos Sagrados

En concreto al arte prerrománico y dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte merovingio.

Recipiente para Óleos Sagrados

Cabe destacar que por sus características se piensa que posiblemente fue fabricado en algún taller ubicado en el noroeste de Francia.

También se conoce que perteneció a la colección del marchante y coleccionista de arte austriaco Leopold Blumka, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.965 d.C. el Recipiente para Óleos Sagrados fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Recipiente para Óleos Sagrados

Recipiente para Óleos Sagrados

Recipiente para Óleos Sagrados

Recipiente para Óleos Sagrados

Recipiente para Óleos Sagrados


Descripción

Tiene una altura de 8,9 cm, una anchura de 11,3 cm y un grosor de 4,5 cm. 

Está fabricado en hueso, pintura y alfileres de metal.

Se trata un pequeño recipiente rectangular con tapa abovedada que probablemente es un crismatorio, es decir, un recipiente portátil utilizado para transportar el aceite sagrado.

Un lado del recipiente presenta una roseta agrandada de seis pétalos dentro de un doble círculo, un motivo que se encuentra en los sarcófagos y objetos litúrgicos merovingios.

Aparte la cubierta de bóveda de cañón, también es una característica de los sarcófagos paleocristianos.

Se puede observar como el recipiente está decorado con puntos rodeados de círculos concéntricos, situados en filas a lo largo de los bordes del recipiente, en las esquinas de la base empotrada y en patrones decorativos en los lados y la tapa.

Además el recipiente se compone de varias piezas más pequeñas de hueso que se mantienen unidas mediante uniones de machihembrado (sistema para ensamblar las tablas o piezas de forma que el saliente de una penetre en la ranura de otra).

Los contornos rectangulares y los orificios de montaje en los laterales más cortos del recipiente indican que también se colocaron placas, tal vez como decoración, como sujetadores o como cerraduras.

Los agujeros adicionales en los lados cortos indican que el recipiente originalmente se encontraba suspendido de una cadena o una correa, aparte resaltar que ésta correa parece haberse frotado repetidamente contra los lados de la funda mientras estaba en uso, lo que ha dejado rayones alrededor de cada agujero.

Recipiente para Óleos Sagrados

Con respecto a la composición destacar que los motivos de círculos y puntos, comunes en el arte antiguo tardío y medieval, se grabaron fácilmente en el hueso utilizando una herramienta parecida a una brújula con un radio fijo.

Es más el número de repeticiones y los patrones formados por los motivos probablemente tenían un significado cosmológico o numerológico.

Aunque éste significado se desconoce en la actualidad, puesto que los patrones en forma de cruz en la tapa y en los lados laterales más grandes del reciente habrían recordado a los espectadores cristianos la salvación que ofrecen los sacramentos que contiene.

Para finalizar subrayar que aunque sobreviven pocos crismatorios, fuentes medievales desvelan que los clérigos los llevaban alrededor del cuello cuando ministraban o viajaban fuera de sus comunidades religiosas.

Además existen evidencias que también eran utilizados para transportar las hostias y las reliquias consagradas. Por lo tanto, los crismatorios eran esenciales para realizar los sacramentos incluido el bautismo, la confirmación y la unción de los enfermos y debido a su contenido sagrado, también se creía que los crismatorios protegían al individuo que los llevaba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 16 de julio de 2024

Vasija en Forma de Ser Mitológico

La Vasija en Forma de Ser Mitológico es una vasija datada aproximadamente entre los años 200 d.C. y 400 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Vasija en Froma de Ser Mitológico

Vasija en Forma de Ser Mitológico

Lo primero que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa Norte de Perú.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del arqueólogo, investigador, escritor, ingeniero agrícola e historiador peruano Rafael Carlos Víctor Constante Larco Hoyle.

Hasta que en el año 1.926 d.C. la Vasija en Forma de Ser Mitológico fue legado al Museo Larco (también conocido como Museo Arqueológico Rafael Larco Herrera), ubicado en la ciudad de Lima (Perú).

Vasija en Forma de Ser Mitológico



Descripción

Tiene una altura de 20,1 cm, una anchura de 10,3 cm, una longitud de 13,7 cm y un peso de 766 g.

Está fabricada en cerámica con incrustaciones de nácar y turquesa.

Se trata de de una vasija de cerámica que ha sido modelada y pintada con la forma de una criatura mitológica conocida  como "Animal Lunar", "Zorro Lunar", "Dragón Andino" o "Felino Rampante" y con la parte superior del cuello de la vasija (gollete) con forma de pico de estribo.

Vasija en Forma de Ser Mitológico
Resalta como en la vasija hay un total de 148 cuentas de concha (nácar), muchas de ellas actualmente fragmentadas, mientras que el ojo está representado mediante la incrustación de una piedra crisocola.

Éste animal mitológico mezcla la figura de un felino, de un ave, de un zorro y de una serpiente. 

Además se puede apreciar como el ojo de color turquesa es al mismo tiempo el del felino y del ave que proyecta el pico hacia atrás. 

Mientras que la cola y el pelo del felino se extienden hacia atrás como serpientes. 

Con respecto a la composición resaltar que el cuadrúpedo representado tiene características felinas y caninas, así como rasgos de zorro tales como las orejas triangúlales.

Es más se conoce que dentro de la sociedad moche los dioses y jefes supremos adoptan los rasgos de felino, de aves y de serpiente, que se encuentran vinculados con el cielo nocturno.

Para finalizar subrayar que la Vasija en Forma de Ser Mitológico fue prestada desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. al Museo J. Paul Getty, para ser expuesta en la exposición: "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" ("Reinos dorados: lujos y legado en la antigua América").

También la vasija fue expuesta desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. en la exposición: "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" ("Reinos dorados: lujos y legado en la antigua América"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América). 

Actualmente se encuentra en el Museo Larco de Lima, Perú.

lunes, 15 de julio de 2024

Esfinge de Tebas de Terracota

La Esfinge de Tebas de Terracota es una escultura datada aproximadamente entre los años 550 a.C. y 525 a.C., perteneciente al arte griego.

Esfinge de Tebas de Terracota

Esfinge de
Tebas de Terracota

Esfinge de
Tebas de Terracota

Lo primero que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Tebas.

Ubicada al norte de la cordillera de Citerón, en el borde sur de la unidad periférica de Beocia (Grecia).

También es conocido que perteneció a la colección de arte del arqueólogo Evangelos Triantaphyllos.

Hasta que en el año 1.898 d.C. la Esfinge de Tebas de Terracota fue comprada por el Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de antigüedades griegas, etruscas y romanas.

Esfinge de Tebas de Terracota
Esfinge de Tebas de Terracota

 

Descripción

Tiene una altura de 29 cm. Está fabricada en terracota, mediante las técnicas de modelado y pintado.

Se trata de una pequeña escultura de busto redondo o exenta que representa la figura de una esfinge, es decir, un ser mitológico representado con rostro de mujer, cuerpo de león y alada.

Aparece representada sentada apoyada en sus patas traseras, mientras las dos patas delanteras están estiradas hacia delante.

Las alas están representadas estiradas y curvadas, además llama la atención como el cuello largo es de un tamaño desproporcionado con respecto al cuerpo.

Aparte en el rostro femenino destacan los ojos almendrados apenas marcados, la nariz recta parcialmente mutilada, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

También lleva aretes circulares, restos de pintura negra en el cabello y en la parte superior de la cabeza lleva un Kalathos o Cálanos (un tocado con forma similar a una cesta de mimbre troncocónico), ornamentado con un patrón lineal y con diversos motivos geométricos pintados en color rojizo.

Con respecto al estado de conservación destacar que la escultura se encuentra incompleta, se puede apreciar como le falta un fragmento de los cuartos traseros y numerosos fragmentos han sido pegados nuevamente.

Para finalizar como curiosidad resaltar que dentro de la mitología griega la esfinge se encuentra considerada una criatura mitológica de mala suerte, traicionera, despiadada y un símbolo de destrucción.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

domingo, 14 de julio de 2024

Botella Quimbaya con Cara y Cuello

La Botella Quimbaya con Cara y Cuello es una botella datada aproximadamente entre los siglos X d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Botella Quimbaya con Cara y Cuello

Lo primero que se conoce es que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la orilla del río Cauca, a su paso por el Valle del Cauca, en Colombia.

También es conocido que perteneció a la colección de arte de los coleccionistas Dr. y Sra Howard Russell Hartman.

Hasta que en el año 1.970 d.C. la botella fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 22,5 cm y una anchura de 12,7 cm. 

Se trata de una botella de cerámica compuesta por una pequeña cámara globular, con un cuello con forma de estribo y una cara en la parte superior de los picos.

Resalta como los picos unidos en forma de cabeza humana presenta los rasgos faciales (las orejas, los ojos, la nariz y la boca) perforadas, se piensa que originalmente éstas perforaciones podrían haber sujetado adornos.

Además se aprecia como en la parte superior de la cabeza hay un pequeño agujero por el que se habría introducido el líquido.

Aparte toda la superficie exterior de la botella se encuentra ornamentada con diversos patrones geométricos en color negro sobre un fondo blanco y rojo.

Para finalizar subrayar que éste tipo de recipientes con pico de estribo son relativamente poco común en Colombia. Sin embargo se han hallado diferentes ejemplos, como la Botella Quimbaya con Cara y Cuello, entre las ofrendas funerarias halladas en la zona media del río Cauca.

Es más en el interior de las tumbas se han hallado recipientes de éste tipo colocados en filas flanqueando el cuerpo del difundo y también se han encontrado recipientes colocados alrededor de la cabeza del difundo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Haniwa de una Miko

El Haniwa de una Miko , también conocido como 埴輪巫女, es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre l...