Folio de Kalila wa Dimna

El Folio de Kalila wa Dimna, también conocido como La Ejecución de los Brahmanes Folio de Kalila wa Dimna, es un manuscrito datado aproximadamente en el segundo cuarto del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.526 d.C. y 1.550 d.C.), perteneciente al arte indio.

Folio de Kalila wa Dimna

Folio de Kalila wa Dimna

Lo primero que se conoce es que pudo haber sido elaborado en el estado de Guyarat, ubicado en la zona occidental de la India.

También se conoce que estuvo en el mercado de arte indio hasta que en el año 1.969 d.C. fue comprado por el marchante de arte parsi-estadounidense Nasli heeramaneck.

En el año 1.971 d.C., por herencia, pasó a ser propiedad des su esposa la pintora y coleccionista de arte Alice Heermaneck.

Hasta que en el año 1.982 d.C. el Folio de Kalila wa Dimna fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Folio de Kalila wa Dimna

Folio de Kalila wa Dimna

Folio de Kalila wa Dimna

Descripción

Tiene una altura de 31,8 cm y una anchura de 22,6 cm. Mientras que el tamaño promedio del texto tiene una altura de 21,9 cm y una anchura de12,4 cm. 

Está elaborado en tinta y acuarela opaca sobre papel.

Se trata de un folio que forma parte de un manuscrito que contiene setenta y ocho pinturas y numerosos folios de texto que narran las famosas historias de los chacales Kalila y Dimna.

Haciendo referencia a la obra literaria indopersa "Kalila wa-Dimna", una famosa colección de fábulas de animales, originaria del Panchatantra indio escrito por el poeta Vidyapati (Bidpai).

Se conoce que éstas historias se difundieron por todo Oriente Medio, dónde alcanzaron gran popularidad. Además resaltar que éste manuscrito presenta una marcada influencia del Egipto mameluco en el estilo de las figuras y los dibujos audaces, con reminiscencias de los tulipanes otomanos y los turbantes sáfavidas.

Sin embargo, la paleta de tonos naranjas quemado y las líneas de tinta oscura han llevado a atribuirlo al Sultanato de Gujarat (estado musulmán que existió entre los años 1.407 d.C. y 1.572 d.C. en el estado de Gujarat (India)). 

Dónde se sugiere que el Folio de Kalila wa Dimna fue copiado de un original egipcio por el escritor en idioma persa Abdallah Ibn al-Muqaffa (también conocido como Ibn al-Muqaffa).

Para finalizar subrayar que su presencia en la India también queda atestiguada por una inscripción en escritura devenagari (un alfasilabario que se escribe de izquierda a derecha y se caracteriza por tener una línea horizontal superior que conecta la mayoría de las letras) al final. 

Aunque si bien el resto del texto árabe está escrito en una caligrafía naskh (escritura pequeña y redonda de caligrafía islámica) robusta, inclinada hacia la izquierda.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Torso, Efecto de Sol

Torso, Efecto de Sol, también conocido como Desnudo a la Luz del Sol, es una pintura datada en el año 1.875 d.C., perteneciente al impresionismo.

Torso, Efecto de Sol

Fue pintado por el pintor francés Pierre-Auguste Renoir. 

En el año 1.886 d.C. la pintura fue adquirida por el pintor, coleccionista de arte, mecenas y organizador de exposiciones francés Gustave Caillebotte.

En el año 1.896 d.C. la pintura Torso, Efecto de Sol fue aceptada por el Estado Francés tras el legado de Gustave Caillebotte.

Fue en noviembre del año 1.896 d.C. cuando el historiador y curador de arte francés Léonce Bénédite fue recuperó la pintura para el Museo de Luxemburgo, localizado en la ciudad de París (Francia).

Desde el 30 de enero del año 1.929 d.C. al año 1.947 d.C. permaneció en el Museo del Louvre de París (Francia).

Entre los años 1.947 d.C. y 1.986 d.C. la pintura fue expuesta en la "Galerie du Jeu de Paume", ubicada en la ciudad de París (Francia).

Hasta que en el año 1.986 d.C. la pintura Torso, Efecto de Sol fue transferida al Museo de Orsay de la ciudad de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Torso, Efecto de Sol

Descripción

Tiene una altura de 81 cm y una anchura de 65 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 102,5 cm y una anchura de 86,5 cm. 

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven, conocida como Anna Leber, con el pecho desnudo en un entorno verde compuesto por una exuberante vegetación.

En el rostro redondeado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos rosados, el mentón redondeado. 

El cabello es largo marrón, ondulado y con algunos mechones descansando sobre los hombros. En el cuerpo destaca como la espalda está ligeramente encorvada hacia delante, los pechos son grandes y redondeados y el brazo izquierdo está ornamentado con una pulsera dorada.

También se puede apreciar como situado en la parte inferior izquierda se encuentra en color negro la firma del autor: "Renoir".

Con respecto a la composición resaltar que la pintura utiliza principalmente colores primarios y secundarios, omitiendo por completo el color negro.

Además destacar que las manchas de color han sido creadas con pinceladas pequeñas que crean un efecto de fusión característico a medida de que el espectador se aleja de la pintura.

Para finalizar subrayar que en el momento en que la pintura fue expuesta al público, en la segunda exposición impresionista ocurrida en abril del año 1.876 s.C. en la ciudad de Paris (Francia).

La pintura se destaco por su crudo verismo (representación extrema y sin idealización de la realidad), puesto que el autor con la representación opulenta tez de la joven exploró la identidad material entre el color, los cuerpos y los efectos de la luz.

Sobretodo llamó la atención como cuando la luz solar altera los colores de la piel de la joven, si la luz incide directamente sobre la piel, ésta adquiere sus habituales tonos rosados, mientas que si la luz penetra a través del follaje de la vegetación (que actúa como un filtro) se crean manchas mayormente en tonos verdosos.

Todo ello fue considerado por sus coetáneos revolucionario, ya que el autor consiguió contener la pérdida de la luz reflejada, para crear una imagen que transmite la misma intensidad visual que se obtiene con una percepción directa de la realidad.

Es más la utilización de los tonos amarillos, ocres, rosas, rojos y verdes para representar la piel sorprendieron a la gran mayoría del público que no estaba dispuesto a aceptar que la sombras debían colorearse y llenarse de luz.

Actualmente se encuentra en el Museo Orsay de París, Francia.

Bolsa Bordada con Flecos

La Bolsa Bordada con Flecos es una bolsa datada aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Bolsa Bordada con Flecos

Bolsa Bordada con Flecos

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión del conservacionista, filántropo, patrocinador de Boy Scouts, cazador de caza mayor y coleccionista de antigüedades antiguas estadounidense George Dupont Pratt.

Formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Glen Glove, situada en el condado de Nassau, en el estado de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.932 d.C. la Bolsa Bordada con Flecos fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una anchura de 21,26 cm y una longitud de 41,91 cm. Está tejido en pelo de camélido.

Se trata de una bolsa bordada que originalmente era utilizada para transportar hojas de coca y que ha sido confeccionada por tejedores de la cultura Nasca que dominaba los valles costeros del sur de Perú.

La bolsa ha sido confeccionada en una única pieza con hilo rojo tejido discontinuo en un extremo, dónde los extremos sin tejer de las urdimbres formaban un fleco.

También se puede apreciar siete bandas entrelazadas en amarillo, azul y negro, que forman caras de animales con ojos rojos y que han sido bordadas sobre la tela base roja.

Asimismo resaltar que el tejido se doblaba por la mitad, formando las borlas con las urdimbres sin tejer, siendo utilizado un punto de cruz para rematar los bordes.

Un cordón para cerrar la bolsa se sujetaba en la parte superior.

Con respecto a la composición destacar que las condiciones áridas del desierto de la costa sur del Perú son ideales para la conservación de materiales orgánicos como los textiles, incluido la Bolsa Bordada con Flecos.

Aparte resaltar que la bolsa fue elaborada durante un período en el que la cultura Nasca comenzaba a manifestar influencias del imperio Wari, originario de la región de Ayacucho, en la sierra, y que posteriormente dominó la mayor parte de la costa peruana.

Es más enfatizar que los rasgos del arte wari son evidentes en el patrón del diseño bordado y en el uso exclusivo de hilo de camélido, ya que las llamas y las alpacas no eran nativas de la costa.

Para finalizar subrayar que se conoce que masticar hojas de coca con cal viva o ceniza libera clorhidrato de cocaína, que entra rápidamente en la circulación del ser humano y produce un leve efecto narcótico.

En la cultura nasca, y en otras culturas precolombinas, se pensaba que la droga proporcionaba energía y enmarcaba el hambre. Incluso en las sociedades tradicionales actuales, masticar hojas de coca implica rituales tanto sociales como religiosas, por lo que es razonable pensar que esto era cierto hace miles de años.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Diadema Nasca

La Diadema Nasca, también conocida como Diadema Nazca, es una diadema datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nasca o arte nazca.

Diadema Nasca

Se conoce que procede de unas excavaciones arqueológicas realizadas cerca del río Grande de Nasca, en Perú.

También es sabido que perteneció a la colección del coleccionista de arte Louis Slavitz, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América),

En el año 1.958 d.C. la diadema fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.958 d.C. y 1.978 d.C. fue prestada para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Europa, Asia, África y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Diadema Nasca fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 7,6 cm, una profundidad de 142,2 cm y una longitud de 346,1 cm. Está tejida en fibra de camélido.

Se trata de una diadema o cinta para la cabeza de vibrantes colores con borlas ornamentales, que ha sido elaborada por los tejedores nazcas en la costa sur de Perú.

Es más la diadema ilustra tanto la impresionante destreza técnica necesaria para producir una tela de ésta longitud y complejidad.

Como ilustra la notable conservación de la materia orgánica en el desierto de Nasca, uno de los lugares más secos del planeta. 

Se conoce que los artistas nasca obtenían el brillante color azul con índigo y el rojo con cochinilla (insecto al que se le extrae el ácido carmínico) o Galium spurium (género de plantas herbáceas anuales y perennes).

En cuanto al diseño geométrico escalonado del cuerpo de la diadema resaltar que es un estilo común reproducido en numerosas prendas Nasca de éste período.

Además se puede apreciar como las borlas de los dos extremos se encuentra realizadas de urdimbres tejidas en seis haces con los mismos colores que el cuerpo principal de la tela.

Para finalizar subrayar que el uso exclusivo de fibras de camélidos, que eran obtenidas de llamas y alpacas nativas de las zonas altas de los Andes, sugiere una influencia en el arte nazca de la cultura wari de las tierras altas, un imperio que posteriormente dominó la costa Perú.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figurilla de Tipo Tau

La Figurilla de Tipo Tau es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.300 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Figurilla de Tipo Tau

Figurilla de Tipo Tau

Fue esculpida durante el período Heládico Tardío (IIIA), también conocido como período Micénico Tardío.

Un período datado aproximadamente entre los años 1.380 a.C. y 1.340 a.C., caracterizado por el apogeo de las grandes edificaciones palaciegas, la expansión marítima y un sistema palacial complejo.

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del comerciante de arte griego Theodoros A. Zoumpoulakis (Zουμπουλάκης), situada en la ciudad de Atenas (Grecia).

En el año 1.926 d.C. la escultura fue comprada por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.935 d.C. la Figurilla de Tipo Tau fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Figurilla de Tipo Tau

Figurilla de Tipo Tau

Figurilla de Tipo Tau

Descripción

Tiene una altura de 10,8 cm.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento de terracota que representa una figura femenina de tipo Tau en posición de pie, cabe resaltar que recibe su nombre a que su forma se asemeja con la forma de la letra griega "tau".

Sobretodo destaca por su tradicional tallo hueco y columnar, con la cabeza ligeramente más grande en proporción al cuerpo.

Además la figura presenta una cintura alta y los brazos están representados como tiras de arcilla aplicadas individualmente, cuidadosamente dobladas sobre el pecho.

Se encuentra ataviada con una prenda larga, ornamentada de forma sencilla con dos líneas verticales que recorren la parte delantera y trasera.

Mientas que el peinado de la figura es particularmente distintivo, con una trenza que se extiende sobre la parte superior del tocado y baja por la nuca.

También se observa como un flequillo de cabello asoma por debajo del borde festonado (borde decorado con una forma ondulada, de ondas o de arcos semicirculares que se asemejan a un festón).

Para finalizar subrayar que la mayoría de las figuras humanas de arcilla esculpidas en la Grecia continental entre los siglos XIV a.C. y XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.201 a.C.) son femeninas y se encuentran representadas en poses convencionales (con los brazos en alto, los brazos cruzados o los brazos a ambos lados del cuerpo).

Es más estás esculturas han sido producidas en gran número y han sido descubiertas en interior de tumbas, santuarios y altares domésticos.

Aparte enfatizar que por lo general los historiadores las asocian con el culto a una deidad femenina, creyendo que pueden ser la representación de diosas o de adoradoras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sin Pan y Sin Trabajo

Sin Pan y Sin Trabajo es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.892 d.C. y 1.894 d.C., perteneciente al realismo.

Sin Pan y Sin Trabajo

Fue pintada por el docente y pintor argentino Ernesto Celedonio Emeterio de la Cárcova (también conocido como Ernesto de la Cárcova).

En el año 1.894 d.C. la pintura fue expuesta en la primera exhibición pública realizada en el Segundo Salón del Ateneo de la ciudad de Buenos Aires, en Argentina.

En el año 1.904 d.C. la pintura fue seleccionada por el pintor, crítico e historiador argentino Eduardo Schiaffino, para su envío a la Exposición Universal de San Luis (también conocida como Louisiana Purchase Exposition).

Celebrada en la ciudad de San Luis, en el estado de Misuri (Estados Unidos de América) y dónde ganó el Gran Premio apareciendo también en varios periódicos.

Desde el año 1.906 d.C. la pintura Sin Pan y Sin Trabajo se encuentra expuesta en el Museo Nacional de Bellas artes de Buenos Aires (Argentina).

Descripción

Tiene una altura de 216 cm y una altura de 125,5 cm. Está pintada al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa a una familia obrera compuesta por un hombre, una mujer y un niño en extrema pobreza, con herramientas inactivas y una represión policial en el fondo, lo que crea una atmósfera de tensión, desesperanza y rabia contenida que refleja la crisis social y la vulnerabilidad del trabajador obrero.

En una habitación en penumbra, situado a la izquierda aparece representado un obrero con el cuerpo inclinado hacia delante en una posición inestable.

Sobretodo destaca el alargamiento de la espalda, la inclinación de la silla en que se apoya, así como la representación de la mesa que genera tensión hacia el gesto de la mano que aparta la cortina y centra la atención sobre la escena que se desarrolla en la veduta del fondo que se ve por la ventana.

Allí se puede observar como hay representado un conflicto entre obreros y guardias a caballo, frente a una fábrica cerrada e inactiva.

Además resaltar que el plano inclinado de la mesa vacía, plenamente iluminado, también presenta un foco de interés en el que se destacan las herramientas, que sin trabajo son inútiles.

En la derecha está representa la figura de una mujer con un niño pequeño en brazos, con un regazo extraordinariamente amplio y una expresión vacía en el rostro, lo que funciona como contrafigura de la tensión dramática del obrero.

Con respecto a la composición destacar que la pintura reúne en una única escena las dos temáticas habituales del realismo del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.): la representación de la miseria y la lucha obrera.

Aparte la pintura hace referencia a un estilo naturalista y a una temática enmarcada en tonos sombríos que representan escenas dramáticas de miseria y de los contemporáneos conflictos sociales urbanos.

Para finalizar subrayar que la pintura Sin Pan y Sin Trabajo está considerada la primera gran pintura englobada dentro de la historia argentina que retrata temas sociales.

En concreto se conoce que el autor el docente y pintor argentino Ernesto Celedonio Emeterio de la Cárcova se encontraba afiliado al Centro Obrero Sociales cuando pintó la pintura.

El Centro Obrero Social hace referencia a organizaciones históricas del movimiento obrero que impulsaron en Argentina la cultura y la educación para los trabajadores a principios del siglo XX d.C., difundiendo ideas socialistas y creando escuelas libres, así como la lucha por los derechos a la represión estatal y patronal.

Actualmente se encuentra en el museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina.

Bloque Aqueménida

El Bloque Aqueménida es un bloque datado aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte aqueménida.

Bloque Aqueménida

Lo primero que se conoce es que el bloque fue encontrado en el año 1.811 d.C. durante las excavaciones arqueológicsa realizadas en la ciudad de Persépolis.

Concretamente se encontró en la fachada norte a la izquierda de la columna derecha de la escalera.

La ciudad de Persépolis fue la capital del Imperio persa durante la época aqueménida y se encontraba ubicada aproximadamente a unos 70 km de la ciudad de Marvdasht, al pie del monte Kuh-e Rahmat, en la provincia de Fars (Irán).

También es conocido que perteneció a la colección de arte del empresario, lingüista y diplomático británico Gore Ouseley (Primer Baronet de GCH).

Hasta que en el año 1.825 d.C. el Bloque Aqueménida fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte de Oriente Medio.

Bloque Aqueménida
(detalle)

Descripción

Tiene una altura de 37 cm, una longitud de 83,80 cm, una profundidad de 13,50 cm y un peso de 66,50 kg.

Se trata de un fragmento de relieve de piedra caliza que contiene cuatro líneas y media de inscripción cuneiforme persa antigua en registros horizontales, presenta cuñas cuidadosamente talladas enmarcadas por bordes con una talla más descuidada.

Cabe resaltar que no hay indicios de líneas de guía incisas para la inscripción, pero los arañazos en los extremos de muchas de las cuñas posiblemente se deban al tallado inicial.

La transliteración de la inscripción en escritura cuneiforme en idioma persa antiguo es la siguiente:

"Baga: vazraka: Auramazda hya: 

imam: bumim ada: 

hya: avam: asma nam: ada: 

hya: martiya m: ada: hya: siyati"

Según los investigadores el fragmento es el comienzo de las primeras cuatro líneas y la parte superior de la quinta de una inscripción de un total de 30 líneas.

Siendo una traducción aproximada de la inscripción la siguiente:

ll. 1-11 Un gran Dios (es) Ahuramazda, quien creó esta tierra, quien creó ese cielo, quien creó al hombre, quien creó la felicidad para el hombre, quien hizo al rey a Jerjes, el único rey de muchos (reyes), el único Comandante de muchos (comandantes).

ll. 11-21. Yo (soy) Jerjes el gran Rey, el Rey de reyes, el Rey de países con muchos tipos de seres humanos, el Rey en esta gran tierra a lo largo y ancho, el hijo de Darío el Rey, un aqueménida.

ll. 21-30 Jerjes el gran Rey dice: Lo que he hecho aquí, y lo que he hecho más allá, todo lo hice por el favor de Ahuramazda. Que Ahuramazda, con los dioses, me preserve, y mi reino, y lo que he hecho.

En cuanto al estado de conservación resaltar que se observan restos de pintura roja en el borde inferior, junto a restos de la ménsula de soporte, una capa de pintura gris moderna sobre la sección saliente entre la inscripción y el ciprés, aparte de residuos blanquecinos en el interior de muchas de las cuñas de la inscripción.

Para finalizar destacar que se conservan restos de una zona rectangular de yeso en la parte posterior procedente de una fijación anterior a la pared de la galería, ubicada en el Museo Británico (Gran Bretaña).

Aparte también se han encontrado rastros de líneas de pintura verde lima de la galería alrededor de los bordes exteriores.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Niñas en Negro

Las Niñas en Negro, también conocida como Muchachas en Negro o Jeunes Filles en Noir, es una pintura datada entre los años 1.880 d.C. y 1.882 d.C., perteneciente al impresionismo.

Niñas de Negro

Fue pintado por el francés Pierre-Auguste Renoir. 

En el año 1.908 d.C. la pintura fue adquirida por el empresario, mecenas de arte y coleccionista de arte ruso Serguéi Ivánovich Schukin.

En el año 1.918 d.C. la pintura fue transferida al Primer Museo de la Nueva Pintura Occidental, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Después en el año 1.923 d.C. el museo se fusionó con el Segundo Museo de la Nueva Pintura Occidental, creando el Museo Estatal del Nuevo Arte Occidental (GMNZI), dónde la pintura permaneció hasta su cierre en el año 1.948 d.C..

Posteriormente en el año 1.912 d.C. la pintura Niñas en Negro fue transferida al Museo Pushkin, localizado en la ciudad de Moscú (Rusia).

Siendo exhibida en la Galería de Arte Europeo y Americano del los Siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.).

Descripción

Tiene una altura de 81,3 cm y una anchura de 65,2 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un retrato doble de dos jóvenes mujeres parisinas, residentes en Montmartre, ambas ataviadas con vestidos y sombreros negros.

Una de las jóvenes se encuentra representada sentada de frente al espectador, apoyada en el respaldo de una silla, mientras que a su lado izquierdo la otra joven está representada de pie, inclinada hacia la primera.

Sobretodo llama la atención como la imagen de una de las jóvenes está representada encantadora, soñadora, hermosa y vestida a la moda, pero con cierta modestia.

El vestido oscuro hasta la altura de la cintura está pintado en un color azul intenso, incluso oscuro, dónde el autor ha evitado las finas pinceladas características de sus obras anteriores.

Además se puede apreciar como la figura de la joven es lo primero que capta la mirada del espectador, con su fisonomía dulce y esbelta, una sonrisa que recorre sus labios carnosos y una mirada pensativa.

Ambas mujeres aparecen representadas sobre un fondo iluminado con pinceladas fluidas y rápidas, cuya vitalidad transmite toda la vivacidad de los clubes nocturnos parisinos.

Aunque se puede observar como situado en la esquina inferior izquierda se puede vislumbrar un bodegón.

Con respecto a la composición resaltar el virtuosismo del autor con el tratamiento diferenciado de las dos figuras femeninas: mientras que la figura de la izquierda se encuentra pintada con pinceladas fuertes, la de la derecha está delineada con pinceladas más delicadas y suaves.

De éste modo la joven de la derecha aparece fija en el lienzo, mientras que la de la izquierda parece más bien una presencia fugaz destinada despedirse y marcharse a otro lugar.

Aparte resaltar que la pintura carece de profundidad espacial, puesto que el autor no se ha interesado en dar consistencia corpórea a las formas y trata a las figuras femeninas como una superficie plana sobre la que aplicar la pintura, dando como resultado un excelente equilibrio compositivo y cromático.

Para finalizar subrayar que la pintura de las Niñas en Negro presenta a las dos mujeres como jóvenes y hermosas, que al contemplarlas, el espectador anhela que el mundo más ordinario se vuelva tan festivo y hermoso como el artista lo imaginó.

Actualmente se encuentra en el Museo Pushkin, Rusia.

Ciervo Yacente

El Ciervo Yacente, también conocido como 清 宜興窯臥鹿, es una escultura datada aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte chino. 

Ciervo Yacente

En concreto fue realizado durante la dinastía Qing (dinastía imperial China que gobernó desde el año 1.644 d.C. hasta el año 1.912 d.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la filántropa y coleccionista de arte estadounidense Jayne Kirkman Wrightsman y del ejecutivo petrolero y mecenas de las artes estadounidense Charles Bierer Wrightsman.

Hasta que en el año 2.019 d.C. el Ciervo Yacente fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 13 cm y una anchura de 14 cm.

Se trata de una escultura de cerámica de Yixing que representa la figura de un ciervo yaciente rascándose el hocico con su pata trasera izquierda.

Llama la atención como el pelaje es de color marrón moteado con pequeños puntos con formas irregulares blancos, el vientre también es de color blanquecino, las orejas alargadas, la cola pequeña y las astas prominentes.

Con respecto a la composición resaltar que la pequeña escultura es cautivadora puesto que captura un momento íntimo de un ciervo.

Para finalizar subrayar que la escultura del Ciervo Yacente es un raro ejemplo de escultura realista producida en los hornos de Yixing (estructuras tradicionales chinas, como el horno Qianshu que tiene más de 600 años de antigüedad y que sigue activo en la actualizada).

Famosos por sus artículos de té, pero que también produjeron pequeñas esculturas de animales, plantas, frutos secos y frutas desde el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Lakshmí de Pompeya

La Lakshmí de Pompeya es una escultura datada aproximadamente en la primera mitad del siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 50 d.C.), perteneciente al arte indio.

Lakshmí de Pompeya

Lakshmí de Pompeya

Fue descubierta en octubre del año 1.938 d.C. por el arqueólogo italiano Amedeo Maiuri durante las excavaciones arqueológicas realizadas junto a la Casa dei Quattro Stili, ubicada en la antigua ciudad de Pompeya.

Además destacar que a juzgar por sus restos arquitectónicos y su plano, se cree que esta casa, situada al lado de la Via dell'Abbondanza, perteneció a un próspero comerciante.

En la casa se encontraron objetos de lujo compuestos por numerosos artículos indios, lo que sugiere que los romanos del siglo I d.C. tenían fascinación por las antigüedades no solo de Grecia, sino también de culturas remotas y que deseaban adquirir objetos que consideraban exóticos.

Poco después de su descubrimiento la Lakshmí de Pompeya pasó a formar parte de la colección del "Gabinetto Segreto", una sección del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia.

Lakshmí de Pompeya

Lakshmí de Pompeya

Descripción

Tiene una altura de 24,5 cm. Está elaborada en marfil, mediante las técnicas de incisión, grabado, tallado y pulido.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento que representa a una mujer joven de pie, con las piernas giradas hacia un lado y un brazo doblado para sujetar unos pendientes.

Está representada prácticamente desnuda, salvo por su estrecha faja y sus suntuosas joyas, entre las que destacan los lujosos collares de cuentas, los brazaletes anchos, las tobilleras y los pendientes.

En el rostro destacan los ojos almendrados, las cejas finas, los pómulos marcados, la nariz chata, los labios carnosos y el mentón pronunciado. 

Mientras que el cabello largo se encuentra recogido en un elaborado peinado decorado con una joya que le cae por la frente y numerosas cintas que le sujetan el cabello.

También se encuentran representadas dos asistentes femeninas, una mirando hacia afuera a cada lado, que sostienen recipientes para cosméticos.

Aparte se puede observar como la estatuilla presenta un agujero perforado desde la parte superior de la cabeza, por lo que se piensa que originalmente podría haber sido el mango de un espejo.

En cuanto a la identidad de la mujer representada algunos investigadores creen que podría ser una representación de la diosa Lakshmí (diosa de la riqueza, de la fortuna, la prosperidad, la belleza y la abundancia), venerada por los primeros hindúes, budistas y jainistas.

Sin embargo, otros investigadores consideran que por la iconografía, en particular los genitales expuestos, lo más probable que la mujer representada sea una iaksi, es decir, un espíritu femenino de la naturaleza que en la mitología hinduista, budista y jaina representa la fertilidad.

O incluso podría ser una representación de una versión sincrética de Venus-Sri-Lakshmi de un antiguo intercambio entre las culturas clásicas grecorromana e india.

Para finalizar subrayar que la existencia de la escultura Lakshmí de Pompeya en la antigua ciudad de Pompeya (Italia) hacia el año 79 d.C., cuando el volcán del Monte Vesubio entró en erupción y sepultó la ciudad, da testimonio de la intensidad de las relaciones comerciales indo-romanas durante el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.).

Los conservadores del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles han datado ésta escultura como creada en la India en la primera mitad del siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 50 d.C.).

Aunque su origen no es del todo seguro, según los hallazgos arqueológicos y trabajos históricos, existe evidencia de las entonces activas rutas comerciales entre el Imperio romano y la India durante éste período.

Es más la evidencia arqueológica sugiere que el auge del comercio entre Roma y la India parece haber sido entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.).

Siendo éste comercio desarrollado a través de varias rutas terrestres, como las que cruzaban la Península Arábiga y Mesopotamia y marítimas desde el Mar Rojo y el Océano Índico.

Asimismo existe la posibilidad de que la escultura Lakshmí de Pompeya llegara a Occidente durante el gobierno del Satrap occidental Nahapana, en la zona de Bhokardan y fuera embarcada desde el puerto de Barigaza, llegando a la ciudad de Pompeya durante el reinado del emperador romano Augusto (también conocido como Cayo Julio César Augusto o Octaviano).

También destacar que se conoce que Roma desempeñó un papel importante en el comercio oriental de la antigüedad, puesto que importaba numerosos productos de la India y al mismo tiempo establecía sus propios centros comerciales en el país.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia.

Hoja para una Katana

La Hoja para una Katana es una hoja para espada datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Hoja para una Katana

Hoja para una Katana

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del coleccionista estadounidense Dr. Frederick Malling Pedersen.

En el año 1.947 d.C. por herencia la Hoja para una Katana pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. por herencia pasó a formar parte de la colección de arte "Collection of Etsuko and John Morris" ("Colección de Etsuko y John Morris"), propiedad de los coleccionistas Etsuko O. y John H. Morris Jr., ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.007 d.C. la Hoja para una Katana fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de armas y armaduras.

Descripción

La hoja tiene una longitud total de 104,2 cm. La longitud del filo es de 80,8 cm y el diámetro de la curvatura es de 1,4 cm.

Se trata de una hoja curva de un solo filo para una katana (espada japonesa tradicional) larga y ancha que emula a las espadas largas fabricadas en Japón en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.).

Se puede observar como inscrito en la espiga de la hoja, conocida como nakago (中子) (es decir, la parte metálica alargada que se extiende desde la hoja hacia la parte interior del mango), se encuentra la siguiente inscripción en idioma japonés:

"肥前国伊予掾源宗次"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Provincia de Hizen, Iyonojō Munetsugu"

Por lo tanto gracias a la inscripción se conoce que la hoja fue elaborada por el espadero japonés Iyonojō Munetsugu, de la provincia de Hizen (en la actualidad ubicada en la prefectura de Saga, en Japón).

Para finalizar subrayar que la Hoja para una Katana fue expuesta desde el 25 de enero del año 2.018 d.C. al 6 de enero del año 2.019 d.C. en la exposición "Japanese Arms and Armor from the Collection of Etsuko and John Morris" ("Armas y armaduras japonesas de la colección de Etsuko y John Morris"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Naturaleza Muerta con Biblia

La Naturaleza Muerta con Biblia es una pintura datada en octubre del año 1.885 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Naturaleza Muerta con Biblia

Fue pintado por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

La pintura fue llevada por el artista de la ciudad de Nuenen a la ciudad de Amberes (Países Bajos).

En noviembre del año 1.885 d.C. la obra fue entregada por el artista a su hermano marchante de arte neerlandés Theo van Gogh.

Quien la trasladó a la ciudad de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

El 25 de enero del año 1.891 d.C. fue heredado por su viuda Jo van Gogh-Bonger y su hijo Vincent Willem van Gogh.

La pintura Naturaleza Muerta con Biblia fue administrada hasta su fallecimiento ocurrido el 2 de septiembre del año 1.925 d.C. por Jo van Gogh-Bonger.

Desde el 16 de diciembre del año 1.930 d.C. la pintura fue cedida en préstamo por Vincent Willem van Gogh al Stedelijk Museum de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos) y desde el 10 de julio del año 1.962 d.C. fue cedido a la Fundación Vincent van Gogh.

En concreto el 21 de julio del año 1.962 d.C. se firmó el acuerdo entre la Fundación Vincent van Gogh y el Estado de los Países Bajos, por el que se confía al Estado la conservación y gestión de la colección, así como su colocación en el Rijksmuseum Vincent van Gogh (Países Bajos).

Fue cedido en préstamo al Stedelijk Museum de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos), hasta que pasó el 2 de junio del año 1.973 d.C. pasó a estar en préstamo permanente en la colección del Rijksmuseum Vincent van Gogh (Países Bajos).

Hasta que desde el 1 de julio del año 1.994 d.C. la pintura Naturaleza Muerta con Biblia pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Van Gogh, localizado en la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos).

Naturaleza Muerta con Biblia

Descripción

Tiene una altura de 65 cm y una anchura de 78 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa dos libros colocados obre una mesa cubierta por un paño.

Llama la atención como en el centro de la mesa hay representa una edición encuadernada en cuero de la voluminosa Biblia de su padre, abierta en el capítulo 53 del libro de Isaías, uno de los poemas más citados del "Siervo de Dios".

La sacralidad monolítica del coloso bíblico, que Vincent se había preparado para traducir a cuatro idiomas, simboliza obviamente la firme religiosidad de su padre, un respetado pastor protestante a quien se le había confiado el priorato de Nuenen.

Una vela apagada situada en el lado izquierdo ofrece un sutil contrapunto a la monumentalidad de la Biblia, un elemento que evoca la pintura holandesa del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) y, en particular, la tradición iconográfica de las vanitas.

De hecho, alude a la fugacidad de la vida y a la inminente presencia de la muerte, pero también a la absoluta desconfianza hacia esa religión en la que Vincent van Gogh se había refugiado en vano años anteriores.

Aunque la pintura se sitúa dentro de la tradición histórico-artística, Vincent van Gogh rompe abiertamente con sus normas: en la pintura recurriendo al simbolismo personal para reconstruir la identidad del pintor.

Puesto que en un primer plano se encuentra representado un elemento que resalta la personalidad y los intereses del pintor, su propio ejemplar de la novela "La alegría de vivir" del escritor de novelas y periodista francés Émile Zola.

Una novela escandalosamente moderna que narra la pútrida desintegración de una familia francesa, agobiada por constantes duelos y acuciantes dificultades económicas.

La obra representa la confirmación de la modernidad de su autor: la mirada del observador se siente atraída por la portada amarilla de la novela moderna, como para subrayar la tensión ideológica y religiosa entre Vincent van Gogh y su padre (quién detestaba al escritor de novelas y periodista francés Émile Zola y a los naturalistas franceses, considerándolos "inmorales").

Con respecto a la composición sobretodo resaltar que la pintura muestra una considerable profundidad psicológica. 

Aparte dejándose llevar por su nuevo interés por el color representando a los libros sobre un primer plano de color marrón amarillento que presenta un toque adicional de amarillo limón.

Y por una técnica pictórica perfeccionada en sus cuatro años de estudio autodidacta, el autor establece en ésta pintura una serie de oposiciones entre lo grande y lo pequeño, lo abierto y lo cerrado, lo monocromo y lo coloreado, precisamente para traducir pictóricamente la irreconciliabilidad de su personaje con la personalidad de su padre.

Para finalizar subrayar que la pintura Naturaleza Muerta con Biblia se inspiró en una narración puramente autobiográfica, concretamente la muerte del padre del autor Theodorus van Gogh.

Cabe destacar que es conocido que su relación no fue nada fácil, ni estuvo extenta de contradicciones y emociones encontradas: los constantes fracasos profesionales y personales de Vincent van Gogh habían destrozado violentamente la apacible vida familiar en la que los Van Gogh habían basado su rutina diaria.

Es más enfatizar que la obra debe considerarse una respuesta pictórica a la estresante situación que surgió tras la muerte de Theodorus van Gogh, pero también un intento de interpretar el complejo y visceral vínculo entre padre e hijo.

De hecho, la pintura fue pintada en su momento en la ciudad de Nuenen (Países Bajos), la ciudad dónde vivían los padres de Vincent van Gogh y dónde el propio artista residió entre los años 1.883 d.C. y 1.885 d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Van Gogh, Países Bajos.

Armour

Armour, también conocida como Armadura, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.926 d.C., perteneciente al arte abstracto.

Armour

Armour

Fue pintada por la pintora noruega Ragnhild Keyser.

Desde el año 1.977 d.C. la pintura Armour pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de la ciudad de Oslo (Noruega).

Descripción

Tiene una altura de 110 cm, una anchura de 50,2 cm y un grosor de 2,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de un hombre que lleva un escudo blanco con un punto, que se asemeja a una diana.

Destaca como la composición está dominada por una escala de grises apagada y un juego de formas claramente definidas.

Además se puede observar como las formas puras y planas se superponen para crear un espacio superficial y condensado en capas.

Situado en el centro el rojo intenso contra el blanco crea un contraste lúdico y dinámico con el sobrio juego de valores.

Sobretodo con respecto a la composición resaltar que la imagen parece inextricablemente ligada a la era de las máquinas, la industria y la tecnología.

Para finalizar subrayar que la pintura Armour fue expuesta en la exposición del año 1.927 d.C. denominada "Escándalo", donde se presentó el cubismo escandinavo y en donde la pintora noruega Ragnhild Keyser moderó su expresión hacia lo figurativo.

Es más resaltar que las obras de arte simplificadas creadas en la década de 1.920 d.C. son las que han convertido gradualmente a la autora en una parte natural de la narrativa del arte noruego del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, Noruega.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Los Modelos de Origami (Origata tehon), también conocido como 折形手本, son un conjunto de origamis datados en el año 1.697 d.C., perteneciente al arte japonés.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Modelos de Origami (Origata tehon)

En concreto fueron realizados durante el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.615 d.C. y 1.868 d.C.).

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte de "Jonathan A. Hill, Bookseller, Inc.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.013 d.C. los Modelos de Origami (Origata tehon) fueron vendidos al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Modelos de Origami (Origata tehon)

Descripción

El álbum presenta una altura total de 21,5 cm, una anchura de 14,5 cm y un grosor de 1,5 cm.

El envoltorio de papel tiene una altura de 43,8 cm y una anchura de 22,5 cm.

Están realizados en papel japonés y tinta.

Se trata de un álbum de recortes que incluyen varios ejemplos sueltos de artículos de caligrafía fechados en el tercer mes del año 1.607 d.C..

Según las inscripciones, éste conjunto de modelos sirvió como iniciación en el arte del origata para Kikuchi Fujiwara no Takehide por parte de un maestro de la escuela Ogasawara.

El álbum y los ejemplos son varias décadas anteriores a los manuales de envoltura impresos en madera y sirven como una evidencia física importante de la tradición del plegado de papel.

Además destacar que desde la antigüedad en Japón el papel decorativo para envolver formaba parte de los rituales formales de intercambio de regalos.

Siendo el conocimiento del arte del plegado de papel (origata) una habilidad esencial para aristócratas y guerreros de alto rango.

También es conocido que los orígenes del origata se remontan al período Heian (平安時代) (período de la historia de Japón comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C.), cuando se desarrollaron diversos estilos de envoltorio, incluyendo el de poesía, dinero y abanicos.

Con el tiempo, se formaron varias escuelas de envoltorio de papel, entre ellas, la más destacada, la escuela Ogasawara.

Es más enfatizar que las técnicas se enseñaban exclusivamente por transmisión oral y para el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.615 d.C. y 1.868 d.C.) el origata se popularizó incluso entre la gente común.

Aparte resaltar que el origami (折形紙), el arte del plegado de papel tan popular hoy en día, evolucionó del origata.

Para finalizar subrayar que los Modelos de Origami (Origata tehon) fueron expuestos desde el 17 de agosto del año 2.013 d.C. al 12 de enero del año 2.014 d.C. en la exposición "Brush Writing in the Arts of Japan" ("Escritura con pincel en las artes de Japón"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bullroarer (Imunu Viki)

Bullroarer, también conocido como Imunu Viki, es un instrumento musical datado aproximadamente en el siglo XIX d.C (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Bullroarer (Imunu Viki)

Se conoce que fue elaborado por un artista perteneciente al pueblo Namau.

Que se encuentra en el delta del río Purari, localizado en la costa sur de Papúa Nueva Guinea.

También es sabido que el instrumento formó parte de la colección de arte de la coleccionista, escritora y comisaria de instrumentos musicales estadounidense Mary Elizabeth Adams Brown.

En el año 1.889 d.C. el Bullroarer (Imunu Viki) fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de instrumentos musicales.

Descripción

Tiene una altura de 63,8 cm, una anchura de 7,6 cm y un grosor de 0,6 cm. Está elaborado en madera y tilo.

Se trata de un tipo de instrumento musical ritual formado por una hoja delgada hoja con forma estilizada y alargada, con un agujero por el que se pasa una cuerda y que se encuentra ornamentada en el anverso por diversos motivos geométricos y caras humanas blancos.

Aparte cabe destacar que sobretodo llama la atención como ésta delgada hoja aúlla o ruge al girar rápidamente en el aire sujeta por una cuerda, representando a las voces de espíritus en las ceremonias masculinas y funerales.

Para finalizar subrayar que se conoce que en Papúa Nueva Guinea los bullroarer ocupan un lugar de honor tradicional en los clubes ceremoniales masculinos.

Es más el pueblo Namau, del delta del río Purari, los utilizaba durante los funerales importantes y los denominaban "imunu viki" ("espíritus llorosos").

Además para el pueblo Namau se trata de un objeto sagrado, conocido solo por hombres iniciados y utilizado en rituales de iniciación masculina para representar a espíritus poderosos (Kaiaimunu).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

La Tablilla Cuneiforme: Carta Privada son dos tablillas datadas aproximadamente entre los siglos XX a.C. y XIX a.C. (período comprendido entre los años 2.000 a.C. y 1.801 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

Los investigadores piensan que las tablillas pueden proceder de unas excavaciones realizadas en yacimiento arqueológico de Kültepe (Karum Kanesh).

Una antigua ciudad ubicada en Anatolia central, en Turquía.

Lo primero que se conoce es que desde finales de la década de 1.920 d.C. a la de 1.930 d.C. formó parte de la colección de arte Jacques N. y Edith Aggiman, localizada en Turquía y Estados Unidos de América.

Hasta que en el año 1.982 d.C. la Tablilla Cuneiforme: Carta Privada fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a partir del año 1.983 d.C. a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

Descripción

La tablilla "a" tiene una altura de 4 cm, una anchura de 4,3 cm y un grosor de 1,7 cm, mientras que la tablilla "b" presenta una altura de 2,2 cm, una achura de 3 cm y un grosor de 0,7 cm.

Se trata de dos tablillas de arcilla con forma rectangular, incisas con inscripciones cuneiformes, que fueron enviadas en el mismo sobre o estuche de arcilla y que representan una sola carta.

Tablilla Cuneiforme: Carta Privada

La carta, leída de izquierda a derecha, comienza en la tablilla rectangular más grande.

Aunque llama la atención como después de que su escritor, Ashur-muttabbil, agotara todo el espacio, incluido el borde, decidiera añadir una breve nota en una delgada tablilla ovalada.

Asimismo cabe resaltar que Ashur-muttabbil escribe para resolver lo que parece ser una disputa familiar en Kanesh, relacionada con la propiedad de esclavas.

Una de las destinatarias de la carta era la esposa de Ashur-muttabbil, Kunanniya (cuyo nombre es anatolio e indica que Ashur-muttabbil fue un comerciante asirio que se casó con una mujer local).

Además cabe enfatizar que la notable vida de Kunanniya se ha conservado en este texto y en varios otros, que narran sus desafortunadas experiencias al tratar con sus suegros y su propia familia como joven viuda tras la prematura muerte de Ashur-muttabbil.

Para finalizar subrayar que gracias a la Tablilla cuneiforme: Carta Privada, junto a la numerosas tablillas encontradas en el yacimiento arqueológico de Kültep (Karum Kanesh).

Es sabido que la antigua ciudad de Kanesh era una ciudad poderosa y cosmopolita ubicada en el norte de Capacio en la Anatolia Central, convirtiéndose a principios del segundo milenio a.C. en parte de la red de asentamientos comerciales establecidos en la región por comerciantes de la ciudad de Asur.

Aparte es conocido que los comerciantes asirios viajaban largas distancias en caravanas de burros, a menudo viviendo separados de sus familias, para intercambiar grandes cantidades de estaño y textiles por oro y plata, además de controlar el comercio del cobre dentro de la propia Anatolia.

Si bien los comerciantes adoptaron muchos aspectos de la vida anatolia local, trajeron consigo herramientas mesopotámicas utilizadas para registrar transacciones: escritura cuneiforme, tablillas y sobres de arcilla, y sellos cilíndricos. 

Utilizando una versión simplificada del complejo sistema de escritura cuneiforme, los comerciantes registraban préstamos, así como acuerdos y disputas comerciales, y enviaban cartas a sus familias y socios comerciales en la ciudad asiria de Asur.

Estos textos también proporcionan información sobre la historia política general de Asur y las ciudades-estado de Anatolia, así como detalles sobre la vida cotidiana de asirios y anatolios, quienes no solo trabajaban juntos, con el mismo esfuerzo, sino que también se casaban y tenían hijos. 

En concreto en el yacimiento de Kültepe se han hallado miles de estos textos, almacenados en archivos domésticos, que se conservaron cuando un incendio destruyó la ciudad alrededor del año 1836 a. C. y que ofrecen a los investigadores una visión de las complejas y sofisticadas interacciones comerciales y sociales que tuvieron lugar en Oriente Próximo a principios del segundo milenio a. C.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vertical and Diagonal Planes

Vertical and Diagonal Planes, también conocido como Planos Verticales y Diagonales, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.913 d.C. y 1.914 d.C., perteneciente al arte abstracto.

Vertical and Diagonal Planes

Fue pintado por el pintor y artista gráfico František Kupka.

La pintura permaneció en la colección de arte del autor hasta su fallecimiento ocurrido en el año 1.957 d.C..

Después en el año 1.960 d.C. fue adquirida por la galería de arte privada "Galerie Karl Flinker", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.966 d.C. la pintura fue vendida al productor de cine, abogado, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Joseph H. Hazen.

En el año 1.968 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de "Josep H. Hazen Foundation Inc.", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.971 d.C. la pintura de Vertical and Diagonal Planes fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 61 cm y una anchura de 50,2 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura dónde aparecen representadas diversas formas geométricas rectilíneas en colores saturados que se entrelazan entre sí, para sugerir múltiples aplicaciones potenciales como: vidrieras, diseño textil o biombos.

También se puede apreciar como situada abajo a la derecha se encuentra la firma del autor:

"Kupka "

Con respecto a la composición destacar que la obra combina los intereses del autor por el arte popular checo, la luz, la visión y la filosofía.

Dando como resultado una pintura radical que se encuentra englobada entre las primeras obras puramente no figurativas producidas en Europa.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura Vertical and Diagonal Planes son de © 2025 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Escultura de Gaja Lakshmi

La Escultura de Gaja Lakshmi, también conocida como Escultura de Gajalakshmi, es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte indio.

Escultura de Gaja Lakshmi

Escultura de Gaja Lakshmi

Los investigadores piensan que por sus características puede provenir de la región de Cachemira, ubicada en la zona norte del subcontinente indio.

En el año 1.993 d.C. la Escultura de Gaja Lakshmi fue subastada por la casa Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 25,1 cm. Está realizada en piedra mediante la técnica de incisión, tallado y grabado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de la deidad hindú de la riqueza, la prosperidad y la fertilidad Gaja Lakshmi (también conocida como Gajalakshmi).

La diosa aparece representada entronizada sosteniendo un loto en la mano izquierda y una cornucopia de loto en la derecha, mientras dos elefantes la bañan con agua vivificante.

Además se puede apreciar como también hay representadas a cada lado dos asistentes femeninas sosteniendo espantamoscas.

Aparte hay la figura de dos leones que flanquean sus pies y un par de figuras de donantes que sostienen vasijas boca abajo, vertiendo riquezas otorgadas por Lakshmi, evocando el río de la fortuna que fluye de la diosa.

Con respecto a la composición resaltar que las representaciones de la diosa Gaja Lakshmi aparecen por primera vez en ésta forma en el siglo I a.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 1 a.C.), lo que la convierte en una de las deidades reconocibles más antiguas del sur de Asia.

Para finalizar subrayar que la Escultura de Gaja Lakshmi fue expuesta desde el 29 de junio al 27 de noviembre del año 2.011 d.C. en la exposición "Mother India: The Goddess in Indian Painting" ("Madre India: La Diosa en la Pintura India"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.