Cuchillo de Gebel el-Arak

El Cuchillo de Gebel el-Arak es un cuchillo datado aproximadamente entre los años 3.300 a.C. - 3.200 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Cuchillo de Gebel el-Arak

Cuchillo de Gebel el-Arak

En concreto fue elaborado en el período conocido como Naqada III, perteneciente al período predinástico de Egipto.

Cabe resaltar que el momento y lugar del hallazgo son desconocidos.

Lo primero que se conoce es que en el año 1.914 d.C. fue el egiptólogo y curador francés George Aaron Bénédite quién compro el cuchillo en la ciudad de El Cairo, en Egipto.

En el momento de la compra, el vendedor alegó que el cuchillo había sido descubierto en Gebel el-Arak, pero estudios posteriores revelaron que su procedencia podría haber sido la antigua ciudad de Abidos (Egipto).

Cuchillo de Gebel el-Arak

Descripción

Tiene una longitud de 25,5 cm. Está fabricado en sílex (la hoja) y marfil de un colmillo de elefante (mango).

Se trata de un cuchillo formado por dos partes: una hoja de pedernal y un mango de marfil. 

Presenta forma curvada y se puede apreciar como está doblado en la parte superior, además se encuentra adornado con un saliente perforado en uno de los lados.

La hoja del cuchillo se encuentra fabricada de pedernal amarillento homogéneo y de grano fino (es un tipo de pedernal egipcio llamado "quert"). 

Tiene un peso de 92,3 gramos y sus dimensiones son las siguientes:

• Longitud total: 18,8 cm (7,4 pulgadas).
• Ancho de la cuchilla (en su centro): 5,7 cm (2,2 pulgadas).
• Grosor de la cuchilla (en su centro): 0,6 cm (0,24 pulgadas).
• Longitud de la hoja (dentro del mango): 2,8 cm (1,1 pulgadas).
• Ancho de la hoja (dentro del mango): 3,7 cm (1,5 pulgadas).

Cabe resaltar que la hoja ha sido fabricada a partir de la piedra original a través de cinco etapas:

Cuchillo de Gebel el-Arak
(hoja del cuchillo)

Etapa 1: Se procede al desgaste de la piedra original.

Etapa 2: A continuación se realiza la preformación de la cuchilla mediante descamación por percusión.

Etapa 3: Después se procede al pulido de ambos lado de la cuchilla, se puede apreciar como un lado de la hoja se dejó totalmente pulido con el fin de imitar la hoja de un metal.

Etapa 4: Un lado de la cuchilla ha sido removido uniformemente mediante tiras largas y finas de piedra con escamas creando un patrón regular de ondulaciones en forma de "S" sobre la superficie de la piedra.

Etapa 5: Por último se ha procedido a dar nitidez a la cuchilla mediante un estriado fino del filo de la cuchilla por medio de un microplacado.

El mango esta fabricado en marfil de un colmillo de elefante y se puede apreciar como ha sido tallado a lo largo del eje del colmillo.

Después de la extracción del colmillo el mango fue pulido por ambos lados para después ahuecarlo y encajar la cuchilla.

Cabe destacar que en la actualidad el mango se encuentra roto y tiene algunas piezas perdidas, lo que conlleva que el grosor alrededor de la espiga de la cuchilla varíe de 2 mm a 3 mm.

Cuchillo de Gebel el-Arak
(mango)

Se puede observar como en la parte inferior el borde se encuentra biselado, esto pudo ser debido a que en su origen se encontraba reforzado por algún metal precioso situado en el ensamblaje del mango de la hoja.

Aparte los investigadores piensan que el ensamblaje no era funcional, puesto que la espiga de la hoja es demasiado corta y el mango es demasiado delgado con lo que la cuchilla no podría haber sido funcional.

La decoración del mango se encuentra compuesta por una serie de cinco registros horizontales, todos ellos tallados en bajorrelieve, la profundidad de las tallas no superan los 2 mm.

En uno de los lados aparece representada una escena de una batalla, mientras que en otros de los lados la escena representada tiene un carácter mitológico.

En el lado dónde aparecen representada la escena mitológica, destaca una perilla (pomo) situada en su centro, a través de la cual se puede pasar un cordel o correa. También tiene la función de sostener el mango del cuchillo y al ser apoyado sobre una superficie plana mantenerlo nivelado.

Cabe subrayar que en la escena mitológica se puede apreciar la influencia del arte mesopotámico, puesto que una de las figuras humanas se encuentra flanqueada por dos leones (una decoración común dentro del arte mesopotámico).

Cuchillo de Gebel el-Arak
(mango)

En cuanto a la composición de la decoración de las tallas, éstas fueron ejecutadas en la superficie pulida del colmillo, con movimientos de arriba a abajo y un registro tras otro.

También se cree que primero fueron esculpidas las figuras principales para después esculpir los lugares y seguido las figuras que presentan más detalles (como por ejemplo las armas de los combatientes).

Para finalizar enfatizar que la talla de las escamas onduladas en hoja de la cuchilla de Gebel el-Arak están consideradas el punto más álgido dentro de las técnicas de fabricación con herramientas de sílex.

Los investigadores piensan que la calidad y la cantidad de trabajo invertidos para la fabricación del cuchillo indican que se trataría de un cuchillo artístico, es decir, habría sido usado con el único objetivo de mostrar las habilidades técnicas del creador.

Esta conclusión se cuenta respaldada por el uso y el desgaste de la cuchilla que demuestra que el cuchillo nunca ha sido utilizado.

Actualmente se encuentra expuesto en el Museo del Louvre en París, Francia.

Cáliz de Derrynaflan

El Cáliz de Derrynaflan es un cáliz datado aproximadamente en el siglo IX d.C (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte celta.

Cáliz de Derrynaflan

Cáliz de Derrynaflan

Se fabricó durante la época de la cultura celta irlandesa dentro del período de la Edad Media.

Fue hallado de forma casual el 17 de febrero del año 1.980 d.C. por arquitecto y diseñador británico Michael Webb y su hijo Michael.

Mientras realizaban una búsqueda de objetos con un detector de metales en las tierras de cultivo situadas cerca de un antiguo monasterio irlandés, edificado cerca del municipio de Lillenaule, localizado en el condado de Tipperary, en Irlanda.

Poco después de su descubrimiento el Cáliz de Derrynaflan pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Irlanda, en Dublín.

Cáliz de Derrynaflan

Descripción

Tiene una altura de 19,2 cm y un diámetro de 21 cm. 

Está fabricado en aleación de bronce y plata, mediante las técnicas de fundición, filigrana e incrustación.

Se trata de un cáliz compuesto por dos asas, el tazón y el pie estas fabricados en plata batida y pulida, además se conectan entre sí por medio de un vástago y un pasador grande fabricados en aleación de cobre fundido.

Cabe resaltar que la decoración esta basada en muchas filigranas individuales, cincuenta y cuatro postes de ámbar y algunos paneles adornados.

Aunque subrayar que la filigrana utilizada en la decoración es técnicamente menos gruesa y sofisticada que las obras de orfebrería realizadas durante el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.).

Se puede apreciar que en los paneles adornados los diseños presentan una decoración de estilo animal dónde destacan las bestias individuales y las combinaciones entre ellas (un grifo sin alas y una figura parecida a un perro).

También destacar que la forma utilizada en la decoración de estilo animal y el uso del ámbar resaltan un vínculo con la decoración de los broches del siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.).

Por lo tanto los investigadores piensan que el cáliz pudo ser elaborado durante el primer período de las incursiones realizadas por los vikingos en Irlanda.

Para finalizar enfatizar que el Cáliz de Derrynaflan esta considerado un ejemplo del arte medieval cristiano y una de las piezas de orfebrería más destacadas dentro del arte celta irlandés.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Irlanda, en Dublín.

Dama de Auxerre

La Dama de Auxerre, también conocida como Korai de Auxerre, es una escultura datada aproximadamente en el siglo VII a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte griego, en concreto al período arcaico griego.

Dama de Auxerre

Cabe resaltar que el momento del hallazgo y el lugar es desconocido, aunque los investigadores piensan que pudo ser descubierta en la antigua ciudad de Creta, situada en Eleuterna.

Se tiene constancia que en el año 1.895 d.C. fue adquirida por el conserje del teatro de Auxerre, localizado en Borgoña (Francia).

Pero no fue hasta en el año 1.907 d.C. cuando el arqueólogo e historiador francés Máxime Collignon la descubrió mientras realizada trabajos de inventario y catalogación.

En el año 1.909 d.C. la escultura fue intercambiada por una pintura del pintor Harpignies por el Museo del Louvre de París (Francia), dónde la Dama de Auxerre pasó a formar parte de su colección de arte. 

Descripción

Tiene una altura de 75 cm. Esta fabricada en piedra caliza mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer joven en posición de pie, se piensa que pudo ser la representación de una diosa.

En la parte superior destaca el cabello, representado con un peinado trenzado y ajedrezado (las trenzas son voluminosas y acaban en pequeñas bolas).

Dama de Auxerre

Se puede apreciar como varios mechones caen por delante de los hombros enmarcando el rostro.

Además a la altura de la frente el cabello se encuentra representado rizado en forma de espiral.

El rostro simétrico presenta forma triangular, destacan los ojos almendrados y la sonrisa arcaica.

La barbilla es redondeada y el cráneo es bastante plano, aunque subrayar que la mitad del rostro se encuentra mutilado.

Los pechos están representados con forma cónica, mientras que la cintura es estrecha.

La mano derecha se encuentra doblada sobre el pecho y tiene un tamaño desproporcionado, en cambio tanto el brazo izquierdo como la mano izquierda se encuentran en posición rígida pegados al cuerpo.

En la parte inferior de la escultura se puede apreciar como los pies se encuentran representados juntos y descalzos, tan sólo se pueden apreciar los dedos de los pies y las uñas que sobresalen por la túnica.

Se puede observar como toda la escultura descansa sobre un pedestal rectangular.

Con respecto a la vestimenta, se encuentra ataviada con un peplo dórico (túnica femenina) y sobre los hombros hay un himation (manto grueso).

Dama de Auxerre

El peplo tiene forma cilíndrica y se encuentra decorado por una cenefa, también lleva pulseras en las muñecas y un cinturón ancho.

En cuanto a la composición, se trata de una escultura de estilo figurativo, naturalista e idealizada, además se aprecian decoración con motivos geométricos.

Además destaca la Ley de la Frontalidad y el uso de las formas geométricas (la forma cilíndrica del peplo, la forma cónica de los pechos y la cara con forma triangular).

Aparte conserva restos de policromía, se han encontrado restos de color rojo a la altura del pecho, así como restos de color en la decoración de la vestimenta y las pulseras.

Algunos investigadores piensan que la funcionalidad de la escultura es religiosa, puesto que se piensa que originalmente podría haber sido una escultura votiva y haber estado situada en un santuario dedicado a algún dios.

Sin embargo, otros investigadores creen que podría haber tenido una funcionalidad funeraria al tratarse de una escultura que habría estado colocada en alguna tumba.

En general el estado de conservación es bueno, tan sólo se puede apreciar un deterioro en la parte superior de la escultura, concretamente en el lado izquierdo del rostro que se encuentra mutilado.

Para finalizar enfatizar que la Dama de Auxerre esta considerada uno de los mejores ejemplo que se conservan de una escultura de estilo dedálico.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Efebo de Kritios

El Efebo de Kritios, también conocido como Muchacho de Kritios, es una escultura datada aproximadamente entre los año 490 a.C. y 480 a.C., perteneciente al arte griego, concretamente al estilo clásico temprano griego.

Efebo de Kritios

Efebo de Kritios

Fue esculpida por el escultor griego Kritios, además representa el comienzo del estilo severo dentro de la escultura griega siendo una transición entre el período arcaico y el período clásico.

Cabe destacar que que la escultura fue hallada en dos partes, en el año 1.865 d.C. fue hallado el torso, mientras que en el año 1.888 d.C. fue descubierta en la cabeza.

Ambas partes fueron descubiertas durante las excavaciones arqueológicas realizadas por Sam Rumpf, en la zona situada entre el Museo de la Acrópolis de Atenas y el ala sur de la antigua Acrópolis de Atenas, localizados en Grecia.

Fue restaurada por el arqueólogo e historiador de arte alemán Adolf Furtwängler, para después pasar a formar parte de la colección de arte del Museo de la Acrópolis de Atenas, en Grecia.

Descripción

En la actualidad tiene una altura de 86 cm, aunque se piensa que originalmente la altura habría sido de aproximadamente 117 cm.

Esta fabricada en mármol de Paros, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un hombre joven (un atleta) desnudo y en posición de pie.

Es la representación de un "efebo atleta", desnudo en una posición relajada con los brazos situados a lo largo del cuerpo.

Como curiosidad destacar que en griego antiguo la palabra "efebo" significa adolescente, dentro de la sociedad griega solía ser utilizado para referirse a los varones de una edad comprendida entre los 15 a los 18 años (en la ciudad de Atenas eran los varones de entre 18 a 20 años), además todos ellos eran instruidos en la efebeia (servicio militar).

En la parte superior de la escultura resalta el cabello, representado corto y rizado con un peinado formado por un rodete circular situado a la altura de la sien.

Cabe destacar que la cabeza se encuentra representada girada hacia el lado izquierdo y ligeramente inclinada hacia abajo.

En el rostro destacan las cuencas de los ojos vacías, los investigadores piensan que en su origen podrían haber estado rellenas con pasta vítrea que no ha llegado hasta la actualidad.

Efebo de Kritios

Se puede apreciar como la escultura tiene una posición relajada, con los brazos situados separados del cuerpo.

La pierna derecha se encuentra representada adelantada, mientras que la pierna izquierda esta en una posición atrasada, recta con el pie apoyado en el suelo..

En cuanto a la composición destaca el contraposto, es decir la posición armónica de las diferentes partes del cuerpo que forman la figura humana.

Se puede apreciar como el peso de la figura recae sobre la pierna izquierda, mientras que al presentar la rodilla derecha flexionada se produce un desnivel en las caderas.

También destaca la línea de los hombros que no se encuentra paralela a las caderas.

Esto ayuda a crear movimiento y hace que la escultura pueda ser apreciada desde diversos ángulos, rompiendo así con  la Ley de la Frontalidad.

Con respecto a la anatomía del cuerpo, se aprecian como los músculos están representados tensos y relajados, también se aprecia la insinuación de los huesos por debajo de la piel (sobretodo en la zona del pecho y en la zona abdominal).

El estado de conservación no es bueno, se encuentra desprovista de ambos antebrazos, el pie y el tobillo derecho y el pie izquierdo. Aparte se observa como la nariz, la barbilla, las mejillas y el cuello se encuentran dañados y el torso tienes signos de desgaste (debido a su exposición).

Para finalizar enfatizar que el Efebo de Kritios esta considerado la primera escultura con el uso del contraposto que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo de la Acrópolis de Atenas, Grecia.

Casco de Leiro

El Casco de Leiro es un casco datado aproximadamente entre los años 1.000 a.C. y 800 a.C., perteneciente al arte celta.

Casco de Leiro

En concreto se elaboró durante el período correspondiente a la Edad del Bronce Final.

Fue hallado el 7 de abril de 1.976 d.C., durante unas obras de construcción, por el pescador español José Vicente Somoza.

Lo encontró dentro de una cuenca de arcilla en una zona rocosa cercana a la playa de "Corruncho dos Porcos".

Situada cerca de la parroquia de Lerio, ubicada en el municipio de Rianxo, localizada en la provincia de La Coruña, en la comunidad autónoma de Galicia (España).

Casco de Leiro

Descripción

Tiene un altura de 15 cm, un diámetro de 19,5 cm y un peso de 270 gramos. 

Está fabricado en oro, mediante las técnicas de repujado y martilleado.

Se trata de un casco con forma semiesférica realizado en una única pieza y la parte superior acabada con un trono de cono de base pequeña.

Destaca como aparte de la forma semiesférica, la parte superior termina en un trono de cono de base pequeña.

Los investigadores piensan que durante su fabricación, primero se fusionó un capote y después mediante un trabajo de oro batido se levantó la hoja de oro.

Además cabe resaltar que la pequeña "ese" colocada en la parte superior formaba parte de la pieza inicial. Por otra parte en la parte inferior del casco se puede apreciar un ligero efecto fundido del remate de oro macizo.

Para finalizar enfatizar que todo el Casco de Leiro se encuentra decorado en toda la superficie por motivos geométricos dispuesto en un total de seis bandas horizontales separadas en grupos de tres.

La decoración consiste en bolos simples y bolos creados por cuatro bolas circulares concéntricas que están enmarcadas entre cuatro burbujas.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico e Histórico de San Antón en La Coruña, Galicia (España).

Obelisco de Nectanebo II

El obelisco de Nectanebo II es un monumento datado en el año 350 a.C., perteneciente al arte egipcio. 

Obelisco de Nectanebo II

En concreto fue esculpido durante el período de la XXX dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 380 a.C. y 343 a.C.).

Cabe destacar que forma parte de un par de obeliscos monumentales también conocidos como los Obeliscos de Nectanebo II.

Se conoce que en su ubicación original ambos obeliscos custodiaban la entrada al templo del Thoth (dios de la sabiduría, la música, los conjuros, los sueños y el tiempo) en la ciudad de Hermópolis, situada en el centro Egipto (en la actualidad corresponde con Al-Ashmunein).

Un obelisco fue hallado en el año 1.737 d.C. por Richard Pococke en la ciudadela de la ciudad de El Cairo (Egipto). 

Mientras que el otro obelisco fue descubierto en el año 1.762 d.C. por el danés Carsten Niebuhr.

Posteriormente en el año 1.798 d.C. ambos fueron incluidos en la "Descripción de Egipto", mandada elaborar por Napoleón que tenía como objetivo catalogar todos los aspectos conocidos del antiguo y moderno Egipto, así como su historia natural.

En el año 1.801 d.C. el Obelisco de Nectanebo II junto con su gemelo y otras piezas fueron llevados a la ciudad de Alejandría con la intención de enviarlos a Francia y exponerlos en el Museo del Louvre en París (Francia).

Sin embargo con la firma del "tratado de Alejandría" los dos obeliscos fueron enviados a Gran Bretaña.

En el año 1.802 d.C. el rey Gran Bretaña e Irlanda Jorge III de Reino Unido donó ambos obeliscos al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte. 

¿ Quién fue Nectanebo II ?

Nectanebo II, también conocido como Senedyemibra o Najthorhabet (359 a.C. - 343 a.C.), fue el último faraón de la XXX dinastía de Egipto.

Su reinado estuvo marcado por los esfuerzos de los gobernantes persas en reconquistar Egipto. Es sabido que furante los primeros diez años de su reinado el faraón Nectanebo II consiguió reprimir la reconquista.

Obelisco de Nectanebo II

Aunque en el 343 a.C. durante la segunda invasión persa logró reconquistar Egipto, haciendo que el faraón Nectanebo II se refugiara primero en la ciudad de Menfis y después en Nubia.

Cabe destacar que el Nectanebo II está considerado como el último faraón autóctono de Egipto y su marcha marcó el fin de Egipto como entidad independiente.

Descripción

Tiene una altura de 2,74 m (aunque se piensa que su altura original sería de 5,5 m). 

Está fabricado en limolita verde oscura (casi negra), mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de dos obeliscos que presentan las cuatro caras inscritas con escritura jeroglífica en relieve.

Sobretodo destacan como se encuentran finamente tallados los cartuchos que contienen los nombres y títulos del faraón Nectanebo II.

Gracias a las inscripciones se pueden afirmar que originalmente los dos obeliscos fueron erigidos a ambos lados de una rampa que conducía a la entra del templo de Thoth.

Puesto que las inscripciones jeroglíficas registran la dedicación y devoción del dios Thoth, dios protector y la deidad principal de la ciudad de Hermópolis (Egipto).

Para finalizar subraya que el estado de conservación no es bueno, tan sólo se conservan la mita de ellos, por lo que nos encontramos ante un monumento fragmentario.

Actualmente se encuentra expuesto en el "Queen Elizabeth II Great Court" (Gran Atrio de Isabel II), ubicado en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Efebo Rubio

El Efebo Rubio también conocido como Kuros Rubio es una escultura datada aproximadamente entre los años 490 a.C. y 480 a.C., perteneciente al arte griego.

Efebo Rubio

Efebo Rubio

Efebo Rubio

Pertenece al período arcaico tardío o al período clásico temprano (dentro del "estilo severo").

Aunque no se ha podido determinar a quién representa la escultura, se trata de uno de los hallazgos más bonitos e importantes de la Acrópolis de Atenas.

Fue hallada en septiembre del año 1.887 d.C. durante las excavaciones arqueológicas en la zona del santuario de Pandion.

Ubicado en la parte noroeste del antiguo Museo de la Acrópolis de Atenas, localizado en la ciudad de Atenas, en Grecia. 

Efebo Rubio

Efebo Rubio

Descripción

Tiene una altura de 24,5 cm y una profundidad de 22,8 cm. Está fabricada en mármol de Paros.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la cabeza de un adolescente hasta la mitad del cuello.

La cabeza se encuentra ligeramente girada hacia la derecha, los ojos almendrados grandes, los párpados gruesos, la nariz recta y los labios carnosos con el labio inferior pronunciado.

El cabello se divide en dos grandes trenzas que se enrollan alrededor de la cabeza y se atan por delante, debajo del flequillo el cabello le cae en ondas sobre la frente.

Además se puede apreciar como hay un agujero en la parte superior de la cabeza, probablemente para colocar un menisco, de un diámetro de 12 mm y una profundidad de 31 mm.

Con respecto a la composición resaltar que la expresión seria, casi melancólica del rostro, y suave es un testimonio de la percepción del estilo severo del arte escultórico griego.

En cuanto al estado de conservación resaltar que en general es bueno, lo que sugiere que la escultura no estuvo expuesta a la intemperie por un largo período de tiempo.

Aparte cuando la escultura fue encontrada se hallaron residuos de policromía, en concreto había pintura amarilla en el cabello y restos de policromía roja en los labios.

También resaltar que algunos investigadores atribuyen la cabeza a una escultura que representa el torso desnudo de un joven. Sin embargo señalan algunas diferencias en las proporciones que hacen que la correlación sea precaria.

Es más el hecho de que parezca haber sido separado cuidadosamente del cuerpo ha llevado a suponer que fue cortado deliberadamente del torso.

Para finalizar subrayar que se puede apreciar una copia policromada del Efebo Rubio realizada por Dr. Alfons Neubauer y expuesta en la Gliptoteca de Múnich en Alemania.

Efebo Rubio (Copia policromada)

Actualmente el Efebo Rubio se encuentra expuesto en el Museo de la Acrópolis de Atenas, Grecia.

Cabeza de Amorgos

La Cabeza de Amorgos es una escultura datada aproximadamente entre los años 2.800 a.C. y 2.300 a.C., perteneciente al arte prehelénico, concretamente al arte cicládico.

Cabeza de Amorgos

Lo primero que se conoce es que la escultura fue hallada en la isla de Amorgos, ubicada dentro de las islas de las Cicladas, en el Mar Egeo (Grecia).

También se conoce que poco después de su descubrimiento la Cabeza de Amorgos pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia).

Descripción

Está fabricada en mármol de Paros blanco (también conocido como mármol Pario).

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una cabeza.

Es una escultura de carácter naturalista y realista, se caracteriza por las facciones geométricas y esquemáticas.

La cabeza presenta forma ovalada, alargada y en "U", además se encuentra ligeramente inclinada hacia atrás.

Aparte destacar que el rostro se encuentra representado sin rasgos, siendo el único rasgo facial que se puede apreciar la nariz. 

El cuello está representado alargado, largo y ancho.

Para finalizar que la Cabeza de Amorgos esta englobada dentro del "tipo Spedos", caracterizado por las cabezas en forma de pala y contornos redondeados.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Apolo Strangford

El Apolo Strangford, también conocido como Kuros de Anafi, es una escultura datada aproximadamente entre los años 500 a.C. y 490 a.C., perteneciente al arte griego.

Apolo de Strangford

En concreto está englobada dentro del período arcaico de la escultura griega.

Cabe destacar que los investigadores piensan que fue esculpida en la isla griega de Anafi, ubicada en el archipiélago de las Cícladas, en Grecia.

Lo primero que se conoce es que el Apolo Strangford perteneció a la colección del sexto vizconde de Stragford, Percy Cliton Sydney.

Quién la adquirió cuando era embajador de Gran Bretaña ante el rey de Portugal en Brasil.

Hasta que en el año 1.864 d.C. la escultura fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 101 cm. Está fabricada en mármol.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un muchacho adolescente desnudo de pie. Es decir, se trata de una escultura de tipo "kuros", puesto que representa a un hombre joven desnudo en posición de pie.

El cabello se encuentra arqueado sobre la frente en dos filas de rizos en espiral (tres delante de las orejas) formando una corona.

Apolo de Strangford

En la corona se observan como el cabello está recogido en trenzas onduladas y los extremos se levantan desde el cuello en forma de rollo.

Se observan como hay cinco agujeros en el cabello, uno en la mitad de la frente, uno en la oreja derecha, dos en la izquierda y uno más grande situado en la parte superior de la cabeza.

En el rostro destaca la frente baja, las cejas son largas y arqueadas, mientras que el párpado superior se encuentra separado por un surco.

Los ojos son pequeños, la nariz ancha, los labios tienen forma de arco con las esquinas muy estrechas formando una ligera sonrisa.

Se puede apreciar como lo que se conserva de ambos hombros se encuentran doblados hacia atrás.

La pierna derecha se encuentra ligeramente estirada en posición atrasada, mientras que la pierna izquierda se encuentra ligeramente avanzada con la rodilla izquierda doblada.

La anatomía se encuentra muy bien definida, lo que indica la excelente educación física de un adolescente aristocrático.

Apolo Strangford

Las formas del cuerpo son musculosas, tanto la clavícula como los hueso del pecho se encuentran muy enfatizados.

También debajo del tórax y el epigastrio se encuentra enmarcado por una cresta ligera y la superficie se encuentra dividido por la mitad y en dos ranuras horizontales.

El epigastrio es la región superior del abdomen que va desde la punta del esternón hasta el ombligo.

Así mismo, debajo de las axilas, las costillas se encuentran claramente marcadas y enmarcadas hacia la parte posterior.

El abdomen inferior es demasiado largo. Mientras que el ombligo se encuentra marcado mediante una incisión.

La espalda se encuentra modelada con una cintura fuertemente incurvada y las nalgas pesadas.

Las piernas presentan una exageración de los músculos de los muslos y las rótulas se encuentran cuidadosamente trabajadas.

En general el estado de conservación de la escultura es bueno, aunque las piernas se encuentran rotas de las rodillas para abajo y a la altura de los brazos le faltan la mitad de los bíceps.

También se observa como el extremo de la nariz, uno o dos rizos del cabello y el lado de la barbilla se encuentran desgastados.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores consideran que el Apolo Strangford ha sido identificado con la imagen arcaica del dios Apolo (dios de la belleza, la música, la poesía, la luz, el arco, la adivinación y el sol).

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Dama de Castellar

La Dama de Castellar, también conocida como Damita de Castellar, es una escultura datada aproximadamente entre los siglo IV a.C. y II a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 101 a.C.), perteneciente al arte íbero, en concreto está englobada dentro del período la Edad del Hierro II.

Dama de Castellar

Dama de Castellar

Lo primero que se conoce es que fue hallada a principios del siglo XX (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) por el arqueólogo francés Gerard Nicolini.

En el yacimiento arqueológico "Cueva de la Lobera", situado en la localidad de Castellar, localizado en la provincia de Jaén, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Poco después de su descubrimiento la Dama de Castellar pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arqueología de Cataluña, en Barcelona (España).

Descripción

Tiene una altura de 7,5 cm. Está fabricada en bronce, mediante la técnica de fundición a la cera perdida.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura femenina, una dama o una sacerdotisa perteneciente a la aristócrata íbera ataviada con una túnica larga. 

En la parte superior de la cabeza se puede observar como está cubierta con una cofia, es decir, un tocado femenino que cubre toda la cabeza hasta la nuca y se ata bajo la barbilla.

También resalta como las mejillas se encuentran enmarcadas por dos rodetes o moños laterales situados a la altura de las orejas.

En el rostro destacan la mirada con las cejas arqueadas, la nariz recta y los ojos sesgados. Así como la boca curvada en una pequeña sonrisa.

Alrededor del cuello se aprecia un gran collar trenzado que se encuentra sostenido por la mano derecha, mientras que bajo el cuello en forma de lengüeta hay un gran portamuletos.

Además resalta como la mano izquierda se encuentra representada de forma desproporcionada, situada sobre la túnica.

Para finalizar subrayar que la funcionalidad de la escultura es funeraria, puesto que se trata de un exvoto.

Es más los investigadores piensan que las desproporciones de las joya es simbólico, ya que la sociedad íbera tenía la creencia que cuanto mayor tamaño tuvieran las joyas mayor sería su protección.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo de Arqueología de Cataluña, en Barcelona (España).

Dama de Micenas

La Dama de Micenas es un fresco datado aproximadamente en el siglo XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.300 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte prehelénico, concretamente al arte micénico.

Dama de Micenas

Lo primero que se conoce es que el fresco fue hallado completamente agrietado en la casa del "sumo sacerdote" en la Acrópolis de Micenas.

Ésta se encuentra situada a 90 km al sudoeste de la ciudad de Atenas, en Grecia.

Descripción

Después de la restauración de todos los fragmentos encontrados el fresco tiene unas dimensiones de 53 cm x 70 cm.

Se trata de un fresco que ha sido realizado mediante la técnica de "Buon Fresco", es decir, es la expresión italiana utilizada para denominar una pintura mural que ha sido realizada sobre el último estrato húmedo de mortero de cal y arena (denominado enlucido).

Con lo que los pigmentos mezclados con el agua quedan fijados por la carbonización de la cal. No obstante también se han realizado algunas adicciones y retoques en seco.

El fresco representa a una mujer joven, se cree que puede ser una deidad. Además el rostro y las manos se encuentran representado de perfil y el pecho de frente.

En el rostro destaca una expresión seria y pensativa, con la mirada que se dirige a la mano derecha y ésta se encuentra sosteniendo un collar, mientras la oreja está representada estilizada.

El cabello se encuentra representado con un complejo peinado, se encuentra recogido por una cinta decorada con líneas rojas y blancas. Un mechón largo le cae frente al oído.

Dama de Micenas

Lleva joyas en las manos y un collar en el cuello.

Se encuentra vestida con una prenda de color amarillo, que está cubierta con un borde rojo con una tira decorativa blanca.

Destaca la posición del pezón que se encuentra resaltado con dos pequeños círculos.

Con respecto a la composición destacar que la paleta de colores utilizados se encuentran directamente relacionados con la tierra e incluyen ocre rojo, ocre marrón, amarillo, negro carbón o manganeso y azul (utilizado en el fondo).

En cuanto a la piel de la mujer (la cara y las manos) destaca por haberse utilizado un color claro blanco (este color era considerado el ideal de belleza femenina).

En el momento de su hallazgo el fresco se encontraba en muy mal estado de conservación y completamente fragmentado.

Aún con la restauración llevada a cabo no se ha podido reconstruir el resto del cuerpo, así como la parte posterior de la cabeza.

Para finalizar subrayar que se trata de un fresco bidimensional, aunque el artista intenta dar un sentido de dimensión al representar la cabeza en un perfil de perspectiva, mientras que las articulaciones de los dedos tienen forma. 

Aparte el pecho tiene una sensación de volumen puesto que para su representación ha sido utilizado un contorno negro fino.

Actualmente se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Reina de la Noche

La Reina de la Noche, también denominado Relieve Burney o Placa de Burney, es un relieve datado aproximadamente entre los años 1.800 a.C. y 1.750 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte babilónico. 

Reina de la Noche

Reina de la Noche

Lo primero que se conoce es que el relieve fue hallado en el Sur de Iraq, siendo en el año 1.924 d.C. cuando fue trasladado a Gran Bretaña.

En el año 1.933 d.C. la Reina de la Noche fue llevada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) para someterla a un estudio científico y de autenticación.

Reina de la Noche

En ese mismo año pasó a formar parte de la colección del comerciante y casa de subastas iraquí Roger Homsy.

En el año 1.935 d.C. fue adquirido por el comerciante iraquí Selim Homsy & Co. En el año siguiente, 1.936 d.C., el relieve fue comprado por el militar naval, comerciante y coleccionista de arte británico Sir Sydney Bernard Burney.

En el año 1.951 d.C. fue comprado por el militar y coleccionista de arte británico Norman Colville.

En el año 1.974 d.C. la Reina de la Noche fue adquirida por el coleccionista de arte y comerciante japonés Sakamoto Gorō (坂本五郎).

Hasta que en el año 2.003 d.C. el relieve fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Reina de la Noche

Descripción

Tiene una altura de 49,5 cm, una ancho de 37 cm y un espesor de 4,8 cm. Está fabricada en terracota.

Se trata de una placa con forma rectangular de arcilla cocida que ha sido modelada en relieve y que en el frente representa una figura femenina desnuda con alas y seis garras emplumadas y afiladas.

Está representada de pie con las piernas juntas, de frente y con un tocado que consta de cuatro pares de cuernos rematados por un disco.

Cabe destacar que la corona de cuernos en forma de tiara que lleva sobre los cabellos indica que se trata de la representación de una diosa.

Reina de la Noche

También lleva alrededor del cuello un elaborado collar, brazaletes en cada muñeca y anillos.

Se puede apreciar como sostiene en sus manos, al nivel de sus hombros, un símbolo formado por la vara y el anillo (una combinación entre una cuerda y una vara de medir).

Además destacar como la figura se encuentra sostenida por un par de leones adornados sobre un patrón de escamas que representan montañas o un terreno montañoso y está flanqueada por un par de búhos de pie.

La parte posterior de la placa es plana y no presenta ningún tipo de decoración.

Con respecto a la composición resaltar que ha sido elaborada en arcilla cocida, fuertemente templada con paja u otra materia orgánica, que ha sido resaltada con pigmento rojo y negro y posiblemente yeso blanco.

Reina de la Noche

El análisis científico de los pigmentos revela un uso extensivo de ocre rojo en el cuerpo de la figura femenina principal.

Por lo que es probable que se utilizara yeso como pigmento blanco en algunas zonas.

Aunque no se puede descartar firmemente su presencia como resultado de la eflorescencia de las sales contenidas en las aguas subterráneas.

Las zonas oscuras del fondo contenían carbono en lugar de betún, como algunos estudiosos suponían previamente al análisis.

Reina de la Noche

Es más resaltar que las zonas oscuras son más abundantes en la parte posterior de la placa, lo que resalta el simbolismo del inframundo del que proviene la figura representada.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Reina de la Noche podría tratarse de la representación de una de estas tres diosas: la diosa Ishtar (diosa del amor, la guerra, la vida, el sexo y la fertilidad), la diosa Ereshkigal (diosa del inframundo) y la demoníaca Lilitu (criatura maligna).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Moscóforo

El Moscóforo es una escultura datada aproximadamente entre los año 570 a.C. y 520 a.C., perteneciente al arte griego, concretamente al período arcaico.

Moscóforo

Es una escultura de tipo "Kuros" esculpida por algún artista en los talleres de Ática.

Fue hallada en el año 1.864 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas (Grecia).

Mientras que la base fue hallada en el año 1.887 d.C. durante las excavaciones realizadas en el Foso Persa de la Acrópolis de Atenas (Grecia).

Además se hallaron muchas otras piezas más pequeñas, con lo que la escultura se pudo reconstruir bastante, aunque no del todo.

Poco después de su descubrimiento Moscóforo, junto con todas las piezas encontradas después, pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de la Acrópolis de Atenas, ubicado en la ciudad de Atenas, en Grecia.

Moscóforo

Descripción

Tiene una altura de 165 cm (sólo desde la cabeza hasta las rodillas). Está fabricada con incrustaciones de piedra y mármol del Monte Himeto.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un hombre joven con barba ataviado con un manto que lleva sobre los hombros un ternero.

En el rostro destacan los ojos almendrados y ahuecados, seguramente con un trépano con la finalidad de incrustar algún tipo de piedra preciosa que dotaría a la escultura de más expresión.

La cara presenta forma alargada y oval, mientras que la nariz es recta y los labios están representados en una sonrisa arcaica.

El cabello es largo con rizos dispuestos simétricamente que caen por la parte posterior de la espalda y en la parte superior se encuentra atado con una cinta estrecha.

También se puede apreciar como tiene una barba gruesa que se curva alrededor del labio superior y el labio inferior se encuentra afeitado.

Moscóforo

Además resaltar que la composición de los brazos del joven y las patas del ternero se cruzan en diagonal.

La pierna derecha está representada atrasada, mientras que la pierna izquierda se encuentra un poco adelantada.

Aparte se puede apreciar como en la base hay una inscripción tallada en griego de derecha a izquierda:

La inscripción es la siguiente:

"(Ρ)ΟΜΒΟΣ ΑΝΕΘΕΚΕΝ ΠΑΛΟΥ ΥΙΟΣ"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"(R)OMVOS, EL HIJO MAYOR DE ANETHEKEN"

Con respecto al estado de conservación destacar que es bueno, aunque debido al paso de tiempo se pueden observar algunas deterioraciones, roturas y mutilaciones que no han llegado hasta la actualidad.

Desde las rodillas hasta los pies la escultura se encuentra mutilada, también se puede apreciar un deterioro a la altura de las manos, en el muslo izquierdo, en la mitad inferior del rostro y en parte de la figura del carnero.

En cuento a la composición resaltar la representación de la musculatura del hombre, en los brazos y en el abdomen y la musculatura del animal.

En toda la escultura destaca la Ley de la Frontalidad, el hieratismo (tanto sólo roto por el uso de la sonrisa arcaica) y la esquematización geométrica apreciada en los volúmenes del cuerpo.

Acerca de la funcionalidad destacar que la escultura tiene una funcionalidad religiosa, puesto que se trata de un exvoto ofrecido a la diosa Atenea por "Rhombos, hijo mayor de Anetheken".

Esto es sabido gracias a la inscripción que se pude apreciar en la base de la escultura (un pedestal, en la actualidad se adjuntó al pie derecho de la escultura).

Para finalizar subrayar que Moscóforo está considerada una de las obras maestras del Período arcaico de Grecia y es la primera escultura que incorpora la figura de un animal, lo que inició un nuevo género dentro de la escultura griega.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo de la Acrópolis de Atenas, Grecia.

Tumba de Triclinio

La Tumba de Triclinio es una sepultura datada aproximadamente entre el año 480 a.C. y 470 a.C., perteneciente al arte etrusco.

Tumba de Triclinio

Fue hallada en el año 1.830 d.C. en la necrópolis de Monterozzi, situada en los alrededores de la ciudad de Tarquinia (una de las ciudades más importantes de Etruria).

En la actualidad está ubicación corresponde a la región de Lacio, ubicada en la provincia de Viterbo (Italia).

Cabe resaltar que debido a la fragilidad de los frescos originales en el año 1.949 d.C. fueron trasladados al Museo Arqueológico Nacional de Tarquinia, en Lacio (Italia).

Aunque el pintor italiano Carlos Ruspi creó una reconstrucción en acuarela de los frescos de la tumba, estando actualmente esta reconstrucción conservada en la Ciudad del Vaticano (Ciudad del Vaticano).

Descripción

Es una tumba compuesta por una cámara individual. Se trata de una tumba hipomótica con dromos largos. Tiene un tamaño de 430 cm x 350 cm y una altura de 252 cm.

Tumba de Triclinio

Se trata de una tumba ornamentada con las pinturas al fresco de estilo tardío arcaico etrusco que decoran las pareces.

Destaca la escenificación de un banquete con colores suaves en el fondo de la pared, mientras que en las paredes laterales hay pintadas escenas de danza y música.

En la pared del fondo se observa una escena de banquete, los participantes en el banquete se encuentran reclinados sobre tres klinai.

Un kline y en plural klinai, era un tipo de mueble, diván o lecho utilizado alrededor de una mesa baja normalmente cuadrada, donde los comensales se recostaban sobre su lado izquierdo y disfrutaban de la comida.

Tumba de Triclinio

Debajo de los lechos, en el piso, se encuentra representado un gato acechando a una perdiz o a un gallo.

En la pared izquierda hay representados tres bailarinas, un bailarín y un músico con un barbitón (antiguo instrumento de cuerda, algunas veces confundido con la lira).

Toda la escena se encuentra enmarcada por pequeños árboles llenos de pájaros, mientras que en la pared derecha se puede observar una escena similar.

Las figuras masculinas se encuentran vestidas con una toga cortada en un semicírculo, mientras que las figuras femeninas se encuentran vestidas con tebenna, es decir, un abrigo de color oscuro, completado con una capa.

Tumba de Triclinio (Reconstrucción pared lateral)

En el muro de entrada se aprecian dos figuras de hombres jóvenes saltando de sus caballos, los investigadores piensan que puede tratarse de apóbatas (en la antigüedad, eran participantes en una carrera de carros en la que debían saltar del carro) o hacer referencia a los Dióscuros (como intermediaros entre la vida terrenal y el más allá).

Con respecto a la composición resaltar el uso de la policromía, destacando los colores azul y marrón. También resaltan como los cuerpos y las túnicas terminan en antiguos pliegues de cola realizados mediante unas líneas fluidas y suaves.

Para finalizar subrayar que la Tumba de Triclinio destaca por sus pinturas murales que se encuentran muy bien conservadas, además la calidad de los frescos hacen que se la tumba este considerada una de las más bellas dentro de la civilización etrusca.

Tumba de Triclinio (Reconstrución pared del fondo)

Afrodita de Cnido

La Afrodita de Cnido, también conocida como Afrodita Cnidea, Venus de Cnido o Venus de Praxíteles, es una escultura datada aproximadamente entre los años 360 a.C. y 330 a.C., perteneciente al arte griego.

Afrodita de Cnido

La escultura fue esculpida por el escultor griego Praxíteles de Atenas.

Se trata de la primera representación del desnudo femenino dentro de la escultura griega de la que se tiene constancia.

Es conocido que la escultura fue expuesta en la ciudad helénica de Cnido, ubicada en Caria (Anatolia).

En el santuario dedicado a la diosa Afrodita (diosa de la belleza, el amor y la sexualidad) en el centro de un "tholos, tolo o templete monóptero", es decir, un templo de estilo clásico de planta circular rodeado de una columnata.

A principios del siglo V d.C. la escultura pasó a formar parte de la colección de obras de arte de Lauso, siendo instalada en su palacio de Constantinopla (Estambul).

Aunque la escultura original fue destruida junto el palacio de Lauso durante el incendio de la revuelta de Niká en el año 475 d.C..

Aún así se han conservado numerosas copias y variantes de la época romana que hacen posible imaginar el aspecto de la escultura original.

Descripción 

Una de las mejores copias romanas es la denominada Venus Colonna o Afrodita de Cnido.

Tiene una altura de 205 cm. Está fabricada en mármol de Paros, mediante la técnicas de incisión, tallado, pulido y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer joven desnuda de pie, disponiendo a realizar un baño ritual o después de haberlo efectuado.

Representa a la diosa griega Afrodita (diosa del amor, la belleza y la sexualidad). Además los investigadores piensan que quién desempeño la función de modelo fue la "hetera Friné".

Se trata de la primera escultura que representa el ideal del cuerpo desnudo femenino, sentando así un precedente de la anatomía femenina y sirviendo de inspiración y modelo de numerosas esculturas realizadas en épocas posteriores.

Afrodita de Cnido

Es una escultura figurativa de carácter naturalista idealizado, la forma y los volúmenes son blandas, es decir, sin musculatura (correspondiente al ideal femenino) y destaca sobretodo el modelado de los pechos.

La mujer se encuentra de pie, se puede observa un contrapeso o contrabalenceo, la pierna derecha se encuentra tensa, mientras que la pierna izquierda se encuentra doblada y flexionada.

La cadera está representada hacia atrás, la elevación de la cadera crea una sinuosidad o curveo (dibuja una pronunciada "ese"en el perfil) conocida como curva praxiteliana.

La espalda se encuentra combada hacia delante. El cuello se encuentra representado erguido y la cabeza girada, mirando hacia el lado derecho.

El brazo derecho se encuentra hacía fuera de la composición. En su mano derecha sostiene un paño que cae sobre una hidria (vasija de cerámica usada en la Antigua Grecia para contener agua).

Tanto el paño como la hidria hacen la función de soporte.

Mientras que el brazo derecho cae hacia delante y con su mano derecha se tapa sutilmente sus partes íntimas.

El rostro presenta una expresión equívoca, es decir, está representada con una expresión ausente, con un gesto de pudor al tratar de ocultar su pubis.

Los labios son carnosos, los ojos almendrados, la nariz recta y el cabello se encuentra recogido en un moño y está sujeto con una cinta.

Destaca el juego de luces y sombras que hacen destacar las finas texturas de la piel, la textura del cabello y sobre todo el paño (lleno de pliegues, contracta con la piel femenina).

Se cree que la escultura original hubiera estado policromada, es decir, había estado pintada y recubierta con capas de cera transparente que tenía la función de fundir los distintos colores.

Para finalizar subrayar que existen numerosas citas literarias que hacen referencia a la Afrodita de Cnido, siendo algunos de los autores que la mencionan en sus escritos los siguientes: Plinio el Viejo, Pausianas, Platón, Antípatro, Alcifrón, entre otros.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Pio-Clementino (englobado dentro de la colección de los Museos Vaticanos) en la Ciudad del Vaticano.