Xicalcoliuhqui

El xicalcoliuhqui es un ornamento arquitectónico consistente en un motivo compuesto por tres o más escalones conectados a un gancho o a una espiral, que recuerda a un stepped fret, meandro, greca escalonada o greca.

xicalcoliuhqui
(Mosaico de piedra calado de Mitla)

xicalcoliuhqui
(Piramide de Nichos en El Tajín)

Cabe destacar que éste ornamento es propio del arte precolombino.

Se puede encontrar tanto en elementos arquitectónicos de edificios, como en joyas, máscaras, cerámicas, esculturas, códices, textiles, trabajos de plumas y murales pintados.

xicalcoliuhqui
(Estatua de Cerámica de Veracruz, México)

xicalcoliuhqui
(Túnica de Tapiz)

xicalcoliuhqui
(Códice Mendoza )

La palabra xicalcoliuhqui significa "calabaza retorcida" en náhuatl ("xical": "calabaza" y "coliuhqui": "retorcida"), una macrolengua utoazteca que se habla en México y Centroamérica.

Además destacar que el motivo se encuentra asociado con muchas ideas, se cree que representa: agua, olas, nubes, relámpagos, una serpiente o una deidad serpiente (como el fuego mitológico o las serpientes emplumadas).

Así como ideas más filosóficas como el movimiento cíclico o la vida, dando conexión entre la luz del sol y la tierra. 

Aparte podría haber sido una protección contra la muerte, pero resaltar que ningún significado único es universalmente aceptado.

Es más también es posible que el movimiento represente la caracola cortada, que es un emblema de la deidad Ehécatl (dios del viento) y una decoración asociada con la deidad Quetzalcóatl (dios credos del hombre, Señor de la Aurora y la Serpiente Nube de Lluvia).

Para finalizar subrayar que lo que parece probable es que el motivo xicalcoliuhqui está asociado con la naturaleza multivalente y que éste sea el motivo que ha dado a su uso continuo desde la época precolombina hasta la actualidad.

Cesta de Flores Reiki

La Cesta de Flores Reiki, también conocida como Florero Reiki o 長倉健一 造 「霊気」花入 , es una cesta datada en el año 2.004 d.C., perteneciente al arte japonés.

Cesta de Flores Reiki

En concreto fue fabricada en el período Heisei (平成時代).

Un período de la historia japonesa que comienzó el 8 de enero del año 1.989 d.C. y finalizó el 30 de abril de 2.019 d.C..

Fue elaborada por el artista japonés Nagakura Ken'ichi (長倉健一).

Se conoce que la cesta pasó a formar parte de la colección de arte "The Abbey Collection".

Propiedad del matrimonio filantrópico y coleccionistas de arte Diane y Arthur Abbey.

La Cesta de Flores Reiki fue prestada desde el 13 de junio del año 2.017 d.C. hasta el 3 de febrero del año 2.018 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), para ser expuesta en la exposición: "Japanese Bamboo Art: The Abbey Collection".

Cabe destacar que una vez acabada la exposición la Cesta de Flores Reiki fue devuelta al prestamista.

Cesta de Flores Reiki

Descripción

Tiene una altura de 50,8 cm, una anchura de 43,2 y un grosor de 24,1 cm. Está fabricada en bambú.

Se trata de una cesta o una escultura orgánica con forma ovalada caracterizada por las texturas inusuales compuesta por finos trenzados inspirados en las artes gráficas y por la inclusión de raíces de bambú.

Cabe resaltar que las obras del artista japonés Nagakura Ken'ichi (長倉健一) deben su apariencia a una variedad de tradiciones, puesto que comenzó su carrera como artesano textil, pero pronto se dio cuenta que estaba más interesado en las obras tridimensionales.

Para finalizar subrayar que la palabra Reiki (レイキ・霊気) hace referencia a un tipo de medicina alternativa japonesa englobada dentro de las "terapias de energía", dónde se utilizan la imposición de las manos o el toque terapéutico que desde las palmas transfiere una "energía universal" conocida con el nombre de ki (気) (energía vital o flujo de energía vital).

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Cuenta con Inscripción Cuneiforme de Kurigalzu I o II

La Cuenta con Inscripción Cuneiforme de Kurigalzu I o II, también conocida como Cuenta con Inscripción Cuneiforme de Kurigalzu I o Kurigalzu II, es una cuenta datada aproximadamente en el siglo XIV a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.301 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte casita.

Cuenta con Inscripción Cuneiforme de Kurigalzu I o II

Se conoce que estaba en posesión del coleccionista Esmail Rahimi.

Formado parte de la colección de arte de  "Rahimi Antiques, Inc.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.994 d.C. la Cuenta con Inscripción Cuneiforme de Kurigalzu I o II fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 2,5 cm y una anchura de 2,4 cm. Está fabricada en ágata.

Se trata de una cuenta de ágata con forma de "ojo" que ha sido hecha a partir de la formación de ágata naturales y que presenta una pequeña inscripción grabada.

La piedra ocular se encuentra perforada a través del costado por un pequeño orificio, además se aprecia como éste orificio permite ensartar las cuentas.

Con respecto a la inscripción grabada en la cara de la piedra, a través del centro oscuro con forma de pupila, tan solo es visible si se observa de cerca.

Gracias a la inscripción se conoce que la cuenta fue dedicada a la diosa Ninlil (diosa o señora del aire y consorte del dios Enlil) por el rey de la dinastía casita de Babilonia Kurigalzu I (se conoce que gobernó hasta su muerte ocurrida en el año 1.375 a.C.) o el rey de la dinastía casita de Babilonia Kurigalzu II (gobernó aproximadamente entre los años 1.332 a.C. y 1.308 a.C.).

Para finalizar subrayar que en la actualidad se conocen más piedras oculares inscritas del período casita que de cualquier otro periodo de la historia de Mesopotamia.

Además se piensa que el deseo de los casita por estos "ojos" de piedra parece haber excedido los suministros disponibles y generó una búsqueda de alternativas, usando sobretodo imitaciones de loza como sustitutos aceptables.

También destacar que durante el período casita algunas de las piedras oculares inscritas se encontraban dedicadas "a la vida" del individuo, evocando el deseo de ser mirado con favor por los dioses.

Puesto que la mirada benéfica de los dioses era especialmente importante para los reyes y gobernantes que dependían del favor divino para un reinado exitoso y duradero.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Panel Hundido Otoniano

El Panel Hundido Otoniano es un panel datado aproximadamente entre los años 962 d.C. y 968 d.C., perteneciente al arte medieval.

Panel Hundido Otoniano

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Se conoce que fue encontrado en la ciudad de Magdeburgo.

Localizada a orillas del río Elba, en el estado federado de Sajonia-Anhalt (Alemania).

Después perteneció a la colección de arte del erudito litúrgico y sacerdote inglés de la Iglesia de Gran Bretaña William Maskell.

Hasta que en el año 1.856 d.C. el Panel Hundido Otoniano fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 125 mm y una anchura de 120 mm. Está fabricado en marfil, mediante las técnicas de perforación y tallado.

Se trata de un panel hundido que ha sido tallado y ornamentado mediante un diseño calado artesanal que representa la escena, descrita en el Evangelio de San Juan, de la Resurrección del hijo de la Viuda de Naín.

Panel Hundido Otoniano

Cristo aparece representado de pie en el lado derecho seguido por un grupo de discípulos.

Se puede apreciar como se encuentra con el féretro que es llevado por dos hombres y que se encuentra acompañado por la madre y otros dolientes.

Cabe destacar que el episodio representado es el primero de los tres milagros que realizó Jesús en los que resucita a un muerto. 

En concreto se representa el momento en el que Jesús llegó al pueblo de Naín, situado a dos millas al sur del Monte Tabor, encontrándose con la ceremonia del entierro del hijo único de una viuda.

Jesús se compadeció de la madre que también había perdido a su marido y resucitó a su hijo de la muerte. Además cabe resaltar que después de éste milagro la fama de Jesús se extendido por toda Judea y por todas las tierras de alrededor.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que el fondo del panel se encuentra perforado con un patrón de cruces de brazos iguales (también denominadas cruces cuadradas).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas

La Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas, también conocida como Vasija de Pórfido con Máscaras de Silenos, es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos I a.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas

En el año 1.961 d.C. la vasija fue comprada por el mecenas y coleccionista de arte chileno Arturo José López Willshaw.

En el año 1.962 d.C. pasó a ser propiedad de su esposa la coleccionista de arte chilena Patricia López Huici.

Entre los años 2.010 d.C. y 2.012 d.C. fue propiedad de un descendiente de Patricia López Huici.

En octubre del año 2.012 d.C. la vasija fue subastada por la casa de subastas Christie's de Paris (Francia).

Siendo comprada por los especialistas en obras de arte europeas (escultura, cerámica, vidrio y plata) y comerciantes de arte y antigüedades con sede en Londres (Gran Bretaña), Rainer Zietz Ltd.

Estando en su posesión hasta que en el año 2.014 d.C. la Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas

Descripción

Tiene una altura de 25,5 cm, una anchura de 30 cm y un diámetro de 24,8 cm. 

Está fabricada en pórfido.

Se trata de un recipiente, una vasija de pórfido con forma de situla, pero sin las dos asas superiores.

También presenta un borde saliente, con decoración de molduras y una ranura en el lado interior, justo debajo del borde. Aparte se puede apreciar como el cuello tiene un perfil cóncavo.

El cuerpo es cilíndrico con la parte inferior curva, la base baja tiene una decoración de molduras y tres pies curvos alrededor del borde inferior.

Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas

Además se puede observar como el fondo es plano y tiene un disco central elevado.

También tiene dos asas horizontales en forma de oreja y debajo de cada asa hay representada una máscaras de Silenos.

Cada Sileno se encuentra representado con una corona de hojas, bayas y una banda en la frente.

Tiene orejas puntiagudas que se proyectan hacia adelante, la nariz ancha, el bigote tupido, los labios entreabiertos y la barba larga con mechones ondulados.

Para finalizar subrayar que en la antigüedad el pórfido era un material muy apreciado como una piedra real, debido a su color asociado con la familia imperial (púrpura que simboliza el rango y la autoridad).

Cabe resaltar que debido a que la piedra es muy dura, lo que hace que tanto su extracción como su transporte sean extremadamente difíciles y costosos, su uso en escultura y arquitectura fue muy limitado.

Por ello los investigadores piensan que la Vasija de Pórfido con Máscaras Barbudas fue utilizada como una urna cineraria.

Además de que está considerada uno de los mejores ejemplos de vasijas elaboradas en pórfido que se han conservado de la antigüedad clásica.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ajaraca (arquitectura)

La ajaraca es un ornamento arquitectónico consistente en un lazo decorativo ornamentado con líneas, flores, lazos, ruedas y estrellas que es usado para embellecer diferentes elementos constructivos (arcos, pilares o ventanas).

ajaraca
(Sala Árabe del Museo del Ejército de Toledo, España)

ajaraca
(Baños árabes de Málaga, España)

Éste ornamento es propio del arte árabe, en concreto del arte mudejar.

Pero también se pueden encontrar en edificios pertenecientes al arte nazarí y en edificios virreinales, neocoloniales edificados en la ciudad de México (México).

ajaraca
(Alhambra, Granada, España)

ajaraca
(Alhambra, Granada, España)

ajaraca
(Alhambra, Granada, España)

ajaraca
(Alhambra, Granada, España)

ajaraca
(Casa de las Ajaracas, México)

Además se conoce que la ajaraca fue desarrollada durante la Edad Media en la Península Ibérica.

Sin embargo en la actualidad el Taller de Cerámica Artesanal Ajaraca S.L. es una empresa familiar que tiene la finalidad de recuperar una serie de motivos ornamentales arquitectónicos propios del arte islámico.

También cabe resaltar que aparte de ser un ornamento estético, tiene una función estructural puesto que aporta estabilidad y resistencia a la estructura, aparte de ser utilizado para unir distintos elementos arquitectónicos.

La ajaraca se fabrica mediante la combinación de piezas de yeso o piezas de cerámica que se ensamblan entre sí para crear diseños tridimensionales caracterizados por una decoración continua y armónica. 

Una vez que se ha planificado el diseño las piezas se colocan en los elementos arquitectónicos correspondientes como muros y molduras.

Además destacar que los diferentes diseños se inspiran en formas geométricas y vegetales, con un diseño realizado a partir de un patrón entrelazado compuesto por: líneas, estrellas, flores estilizadas y rosetones.

Para finalizar subrayar que el origen de la palabra ajaraca procede de la palabra árabe "as-saraka", cuya traducción es lazo, atadura de cintas.

Tocado en Forma de Cabeza de Dragón

El Tocado en Forma de Cabeza de Dragón, también conocido como 漢 鎏金銅龍頭飾 o Tocado de Dragón de Bronce Dorado Han, es un tocado datado entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte chino.

Tocado en Forma de Cabeza de Dragón

En concreto fue elaborado durante la dinastía Han (漢朝), período comprendido entre los años 206 a.C. y 220 d.C., que se corresponde con la segunda dinastía china.

Además ésta dinastía se encuentra considerada una edad dorada dentro de la historia china. 

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Charlotte C. y John C. Weber.

Ubicada en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos de América.

Entre los años 1.987 d.C. y 1.991 d.C. el Tocado en Forma de Cabeza de Dragón fue cedido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que finalmente en el año 1.992 d.C. el tocado fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6,4 cm, una anchura de 5,1 cm y una longitud de 14,6 cm. Está fabricado en bronce dorado con restos de pigmento rojo.

Se trata de un tocado elegante con forma de dragón chino (animal mitológico y legendario de China) , representado con el cuello alargado, las fosas nasales ensanchadas y la boca abierta.

Con respecto a la composición resaltar que los investigadores consideran que la imagen del dragón se encuentra inspirada en los caballos "celestiales" que se pensaba que habitaban en Asia Central.

Para finalizar subrayar que el dragón en China está considerado un emblema auspiciosos de las fuerzas vivas de la naturaleza, con su teórico control sobre las aguas. Aparte de también ser considerado un símbolo poderoso y benevolente.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Brazalete Fatimí

El Brazalete Fatimí es una joya datada aproximadamente entre los siglos X d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte fatimí.

Brazalete Fatimí

Brazalete Fatimí

Se conoce que fue encontrado en la histórica ciudad de Hamtah.

Conocida actualmente como Hama, localizada en la gobernación de Hama, en la Siria central. 

También es conocido que perteneció a la colección de arte de Père Nicholas Karam.

Hasta que en el año 1.949 d.C. el Brazalete Fatimí fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Brazalete Fatimí

Brazalete Fatimí

Descripción

Brazalete Fatimí

Tiene un diámetro máximo de 70 mm, el cierre presenta una longitud de 27 mm y el colgante tiene una longitud de 20 mm. 

Está fabricado en oro.

Se trata de una joya, un brazalete, compuesto por una delgada tira de oro a la que se unen a intervalos regulares piezas de oro trasversales, acanaladas, rectangulares y dobladas.

Brazalete Fatimí

Además se puede apreciar como el cierre está compuesto por dos piezas separadas y con forma obloga (es decir, que es más largo que ancho).

Aparte presenta un colgante compuesto en la parte superior por una tapa cónica y un bucle de suspensión.

Se puede observar como la tapa ha sido unida mediante soportes verticales a una base semiesférica.

También se puede apreciar como la superficie exterior de la base semiesférica y la superficie exterior de la tapa cónica se encuentran ornamentadas mediante patrones geométricos realizados mediante la técnica de filigrana.

Para finalizar subrayar que aunque dentro del arte fatimí se desarrollaron trabajos en: madera, cerámica, cristal de roca y vidrio tallado, fue dentro de la joyería y la orfebrería dónde se vivió un período de oro.

Siendo el Brazalete Fatimí un claro ejemplo de trabajo en oro mediante la utilización de la técnica de filigrana (utilizada en la joyería artesanal).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cabeza de Mármol de las Cícladas

La Cabeza de Mármol de las Cícladas es una escultura datada aproximadamente entre los años 2.800 a.C. y 2.300 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto se encuentra englobada dentro del arte cicládico.

Cabeza de Mármol de las Cícladas

Cabe destacar que la escultura fue fabricada durante el período proto-cicládico II.

Se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una tumba ubicada en la isla de Amorgos.

Localizada en la parte más oriental del grupo de las Cícladas, en el mar Egeo (Grecia).

Perteneció al comerciante de antiguedades y coleccionista griego Ioannis Paleologos.

Hasta que la Cabeza de Mármol de las Cícladas fue comprada por el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, situado en la ciudad de Atenas (Grecia).

Cabe enfatizar que no consta la fecha exacta de la compra, pero se sitúa en las últimas décadas del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).

Cabeza de Mármol de las Cícladas

Descripción

Tiene una altura de 28 cm. Está fabricada en mármol de Paros.

Se trata de parte de una escultura que representa una cabeza femenina estilizada.

Tanto las orejas, la nariz y la boca han sido reflejas mediante relieve, mientras que en policromía negra se han representado los ojos. Además se puede apreciar como debajo de cada ojo hay cuatro líneas verticales rojas.

Algunos investigadores creen que las líneas verticales rojas se pueden interpretar como "clavos" de los que brota sangre en el rostro de un doliente (que padece dolor físico o moral).

Con respecto a la composición destacar que la representación en relieve de los rasgos faciales, en particular de la boca, era bastante rara en las esculturas pertenecientes al período proto-cicládico II.

Ademas resaltar que durante los trabajos de restauración se encontraron restos de sulfuro de mercurio-cinabrio en las líneas verticales de color rojo.

Para finalizar subrayar que originalmente se piensa que la Cabeza de Mármol de las Cícladas habría pertenecido a una escultura de cuerpo completo femenina, de la que tan solo se conserva la cabeza (separada del cuerpo) que no ha sido encontrado.

Cabe resaltar que en función de las dimensiones de la cabeza se cree que la escultura original, a tamaño natural, podría haber tenido alrededor de 1,50 metros de altura.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Figura de un Guerrero

La Figura de un Guerrero es una escultura datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Figura de un Guerrero

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de G. R. Schimidt, localizada en la ciudad de Lima, en Peru.

En el año 1.929 d.C. la Figura de un Guerro fue adquirida por la galería de arte "Brummer Gallery", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Después, en el año 1.948 d.C., la escultura pasó a ser propiedad del marchante de arte parsi-estadounidense Nasli Heeramaneck y de Alice Heeramaneck, dónde pasó a formar parte de la colección de arte "Nasli and Alice Heeramaneck Collection". 

Figura de un Guerrero

El 17 de mayo del año 1.994 d.C. la escultura fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York.

Siendo comprada por un coleccionista privado afincado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.020 d.C. la Figura de un Guerrero fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Figura de un Guerrero

Descripción

Tiene una altura de 5,4 cm, una anchura de 3,2 cm y una profundidad de 2,5 cm. Está fabricada en turquesa, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa la figura de un guerrero de pie con una cabeza grande en proporción con el cuerpo, puesto que en escala la cabeza es más de la mitad del tamaño de la figura.

Destaca como los rasgos se encuentran cuidadosamente tallados, además lleva orejeras circulares y un tocado con un elemento circular elevado situado en el lado derecho.

Aparte se aprecia como el tocado se abrocha debajo del mentón y se extiende por la espalda. Se observa como tanto los pies como la mano izquierda se encuentran indicados mediante incisiones.

Figura de un Guerrero

También resaltar que los investigadores consideran que probablemente los dos huecos circulares tallados originalmente podrían haber tenido accesorios o incrustaciones.

Concretamente el hueco ubicado en el brazo derecho podría haber servido para insertar un garrote o un escudo de guerra en la actualidad perdido.

Mientras que el hueco situado sobre la frente podría haber tenido una incrustación, ahora también perdida.

Se encuentra ataviado con un taparrabos de forma triangular que ha sido indicado mediante finas incisiones lineales.

Con respecto a la funcionalidad se piensa que la escultura podría haber sido una figura votiva y originalmente habría sido depositada como una ofrenda.

Para finalizar subrayar que el tocado de la figura muestras similitudes con los tocados utilizados por los guerreros moches, por lo tanto la escultura también representa la influencia que tuvo el arte moche en el arte wari. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Pichhwai para el Festival de las Vacas

El Pichhwai para el Festival de las Vacas es un pichhwai datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte indio.

Pichhwai para el Festival de las Vacas

Pichhwai para el Festival de las Vacas
(detalle)

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección del coleccionista de arte, marchante, autor y crítico alemán Wilhelm Uhde.

En el año 1.986 d.C. fue comprado por el marchante arte islámico e indio de Londres Simon Ray.

Hasta que en el año 2.003 d.C. el Pichhwai para el Festival de las Vacas fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 248 cm y una anchura de 262 cm. Está tejida en pan de oro y plata pintado e impreso y acuarela opaca sobre algodón teñido de índigo.

Se trata de un pichhwai, es decir, un gran cuadrado hindú devocional que representa a Krishna (uno de los más importantes héroes de la dinastía Yadu y considerado una encarnación del dios Vishnu). 

También cabe resaltar que literalmente que pichhwai significa "lo que cuelga de la espalda".

En el centro se encuentra representados animales (vacas y toros) de diferentes tamaños, en diferentes posturas y con collares alrededor del cuello, aparte están representados sobre un fondo oscuro con pequeñas hojas doradas.

También se puede observar como hay representados pequeñas figuras masculinas entre los animales, en posición de pie y con las manos juntas delante del pecho en pose de oración.

Toda la escena se encuentra enmarcada por arriba y por abajo por dos bandas, una banda horizontal más pequeña decorada con motivos geométricos y otra banda horizontal más grande ornamentada con figuras de animales y decoración geométrica.

Además se observa como tiene un borde exterior compuesto por dos bandas doradas con ornamentación vegetal que enmarca una banda central, más grande, también decorada con un patrón vegetal.

Con respecto a la composición destacar que el suelo de color índigo y el uso extensivo de oro y plata son típicos de los pichhwais que se hicieron para una comunidad de devotos de Shrinathji (una forma de Krishna que se manifiesta como un niño de siete años), que se mudaron a la meseta de Deccan, ubicada en el centro-sur del subcontinente indio, durante el sultanato del Decán.

Para finalizar subrayar que el Pichhwai para el Festival de las Vacas fue producido para el Gopashtami (también conocido como Festival de las Vacas), que se celebra a mediados de noviemte y en el que se rinde culto a las vacas y a los toros.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dama de la Corte Sentada

La Dama de la Corte Sentada, también conocido como 唐 三彩陶仕女俑, es una escultura datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte chino.

Dama de la Corte Sentada

En concreto fue elaborada durante la dinastía Tang (唐朝). una dinastía imperial que gobernó China desde el año 618 d.C. hasta el año 907 d.C..

Dama de la Corte Sentada

Dama de la Corte Sentada

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la galería de arte "J.J. Lally & Co.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.010 d.C. la Dama de la Corte Sentada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Dama de la Corte Sentada

Descripción

Tiene una altura de 37,5 cm, una anchura de 14,3 cm y un grosor de 15,4 cm. Está fabricada en loza vidriada.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer, una dama perteneciente a la corte de la dinastía Tang, en posición sedente.

En el rostro regordete destacan las cejas finas, los ojos rasgados, la nariz recta y los labios carnosos y pequeños.

Se puede apreciar como el cabello largo y negro se encuentra peinado en un simple recogido y atado por encima de la cabeza.

Resalta como la dama se encuentra ataviada con una túnica verde de manga ancha, sujeta con un obi (cinturón) o fajín naranja y zapatos blancos.

Dama de la Corte Sentada

Aparece representada en una pose relajada, con las manos juntas delante del pecho y sentada sobre un taburete con forma de reloj de arena

Cabe resaltar que originalmente el taburete habría estado fabricado con ratán (plantas de tallo muy delgado originario del sur de Asia).

También se puede observar como situado en el lado inferior derecho está representado un perro con pelaje blanco. 

Con respecto a la composición resalta la utilización de esmaltes brillantes y tonos claros.

Para finalizar subrayar que la escultura refleja un momento de ocio ocurrido en la corte imperial de la dinastía Tang (唐朝).

Además resaltar que la dinastía Tang (唐朝) se encuentra considerada como una época de gran reforma cultural y avance dentro de la historia china, dando como resultado una época próspera y cosmopolita en la que destacó el comercio e intercambio con los países extranjeros.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Diadema con Kinnaris

La Diadema con Kinnaris es una diadema datada aproximadamente entre los siglos IX d.C. y X d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte indio.

Diadema con Kinnaris

Diadema con Kinnaris

Se conoce que perteneció a la colección de arte "The Kronos Collections", propiedad del profesor y coleccionista de arte Evelyn Kranes Kossak, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.988 d.C. la Diadema con Kinnaris fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 11,8 cm y una anchura de 28,3 cm. Está fabricado en oro y granate.

Se trata de una diadema repujada formada por tres piezas, siendo las piezas laterales simétricas entre sí y unidas cada una a la pieza central de un tamaño mayor.

Además se pude observar como de cada pieza lateral cuelgan un total de cinco pequeños colgantes compuestos por tres pequeñas borlas y un pequeño disco, mientras que de la pieza central cuelgan un total de ocho colgantes formados por tres pequeñas borlas y un disco y un colgante, situado en el centro, compuesto por tres borlas y un adorno con forma de hoja.

La parte superior de las piezas están ornamentadas con un total de diecisiete protuberancias de diferentes tamaños y en uno de los extremos de las piezas laterales hay una pequeña argolla, posiblemente utilizadas para fijar o sujetar la diadema.

Con respecto a la ornamentación repujada destacar que consiste en la representación de cuatro kinnaris (uno en cada pieza lateral y dos en la pieza central), es decir, una criatura mitología que tienen la mitad de cuerpo de pájaro y la mitad de mujer.

También destacar que se puede apreciar como los kinnaris representados en la pieza central sostienen entre ellos un pequeño granate incrustado.

Aparte resaltar que en la mitología hindú y budista un kinnara estaba asociado con la música y el amor, teniendo la creencia que provienen del Himalaya y de que a menudo velan por el bienestar de los humanos en tiempos de peligro o problemas.

Para finalizar subrayar que la Diadema con Kinnaris es un raro ejemplo de joyería antigua perteneciente al arte indio. Además destacar que por el diseño se piensa que probablemente fue fabricada en la región de Cachemira, ubicada en la zona norte del subcontinente indio.

Puesto que los kinnaris representados son similares a los representado en el templo Avantisvamin, edificado en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), edificado en la localidad de Awantipora (también conocida como Avantipur), situada en el estado de Jammy y Cachemira (India).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarrón en Forma de Pierna

El Jarrón en Forma de Pierna es un jarrón datado aproximadamente entre los años 1.438 d.C. y 1.533 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Jarrón en Forma de Pierna

Jarrón en Forma de Pierna

Jarrón en Forma de Pierna

Cabe destacar que aunque su origen es desconocido, los investigadores consideran que pudo haber sido hallado en la costa norte de Perú.

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte de la coleccionista británica Mrs. E. H. S. Spottiswoode.

Hasta que en el año 1.947 d.C. el Jarrón en Forma de Pierna fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Jarrón en Forma de Pierna

Descripción

Tiene una altura de 22,80 cm, una anchura de 6,6 cm y una profundidad de 11,80 cm. 

Está fabricado en cerámica, mediante la técnica de moldeado.

Se trata de un jarrón de cerámica en forma de pierna y pie con una sandalia plana con tiras.

Además se puede apreciar como la parte superior del jarrón llega justo por encima de la rodilla de la pierna y presenta un pequeño reborde.

Para finalizar subrayar que el Jarrón en Forma de Pierna fue expuesto desde el 11 de noviembre del año 2.021 d.C. hasta el 20 de febrero del año 2.022 d.C. en la exposición "Peru: a journey in time", ocurrida en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Kuduo

El Kuduo es un recipiente datado entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Kuduo

Lo primero que se conoce es que fue elaborado por el pueblo akan (akanes), cuyos habitantes viven en el sur de Ghana, en el este de Costa de Marfil, Liberia y partes de Togo.

Después pasó a ser propiedad del Dr. y la Sra. Jeffrey S. Hammer, afincados en la ciudad de Chicago, situada en el estado de Illinois (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.981 d.C. el Kuduo fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en memoria del Dr. Milton Gross.

Descripción

Tiene una altura de 17,5 cm y un diámetro de 14 cm. Está fabricado en latón.

Se trata de un recipiente, un Kuduo, con forma de vasija compuesto por un pie esanchado decorado con dos bandas líneales horizontales, un cuerpo, tres asas (dos en el cuerpo y una en la tapa) y una tapa.

El cuerpo está ornamentado mediante bandas repetitivas ornamentadas con diferentes patrones geométricos que han sido incisos en la superficie, también se observa como tiene en ambos laterales dos pequeñas argollas que funciona como asas.

En la parte superior exterior de la tapa tiene un asa elegantemente ensanchada y un mecanismo de pestillo que refleja el valor de los materiales que han sido guardados en su interior, haciendo referencia a la función simbólica del Kuduo usado para mantener seguro la "kra" (alma) del dueño.

Cabe resaltar que los investigadores piensan que el Kuduo podría haber sido posesión de un rey o un cortesano perteneciente al reino Akan. Originalmente en su interior había habido polvo de oro y pepitas de oro, al igual que otros artículos de valor e importancia personal para su dueño. 

Puesto que tenía la finalidad de servir como receptáculo para el "kra" (alma) de su dueño. También era un objeto utilizado durante las ceremonias celebradas para honrar y proteger a su dueño, ya que en el momento de su muerte, el Kuduo era llenado de oro y otras ofrendas que eran incluidas en el conjunto de artículos dejados en el lugar del entierro.

Con respecto a la composición destacar que la forma elaborada y la iconografía que se pueden apreciar en el Kuduo revelan la amplia gama de tradiciones estéticas de las que se inspiró el artista akan para fabricarlo.

Aparte se conoce que los bienes de Europa y el norte de África que eran recibidos a cambio de oro, textiles y esclavos, podían haber inspirado en parte el diseño de éste recipiente, es más se piensa que las bandas repetitivas de patrones geométricos pueden reflejar influencias islámicas.

Para finalizar subrayar que debido a las características y similitudes en el estilo se considera que el mismo artista akan podría haber realizado dos recipientes parecidos siendo éstos el Kuduo y el Kuduo Akan.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Punta de Flecha Fenicia

La Punta de Flecha Fenicia es una punta de flecha datada aproximadamente en el siglo XI a.C. (período comprendido entre los años 1.100 a.C. y 1.001 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Punta de Flecha Fenicia

Cabe destacar que algunos investigadores piensan que pudo haber sido hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el Líbano.

Lo primero que se conoce es que se encontraba en posesión del coleccionista libanés Michel Baida.

Hasta que en el año 1.989 d.C. la Punta de Flecha Fenicia fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Punta de Flecha Fenicia

Descripción

Tiene una longitud de 8,30 cm y una anchura de 1,90 cm. 

Punta de Flecha Fenicia

Está fabricada en aleación de bronce.

Se trata de una punta de flecha, es decir, un elemento afilado que originalmente estaba colocado en la parte anterior de una flecha.

Cabe destacar que la punta de flecha aumenta el peso de la flecha y adelanta el centro de gravedad, ésto otorga a la flecha más estabilidad en vuelo lo que también conlleve a que el alcance de la flecha sea mayor y tenga una mayor precisión.

Para finalizar subrayar que se puede apreciar como tanto el anverso como el reverso de la punta de flecha se encuentran grabadas con una inscripción en idioma fenicio.

Siendo una traducción aproximada de la inscripción la siguiente:

"Punta de flecha de Yishba,

Hombre de Abd-Yihnad"

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.