Flores de Amapola

Flores de Amapola es una pintura datada en el año 1.887 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Flores de Amapola

Fue pintada por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

Cabe destacar que la pintura tiene un valor estimado de 55 millones de dólares estadounidense.

Además resaltar que la pintura fue robada en dos ocasiones del Museo Mohamed Mahmoud Kahlil, localizado en la ciudad de El Cairo (Egipto).

El primer robo ocurrió el 4 de junio del año 1.977 d.C. siendo recuperada diez años después, en el año 1.987 d.C., en Kuwait.

El segundo robo ocurrió el 23 de agosto del año 2.010 d.C. y actualmente no ha sido encontrada.

Aunque las autoridades egipcias creyeron erróneamente haber recuperado la pintura tan solo unas hora después del robo, cuando dos sospechosos italianos intentaron abordar un avión con destino a Italia en el Aeropuerto Internacional de El Cairo (Egipto).

Descripción

Tiene una altura de 65 cm y una anchura de 54 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que presenta a un jarrón con cuerpo globular que tiene amapolas amarillas y rojas, junto con amapoles amarillas dispuestas en la parte inferior al lado de la base del jarrón, que contrastan sobre un fondo oscuro de tonos marrones.

Aparte resaltar que la pintura Flores de Amapola es considerada de gran importancia, puesto que está considerada un punto de inflexión en el estilo artístico del pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

El artista ha utilizado una paleta cromática más luminosa y técnicas más expresivas, influenciado por el fácil acceso a las flores de la ciudad de París (Francia) y sobretodo a la admiración por las obras del artista por el pintor francés Adolphe Joseph Thomas Monticelli (también conocido como Adolphe Monticelli).

Es más los investigadores piensan que la composición con el jarrón de amapolas es representativa del interés del autor por la naturaleza y los objetos de la vida cotidiana a los que infundía su propia emoción y visión única. 

Asimismo destacar que el contraste de colores y el estilo de la obra transmiten la energía y la intensidad emocional características del pintor.

Para finalizar subrayar que cuando ocurrió el segundo robo el 23 de agosto del año 2.010 d.C. se declaró el estado de emergencia en todos los cruces fronterizos y aeropuertos de Egipto.

El ministro de Cultura, Farouk Hosny, informó a los periodistas en una rueda de prensa celebrada tras el anuncio del robo.

Varios funcionarios, incluidos algunos de alto rango, fueron detenidos en relación con la desaparición de la pintura Flores de Amapola.

Entre ellos se encontraban el Primer Subsecretario del Ministerio de Cultura y Jefe del Sector de Bellas Artes egipcio Mohamed Mohsen Abdel Qader Shaalan y otros cuatro funcionarios, quienes permanecieron detenidos durante cuatro días a la espera de una investigación.

Él y otros diez fueron posteriormente condenados a tres años de prisión con trabajos forzados y a una fianza de 10.000 libras egipcias en suspensión de la pena, tras ser acusados ​​de malversación de fondos públicos y negligencia, lo que condujo al robo de la pintura Flores de Amapola del Museo Mahmoud Khalil de El Cairo (Egipto).

Es más enfatizar que el multimillonario egipcio, magnate de las telecomunicaciones y coleccionista de arte Naguib Sawiris ofreció una recompensa de 175.000 dólares (1.000.000) de libras egipcias por información que conduzca a la devolución de la pintura.

Actualmente se desconoce su paradero.

La Ronda de los Presos

La Ronda de los Presos, también conocida como Prisioneros Haciendo Ejercicio, El Patio de la Prisión o La Ronda de los Prisioneros, es una pintura datada en febrero del año 1.890 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

La Ronda de los Presos

Fue pintado por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh), desde un hospital psiquiátrico ubicado en la ciudad de Saint-Rémy-de-Provence (Francia).

En julio del año 1.890 d.C., a la muerte del artista, La Ronda de los Presos fue una de las obras expuestas alrededor de su ataúd antes de su funeral.

Posteriormente la pintura pasó a ser propiedad de su hermano el marchante de arte neerlandés Theo van Gogh.

En el año 1.891 d.C., por herencia, pasó a formar parte de la colección de arte de su esposa la coleccionista y traductora neerlandesa Johanna van Gogh-Bonger.

En un momento posterior fue adquirido por el noble francés y tercer príncipe de Wagram Louis Philippe Marie Alexandre Berthier (también conocido como Alexandre Berthier).

Después pasó a formar parte de la colección de arte del hombre de negocios ruso y coleccionista de arte Ivan Abramovich Morozov.

En el año 1.909 d.C. su colección fue nacionalizada por el gobierno soviético y pasó a formar parte del Museo Estatal de Nuevo Arte Occidental de Moscú (Rusia).

Hasta que en el año 1.948 d.C. La Ronda de los Presos fue trasladada al Museo Pushkin, localizado en la ciudad de Moscú (Rusia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 80 cm y una anchura de 64 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el pozo de un pequeño y estrecho patio de prisión claustrofóbico, rodeado de muros de ladrillo con algunas pequeñas ventanas arqueadas en lo alto y dónde los prisioneros caminan desolados en círculo antes los detectives o policías.

Llama la atención como la figura central situada en un primer plano es la más individualizada, a diferencia de la figura de los demás prisioneros, cuyos rostros se encuentran representados con apenas unas pinceladas, con gorras, las manos en los bolsillos o detrás de la espalda.

Ésta figura es el único prisionero sin gorra, con los brazos que le caen inerte al lado del cuerpo, con la cabeza girada mirando hacia el espectador, es más incluso algunos investigadores han identificado a éste prisionero con los rasgos propios del autor.

Además se observa como en el patio rectangular la pared del fondo es más estrecha que el resto, creando la impresión de que las paredes se comprimen en un círculo humano.

Aparte se puede apreciar como cerca del muro central, en la parte superior derecha, hay representadas dos pequeñas mariposas blancas volando hacia arriba.

Con respecto a la composición resaltar que la pintura ha sido pintada en tonos azules y verdes. Con los colores pálidos en la parte superior, que se transforman en intensos, oscuros y fríos en la parte inferior.

Cabe destacar cómo las losas del suelo y los ladrillos de las paredes se han pintado utilizando trazos multidireccionales.

Para finalizar subrayar que la pintura La Ronda de los Presos simboliza la vida, que según el artista, se asemeja a un círculo vicioso y evoca el propio aislamiento psicológico del artista.

Igualmente se puede apreciar como la pintura transmite la angustia del confinamiento y la desesperanza del autor mientras estaba en el hospital psiquiátrico.

También enfatizar que la pintura está basada en el grabado, realizado en el año 1.872 d.C., "The Exercise Yard (le bagne) in Newgate Prison" del artista, pintor, escultor e ilustrador francés Paul Gustave Doré, publicado en el libro "London: A Pilgrimage".

Asimismo la escena también evoca el poema del escritor, poeta y dramaturgo irlandés Oscar Fingal O'Flahertie Wills Wilde (también conocido como Oscar Wilde) "The Ballad of Reading Gaol", que incluye los versos:

"Caminé, con otras almas en pena

dentro de otro círculo

y me preguntaba si el hombre había hecho

algo grande o pequeño"

La balada expone el interminable recorrido circular de los prisioneros y lo atrapados que se encuentran en prisión.

Actualmente se encuentra en el Museo Pushkin, Rusia. 

Nsodie de una Reina Madre

La Nsodie de una Reina Madre es una escultura aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano, en concreto al arte akan.

Nsodie de una Reina Madre

Nsodie de una Reina Madre

Se conoce que la escultura fue escupida por un artista akan (artistas perteneciente al pueblo Akan de Ghana y Costa de Marfil).

En el año 1.980 d.C. la escultura formaba parte de la colección de la galería de arte "Pace Primitive and Ancient Art", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.984 d.C. la escultura fue adquirida por la coleccionista de arte y filántropa Evelyn Kranes Kossak.

Hasta que en el año 2.015 d.C. Nsodie de una Reina Madre fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Nsodie de una Reina Madre

Descripción

Tiene una altura de 19,7 cm, una anchura de 15,2 cm y un diámetro de 17,8 cm. Está esculpida en terracota.

Se trata de una escultura que representa una cabeza conmemorativa, siendo un retrato conmemorativo (nsodie), de una gobernante akan del actual sur de Ghana.

Llama la atención como es una representación idealizada cuya expresión serena y rasgos equilibrados sugieren las cualidades positivas que se espera que éstos gobernantes encarnen.

El peinado está compuesto por múltiples rasgaduras, dónde cada mechón de cabello se ha aprovechado como una oportunidad para la exploración formal abstracta.

En el rostro llaman la atención como los rasgos se definen simétricamente a ambos lados de la cresta recta de la nariz, rematados por fosas nasales ligeramente ensanchadas.

Además las cejas estriadas y levantadas interrumpen una frente lisa y se arquean sobre los ojos cerrados, que han sido definidos mediante una hendidura central que marca cada párpado.

La boca con los labios finos se extiende en una pequeña sonrisa que anima el rostro y contribuye a su sensación general de serenidad.

Aparte se observan filas de cinco cicatrices verticales que adornan cada sien. Por otro lado las orejas semicirculares se extienden a ambos lados del rostro.

Con respecto a la composición destaca como la escultura ofrece un estudio de los contrastes entre la refinada simplicidad del rostro reflexivo y la exquisita elaboración del peinado altamente personalizado.

Para finalizar subrayar que éste tipo de esculturas han sido creadas póstumamente, se conoce que imágenes reales como ésta se colocaban junto a los retratos de gobernantes anteriores en áreas sagradas del cementerio, conocidas como asensie.

Generalmente éste tipo de retratos reales iban acompañados de esculturas de cortesanos y sirvientes, quizás con la finalidad de brindar ayuda y consuelo a los difuntos en el más allá.

También es sabido que en ciertas épocas del año, los asensie (áreas sagradas del cementerio) eran el centro de oraciones, libaciones y otras ofrendas que aseguraban el apoyo y la protección continuos de los antepasados.

Es más es conocido que las esculturas asociadas a ésta tradición, que data al menos del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), se produjeron en una amplia variedad de estilos regionales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sarcófago Paleocristiano de Córdoba

El Sarcófago Paleocristiano de Córdoba es un sarcófago datado aproximadamente entre los años 330 d.C. y 335 d.C., perteneciente arte paleocristiano.

Sarcófago Paleocristiano de Córdoba

Fue hallado el 30 de enero del año 1.962 d.C. de manera accidental.

Mientras se realizaban los cimientos para nuevas viviendas en una zona de expansión urbana.

Se encontró a una profundidad de tres metros en la finca conocida como "Santa Rosa", a orillas del cruce de la avenida Cruz de Juárez con la calle Almendro en la ciudad de Córdoba, localizada en la provincia de Córdoba, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Poco después de su descubrimiento el Sarcófago Paleocristiano de Córdoba pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba (España).

Sarcófago Paleocristiano de Córdoba

Descripción

El grosor medio de las paredes es de 11 cm.

Mientras que tiene una longitud de 2,16 m, una anchura de 78 cm, una altura de 64 cm y una profundidad de 51 cm. 

Se trata de un sarcófago columnado de mármol banco con el frente principal totalmente ornamentado con escenas bíblicas, mientras que tres los lados restantes son lisos.

La ornamentación consta de cinco grupos de escenas separadas entre sí por columnas estriadas en espiral, siendo las columnas de los extremos exentas y las otras adosadas.

Los capiteles son de orden compuesto y han sido cuidadosamente labrados. Aparte descansan alternativamente arcos escarzanos (tipo de arco rebajado simétrico que consiste en un sector circular que tiene su centro por debajo de la línea de impostas) muy bajos y frontones a dos vertientes rectas.

Sarcófago Paleocristiano de Córdoba

Los cinco temas bíblicos representados en relieve de izquierda a derecha son los siguientes:

- 1) En la primera escena está representado el Sacrifico de Isaac. Isaac aparece representado arrodillado y maniatado dispuesto a la muerte. 

De pie en el centro está la figura de Abraham con un gran cuchillo (falta la hoja) alzado en la mano derecha y la mano izquierda sobre la cabeza de la víctima.

Ambos se encuentran ataviados con la exomis del menestral, ceñida a la cadera y sujeta al hombro izquierdo dejando libro el movimiento del brazo derecho. 

Se aprecia como Isaac va descalzo, mientras que Abraham lleva borcegos altos (calzados asociados con los pastores).

Detrás de ambos hay representada una figura ataviada con una túnica o toga que sujeta el antebrazo izquierdo de Abraham.

También en el lado derecho hay representado sobre una roca el cordero (que va a sustituir con su muerte la preparada para Isaac) y en la parte superior derecha hay representada las manos de Dios, cerca del rostro de Abraham exhortándole a que baje el cuchillo.

- 2) La segunda escena representa la escena de Cristo prediciendo a Pedro sus tres negaciones. A ambos lados de un árbol hay dos personajes en pie y togados, calzando sandalias.

La figura situado en el lado derecho tiene en su mano izquierdo un rollo abierto, mientras con la mano derecha toca con los dedos índice y corazón las patas del ave (gallo) que se posa en el árbol.

La figura situada en el lado izquierdo se encuentra girada hacia el árbol, con la mano izquierda sosteniendo un rollo, palo o bastón grueso, mientras que la mano derecha está alzada.

- 3) La tercera escena es el Milagro de los Panes y los Peces. Cristo está representado en el centro, poniendo sus manos sobre la cesta de pan que tiene el Apóstol de la derecha y sobre el pez que presenta el Apóstol representado en el lado izquierdo.

Se observa como a ambos lados y a sus pies, hay pares de canastas llenas de panes representando como el milagro está en curso de completarse. 

Las tres figuras se encuentran ataviadas con túnicas cortas y sobre ellas llevan togas. Aparte se aprecia como los tres calzan sandalias.

- 4) La escena representada en el cuarto nicho presenta la escena de Adán y Eva tras el pecado. Ambos están representados totalmente desnudos, cubriéndose su cuerpo pudorosamente con grandes hojas.

En el medio de ambos hay un árbol cuyo tronco envuelve con sus anillos a una serpiente. También llama la atención como Eva alza la mano derecha como invitando a Adán a seguir probando la manzana, quién hace un gesto de repulsa con su mano derecha.

- 5) La quinta escena representada es el Milagro de Moisés. Moisés aparece representado en el centro del grupo, envuelto en una toga y con sandalias en los pies.

Con la mano izquierda sostiene un rollo con las escrituras, mientras que la mano derecha sostiene una vara (desprendida) de la que queda la adherencia en la parte alta del manantial. 

Está representado el momento en el que con la vara toca en la peña del monte Horeb, de la que el agua brota abundante, en forma de cascada.

También se observa como se precipitan al agua la figura en un tamaño menor de dos israelitas, ataviados con túnicas de mangas largas y gorros cilíndricos.

En cuanto al estado de conservación resaltar en general está en buen estado de conservación, salvo porque el sarcófago presenta mutilaciones en las figuras grandes, todas se encuentran decapitadas a cercén, salvo por dos: las figuras que representan a Adán y Eva que tan sólo se les ha mutilado el rostro.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que en el Sarcófago Paleocristiano de Córdoba, aunque saqueado y mutilado en la antigüedad, fue hallado en su lugar original, adosado a una pared de sillares de caliza cuyos restos estaban a un palmo del lado posterior del sarcófago.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba, España.

Impresión, Sol Naciente

Impresión, Sol Naciente, también conocido como Impressio, Soleil Levant, es una pintura datada el 13 de noviembre del año 1.872 d.C., perteneciente al impresionismo.

Impresión, Sol Naciente

Fue pintada por el pintor francés Claude Monet, en una única sesión, una mañana temprano durante una estancia en la ciudad de Le Havre (Francia), con su esposa e hijo.

La pintura fue expuesta en la primera exposición de la "Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs et Graveurs" (Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores).

Celebrada del 15 de abril al 15 de mayo del año 1.874 d.C. en el antiguo estudio del fotógrafo Nadar, en el número 35 del Bolevard des Capucines de la ciudad de París (Francia).

Al finalizar la exposición, en mayo del año 1.874 d.C., la pintura fue adquirida por un precio de 800 francos por el coleccionista de arte, crítico y empresario francés Ernest Hoschedé.

Cabe destacar que cuando Ernest Hoschedé cayó en bancarrota, su colección de arte se dispersó en una subasta judicial, lo que confirmó el desinterés del Estado Francés y de los comerciantes por las obras impresionistas, ya que los pocos coleccionistas interesados adquirieron varias obras maestra a precios irrisorios.

En el año 1.878 d.C. Impresión, Sol Naciente fue comprada, por un precio de 210 francos, por el coleccionista de arte, médico y homeópata rumano Georges de Bellio.

En el año 1.894 d.C., por herencia, pasó a ser propiedad del coleccionista Ernest Donop de Monchy, su yerno y esposo de su hija Victorine Donop de Monchy.

En el año 1.938 d.C. la pintura fue depositada en el Museo Marmottan Monet de la ciudad de París (Francia), inicialmente como préstamo temporal y posteriormente, en el año 1.957 d.C., de forma definitiva.

Cabe resaltar que la pintura fue robada del museo en el año 1.985 d.C., siendo recuperada en diciembre del año 1.990 d.C. en la localidad de Porto Vecchio (Francia) de un delincuente corso que había intentado vendérsela al coleccionista japonés Fujikuma Shinichi.

Desde el año 1.991 d.C. la pintura Impresión, Sol Naciente ha vuelto a ser expuesta en el Museo Marmottan Monet de la ciudad de París (Francia), dónde se encuentra actualmente.

Impresión, Sol Naciente

Descripción 

Tiene una altura de 48 cm y una anchura de 63 cm. Mientras que con el marco tiene una altura de 75 cm, una anchura de 91 cm y un grosor de 10 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el amanecer sobre el puerto industrial de Le Havre (Francia). Representado en un primer plano, sobre un mar azul verdoso, la silueta de una figura remando en un pequeño bote, más lejos una segunda figura, indistinta, que contribuye al efecto de profundidad.

Además resalta como el único color cálido de la obra es el naranja rojizo del sol y sus reflejos en el agua del mar.

Al fondo, envuelto en una neblina gris azulada, el puerto de la ciudad de Le Havre (Francia) se encuentra sumergido, con líneas de fuga que crean un juego de verticales que sugieren los mástiles de altos veleros atracados, las grúas en los muelles y las chimeneas de las fábricas, indicando un ligero viento del noroeste.

La marea está alta, ya que los mástiles de los grandes barcos son visibles, y se conoce que éstos buques solo pueden acceder al puerto durante éste período.

Con respecto a la composición resaltar que se caracteriza por la horizontalidad del paisaje representado y la división de la imagen en tercios según el esquema de perspectiva japonés: el tercio superior está compuesto por trazos horizontales dedicados al cielo y los dos tercios inferiores al puerto, bañado por una neblina azulada y el mar.

Sin embargo, todo se encuentra esbozado para capturar este fugaz instante antes de que la cegadora luz del día congele el paisaje, ya que las pinceladas sueltas y dinámicas, junto con el enfoque logran capturar la atmósfera y la luz en un momento específico del día.

También llama la atención como las siluetas de los barcos apenas sobresalen del resto de la pintura, bañada por la atmósfera brumosa del gran puerto.

Solo el disco plano y naranja del sol naciente resalta sobre sus tonos fríos. Esto sitúa la obra al borde de la abstracción, de no ser por el sol y el barco, así como por el título, que son los que guían al espectador para poder descifrar la escena que están contemplando.

El sol parece ser el punto más brillante del lienzo, pero al medir su luminancia con un fotómetro se observa que el pintor le dio el mismo brillo que el cielo circundante.

Aparte resaltar que la pintura es uno de los temas favoritos del pintor francés Claude Monet: un puerto, símbolo de la Revolución Industrial del siglo XIX d.C. y el desarrollo económico de Francia, que reflejan el espíritu de una época marcada por la modernidad, el progreso industrial y los cambios en la percepción artística.

En la parte inferior derecha se puede leer la firma del autor y el año en el que la pintura fue pintada.

"Claude Monet. 72"

Para finalizar subrayar que el título de la pintura Impresión, Sol Naciente, fue dado con motivo de la primera exposición impresionista ocurrida en abril del año 1.874 d.C. en París (Francia) y dió nombre al movimiento impresionista.

Es más no sólo marcó el inicio del movimiento impresionista, sino que además revolucionó la forma en que se entiende y se experimenta el arte, a través del uso innovador de la composición, el color, el espacio y la luz.

Actualmente se encuentra en el Museo Marmottan Monet, Francia.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal es una pintura datada aproximadamente en el año 1.635 d.C., perteneciente al arte barroco.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal

Fue pintada por el pintor español Francisco de Zurbarán.

Los investigadores piensan que la pintura pudo haber sido comprada en la ciudad de Sevilla (España) por el rey de España Carlos IV (también conocido como "el Cazador").

Lo primero que se conoce con seguridad es que la pintura pasó a formar parte de la colección real durante el reinado del rey de España Fernando VII (también conocido como "el Deseado" y "el rey Felón").

Entre los años 1.814 d.C. y 1.818 d.C. la pintura fue colocada en la Sala de la Chimenea en el trascuarto de la Reina, en el Palacio Real, localizado en la ciudad de Madrid (España).

En el año 1.854 d.C. la pintura Santa Isabel de Portugal pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Prado (también conocido como Museo Nacional del Prado), situado en la ciudad de Madrid (España).

Descripción 

Tiene una altura de 184 cm y una anchura de 98 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la reina consorte de Portugal Isabel de Portugal (también conocida como Isabel de Aragón y Sicilia), esposa del rey de Portugal y Algarve Dionisio I (también apodado "el Labrador").

Aparece representada en posición de pie, de perfil mirando hacia el lado izquierdo, con el rostro girado hacia el espectador y con sus manos sostiene su falda que está llena de flores en su regazo.

Se encuentra ataviada con un elegante vestido de tela gruesa y brillante que ha sido bordado con joyas. Lleva una basquiña de color castaño-violáceo sobre un zagalejo de color verde oscuro. 

También se aprecia como por encima lleva un vestido de tafetán azul verdoso, con las mangas desde el hombro hasta el codo abullonadas y desde la altura del codo hasta las muñecas las mangas son de color bermellón.

En la espalda lleva una fastuosa prenda de color amarillo-dorado que le cuelga por la espalda hasta la altura del suelo.

Aparte se observa como los codos, hombros y la cintura están marcados mediante cadenas y adornos con gemas.

Alrededor del cuello lleva un collar de perlas y el cabello oscuro está recogido en un elaborado peinado sujeto con cintas de perlas y una tiara.

En el rostro destacan las cejas fijas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, los pómulos rosados y el mentón redondeado.

Con respecto a la composición destacar que la mujer aparece representada sobre un fondo oscuro, en penumbra, que destaca su silueta.

De la vestimenta llama la atención el drapeado, ya que el artista ha usado el efecto de una tela muy plisada que refleja la luz.

Asimismo destacar el tratamiento de luz, puesto que toda la pintura se encuentra iluminada por una intensa luz que emerge del lado derecho destacando parte de su anatomía y la calidad de las telas con las que se ha confeccionado su vestimenta.

Como curiosidad enfatizar que las rosas que lleva la mujer en su regazo hacen referencia a la leyenda más importante de su vida. 

La reina era muy caritativa y solía repartir limosnas a los pobres, a pesar de que la prohibición de su marido, ya que la reina entregaba a la caridad gran parte de sus propios caudales.

Un día de invierno cuando el rey la sorprendió y quiso hallar el dinero oculto entre sus ropas, el dinero que llevaba entre sus ropas se había convertido milagrosamente en rosas.

Para finalizar subrayar que tanto la composición como la postura de la mujer y el tema representado se asemejan a la pintura Santa Casilda conservada en el Museo Thyssen Bornemisza (España) y pintada por el mismo artista, el pintor español Francisco de Zurbarán.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

Talla Devocional Anglosajona

La Talla Devocional Anglosajona es una talla datada aproximadamente entre los siglos X d.C. y XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.

Talla Devocional Anglosajona

Talla Devocional Anglosajona

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del Marquet de Vasselot, después pasó a ser propiedad de Martin-le-Roy, ambas colecciones localizadas en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.906 d.C. la talla fue adquirida por el marchante de arte francés Stanislas Baron, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.974 d.C. la Talla Devocional Anglosajona fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Descripción 

Tiene una altura de 93 mm y una anchura de 45 mm. Está elaborado en marfil de morsa, mediante las técnicas de incisión, tallado, grabado y pulido.

Se trata de una talla devocional tallada en relieve con una representación del Bautismo de Cristo. La talla representa al joven Cristo siendo bautizado por la figura barbuda de San Juan Bautista.

Se puede apreciar como el Santo aparece representado de pie en el río sagrado Jordán, representado por olas estilizadas. 

Sobretodo llama la atención como las vestimentas de San Juan Bautista abarcan toda su longitud, presentando una compleja disposición de ondulaciones y espirales, en contraste con el torso desnudo de Cristo.

Además destaca como ambas figuras (San Juan Bautista y Cristo) se encuentran aureoladas.

La talla de marfil ha sido cortada en el lado derecho y en la parte superior de un panel más grande. Aparte presenta tres orificios de fijación: dos en la parte inferior y otro en el centro.

Por lo que los investigadores piensan que originalmente la Talla Devocional Anglosajona podría haber sido parte de una placa montada sobre un cofre o montada en la cubierta de un libro.

La parte posterior no presenta decoración, pero tiene una inscripción moderna en tinta y ambas superficies (anverso y reverso) se encuentran muy pulidas.

Con respecto a la composición destacar como la figura de San Juan Bautista es casi la suma de prendas elaboradamente rizadas y con volantes, y su paso ligero y danzando confirma la impresión de movimiento que transmite el ondulante movimiento de los drapeados.

La figura estática y bien modelada de Cristo contrasta marcadamente con la de San Juan Bautista y sirve como recordatorio de en el período que fue tallado coexistió un estilo más severo y controlado con el deleite por los patrones inquietos, expresando un interés tanto por la forma como por la línea.

En cuanto al estado de conservación resaltar que en general se encuentra en buen estado, puesto que la talla fue sometida a una restauración el 9 de agosto del año 2.012 d.C..

Para finalizar subrayar que la carga espiritual del episodio representado, clave en la vida de Cristo, se refleja vívidamente en la figura de San Juan Bautista, cuyos ropajes ondeantes y movimiento urgente se fusionan con las inquietas olas del río para ofrecer un reconocimiento de Cristo como el Mesías.

Asimismo el estilo dramático y emotivo de la figura es característico de la talla de marfil y la pintura manuscrita sajonas tardías.

Aunque deriva claramente de los modelos continentales anteriores, refleja una sensibilidad distintivamente anglosajona por la textura decorativa y la estilización de la forma humana.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Brazaletes Chavín

Los Brazaletes Chavín son dos brazaletes datados aproximadamente entre los años 800 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chavín.

Brazaletes Chavín

Brazaletes Chavín

Cabe destacar que por sus características los investigadores piensan que los brazaletes pudieron haber sido hallados durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el sitio arqueológico Kuntur Wasi, ubicado en la provincia de San Pablo, localizada en el departamento de Cajamarca, en Perú.

Lo primero que se conoce es que en el año 2.003 d.C. los Brazaletes Chavín fueron donados al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Cada brazalete tiene una altura de 4,8 cm y un diámetro de 7 cm. Ambos están fabricados en oro.

Se trata de un par de brazaletes de dorados a juego que presentan rostros zoomorfos magistralmente equilibrados y grabados en relieve.

Llama la atención como el rasgo más dominante de la figura felina es una boca curvada hacia arriba y con colmillos que se extiende por la mitad inferior de la composición.

Se observa como dos caninos emergen de las comisuras de la boca y un diente central se encuentra superpuesto a una lengua redondeada que ancla el eje central.

También se aprecia como una nariz grande se sitúa justo encima, con las fosas nasales dilatadas y un amplio puente que la conecta con una ceja prominente en forma de "V".

La ceja que se extiende sobre ambos ojos cumple una doble función: al girarla 180 grados la mirada ascendente se transforma en una mirada descendiente.

Mientras que desde la perspectiva invertida, los rizos de la comisura de la ceja felina se transforman en las comisuras de la boca de una figura secundaria.

Además resalta como el rostro secundario se asemeja a la vista frontal del pico de un ave, puntiagudo en el centro y ampliamente abierto con una lengua extendida que refleja su contraparte felina.

El rostro felino-ave de los brazaletes está enmarcado por cartuchos a juego con incisivos y dos caninos prominentes y las puntas de los dientes dirigen la mirada hacia la periferia de la composición.

Con respecto a la composición destacar que hay un total de seis líneas paralelas con bandas que terminan en puntos repetitivos y angulares en el borde de las bandas.

Las líneas estilizadas evocan la sensación de plumas en el ala extendida de una figura aviar, complementando el rostro secundario, también aviar, de la imagen central.

Aunque los rostros de los brazaletes están representados en perspectiva frontal, al usarse, las bandas forman un círculo, creando una forma que corrige inconsistencias visuales y añade dimensión a una imagen que, de otro modo, sería bidimensional.

En cuanto a la utilización el diámetro de 7 cm de los brazaletes indica que probablemente se usaban alrededor de las muñecas. 

Al usarse como brazaletes, los adornos eran objetos en perpetuo movimiento y a medida que el portador realizaba un ritual, las piezas oscilaban entre las dos perspectivas.

Asimismo la bilateral garantizaban que la persona adornada y sus acompañantes experimentaran simultáneamente la imagen desde perspectivas opuestas.

Para finalizar subrayar que la transformación entre figuras aviares y felinas es un rasgo característico del arte chavín.

Es más se conoce que objetos de chapa martillada, como los Brazaletes Chavín, recurrían a la textura de las superficies repujadas para transmitir la imaginería estandarizada de una creciente tradición religiosa regional.

La visibilidad de la iconografía dependía de un delicado equilibrio entre la luz y la sombra. Aparte al aire libre, en las grandes plazas de los centros ceremoniales de la época, los adornos de oro reflejaban los potentes rayos del sol.

En los espacios interiores, la luz difusa profundizaba las sombras en las superficie del relieve, permitiendo que las imágenes grabadas se revelaran. 

La efímera luz de las antorchas podría haber animado los rostros de las figuras antropomorfas, lo que indica que los objetos de oro y sus superficies doradas se concibieron como un poderoso medio para comunicar ideologías religiosas innovadoras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vaso de Precipitados Cupinisque

El Vaso de Precipitados Cupinisque es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Vaso de Precipitados Cupinisque

Vaso de Precipitados Cupinisque

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de los coleccionistas de arte Conny y Frederick E. Landmann, ubicada en la ciudad de Hannover, en Alemania.

El 22 de noviembre del año 1.993 d.C. el recipiente fue subastado por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América) dentro del lote número 157, siendo adquirido por un coleccionista privado.

Siendo en ese mismo año, 1.993 d.C., cuando el Vaso de Precipitados Cupinisque fue donado, por un donante anónimo, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vaso de Precipitados Cupinisque

Descripción

Tiene una altura de 4,1 cm, una anchura de 2,9 cm y un diámetro de 4,1 cm. 

Está elaborado en dickita, mediante las técnicas de incisión, tallado, grabado y pulido.

Se trata de un pequeño vaso de precitados que ha sido tallado en un único bloque de dickita a la que se le ha dado la forma de un pie derecho.

Cabe destacar que los investigadores piensan que el artista cupinisque podría haber elegido la pieza de piedra en particular por sus vetas de color, puesto que sus manchas de colores rojos son similares a las manchas de sangre en una pierna cercenada.

Para finalizar subrayar que se conocen diversas vasijas para beber de diversas formas, incluyendo apéndices humanos, del antiguo Perú.

Es más se piensa que el Vaso de Precipitados Cupinisque es un vaso de piedra primitivo que podría haber formado parte de una larga tradición de comportamiento comensal.

Debido a que en las antiguas fiestas andinas beber era más importante que comer y brindar tenía una profunda importancia ritual.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

En el Tocador. Autorretrato

En el Tocador. Autorretrato, también conocida como Autorretrato: En el Tocador, En el Tocador o En el Baño, es una pintura datada en el año 1.909 d.C., perteneciente al impresionismo.

En el Tocador. Autorretrato

Fue pintada por la pintora rusa Zinaída Yevguénievna Serebriakova (también conocida como Zinída Serebriakova).

La pintura fue expuesta en la séptima exposición de la Unión de Artistas Rusos.

Ocurrida en el año 1.910 d.C. en la ciudad de San Petersburgo (Rusia).

Después de acabar la exposición la pintura En el Tocador. Autorretrato fue comprada por el empresario, mecenas, coleccionista y filántropo ruso Pável Mijáilovich Tretiakov.

Pasando así la pintura a formar parte de la colección de la galería de arte Galería Estatal Treiakov (también conocida como Galería Tretiakov), ubicada en la ciudad de Moscú (Rusia).

Descripción

Tiene una altura de 75 cm y una anchura de 65 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la artista reflejada en un espejo: el marco del espejo es visible y la vela con su candelabro en la esquina inferior izquierda se muestra dos veces, junto con su reflejo.

Destaca como la joven representada se mira en el espejo y se peina. Sobretodo llama la atención como su pose es relajada, el movimiento de sus brazos desnudos es grácil y está representada con un ligero giro de su esbelta figura.

En el rostro ovalado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, el mentón redondeado y los pómulos rosas, mientras que el cabello es largo y castaño.

Con respecto a la composición resaltar que aunque el motivo del espejo parece simple, la representación de una vela real y sus repeticiones aportan una cualidad única, original, intrincada e ingeniosa a la composición.

La paleta cromática es brillante y alegre. La mayor intensidad cromática se encuentra en primer plano: el tocador muestra: frascos de perfumes amarillo y verde, un alfiletero azul, una caja de cuentas pintadas y mucho más, todo ello se encuentra impregnado de color, jugando y brillando como joyas. 

Además tonos ligeramente suavizados en la misma paleta de colores se pueden encontrar en otras parte de la pintura. Se observa como al fondo hay una pared blanca, así como una mesa con una palangana y una jarra para lavar.

También resalta como los tonos cálidos utilizados en la figura femenina conectan los colores brillantes del primer plano con el fondo de tonos azules verdosos, utilizando la pintura blanca que refleja bien la luz.

El marco del espejo sirve como marco compositivo para el retrato y realza la profundidad espacial de la imagen que su color oscuro enfatiza la luminosidad de la paleta.

Cabe destacar que la artista terminó la pintura cuando vivía cerca del pueblo de Neskuchnoye, ubicado en la gobernación de Kursk (actualmente parte del óblast de Járkov, Ucrania).

Es más según la artista en el año 1.909 d.C. el invierno llegó temprano, todo a su alrededor estaba cubierto de nieve, pero la casa era cálida y acogedora, y ella comenzó a dibujarse en el espejo, mientras se entretenía representando todo tipo de pequeños detalles en el baño.

Se conoce que la pintura se realizó en varias sesiones, la artista pintó en múltiples capas, modelando cuidadosamente las formas y trabajando con precisión los detalles.

El rostro, las manos y el vestido están pintados con una superficie lisa, con solo unas pocas pinceladas texturizadas visibles. 

Es más resaltar que éste estilo pictórico permite enfatizar la profundidad y la riqueza del color, así como las sutiles transiciones entre los tonos.

Para finalizar como curiosidad destacar que la pintura En el Tocador. Autorretrato apareció en el año 2.009 d.C. como imagen en un sello postal ruso.

Aparte de que la pintura está considerada uno de las obras de arte más importantes realizadas por la pintora rusa Zinaída Yevguénievna Serebriakova.

Actualmente se encuentra en la Galería Estatal Tretiakov, Rusia.

Plato con Elefante Yacente Rodeado de Nubes

El Plato con Elefante Yacente Rodeado de Nubes es un plato datado aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte vietnamita.

Plato con Elefante Yacente Rodeado de Nubes

Plato con Elefante Yacente Rodeado de Nubes

Se conoce que fue elaborado en un taller ubicado en Vietnam.

Lo siguiente conocido es que perteneció a la colección de arte de la galería de arte "Kaikodo America Inc", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.998 d.C. el Plato con Elefante Yacente Rodeado de Nubes fue comprado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene un diámetro de 36,2 cm. Está elaborado con gres con decoración azul cobalto bajo cubierta.

Se trata de un plato, es decir, un recipiente con forma circular, casi plana, ligeramente cóncava en su centro y el borde extendido.

Llama la atención como el fondo (parte interior del plato) y tanto el labio exterior como exterior se encuentran totalmente ornamentados.

Sobretodo destaca como la superficie interior central está ornamentado con la figura de un elefante arrodillado rodeado de formaciones abstractas de nubes.

Aparte se puede apreciar como el labio plano también se encuentra ornamentado con el mismo patrón de nubes abstractas.

Así mismo se puede observar como la parte exterior del labio está ornamentado con un patrón de tres hojas dispuestas concéntricamente con un patrón geométrico ubicado en la hoja más pequeña, siendo el mismo patrón representado repetitivamente al alrededor de la parte exterior del labio.

Con respecto a la composición destacar que el sabor salado de la superficie del plato sugiere que el plato pudo haber sido recuperado de un naufragio.

Además resaltar que la técnica de fabricación, la forma del plato y la composición general del diseño se basan claramente en prototipos azules y blancos de la dinastía Ming (大明) (dinastía que gobernó China desde el año 1.368 d.C. hasta el año 1.644 d.C.), pero el diseño del elefante y los detalles secundarios son producto exclusivo de la sensibilidad artística vietnamita.

Para finalizar subrayar que el Plato con Elefante Yacente Rodeado de Nubes está incluido entre las doce mejores vajillas de porcelana azul y blanca vietnamitas tempranas conocidas.

Por lo tanto el plato constituye una importante adición a la pequeña pero selecta de colección de éste tipo de piezas del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Es más resaltar que el refinado y sofisticado dibujo, junto con el excelente control del azul cobalto bajo la cubierta distinguen al plato de la mayoría del grupo de porcelanas vietnamitas importantes de los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cabeza Conmemorativa Akan

La Cabeza Conmemorativa Akan es una escultura datada aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte africano.

Cabeza Conmemorativa Akan

Cabeza Conmemorativa Akan

En concreto se conoce que fue elaborado por un artista perteneciente al pueblo Akan (grupo étnico que habita principalmente en Ghana y partes de Costa de Marfil y Togo, en África Occidental).

Es más se conoce que el artista era oriundo del pueblo anyi (también conocido como pueblo agni, añi, any, aowin), perteneciente al grupo Akan, específicamente a los conocidos como pueblo Akan del oeste. 

Lo primero que se sabe es que la escultura formaba parte de la colección de arte de la "Galerie Ambre-Congo" (galería de arte tribal y primitivo fue fundada por Pierre Loos), ubicada en la ciudad de Bruselas (Bélgica).

En el año 2.001 d.C. la escultura fue adquirida por los coleccionista de arte Samuel y Gabrielle Lurie, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.018 d.C. la Cabeza Conmemorativa Akan fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cabeza Conmemorativa Akan

Cabeza Conmemorativa Akan

Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm. Está elaborado en terracota y engobe (postcocido).

Se trata de una escultura de terracota que representa una elegante cabeza, siendo un retrato conmemorativo (nsodie) de un gobernante akan del actual sur de Ghana.

Destaca como es una representación idealizada cuya expresión serena y rasgos armoniosos sugieren las cualidades positivas que se esperaban de dichos gobernantes.

Éste retrato se caracteriza por su rostro alargado, sus delicados rasgos y su expresión serena. Además se puede observar como tiene detalles distintivos: cicatrices que adornan las sienes y la frente, así como un peinado característico.

En cuanto a los rasgos faciales destacar que se definen simétricamente a ambos lados del puente nasal recto, rematado por fosas nasales ligeramente ensanchadas que parecen vibrar de vida.

Mientras que la línea de la nariz se divide en las cejas, que se arquean sobre unos ojos almendrados y abiertos. 

Se puede apreciar como tres hileras de cicatrices horizontales adornan cada sien y dos hileras de cicatrices horizontales sobre cada ojo habrían adornado la frente, aunque falta una hilera en el lado derecho, lo que indica que éstos elementos definitorios se añadían a la superficie modelada.

Cabe resaltar como las orejas semicirculares se definen hasta la parte posterior de la cabeza y a ambos lados del rostro.

Los rasgos faciales cuidadosamente definidos contrastan con la extrema sencillez del peinado, marcado únicamente por una línea de cabello que rodea la cabeza y un pequeño bulto en la coronilla.

También es conocido que éste tipo de esculturas conmemorativas eran creadas póstumamente, por lo que la Cabeza Conmemorativa Akan fue colocada junto a los retratos de gobernantes anteriores en un áreas sagradas dentro del cementerio, llamadas "asensie".

Aparte resaltar que generalmente, cada figura real estaba acompañada por esculturas de cortesanos y sirvientes, quizá con la finalidad de brindar ayuda y consuelo al difunto en el más allá.

Juntas, formaban conjuntos escultóricos que honraban y preservaban la memoria de estos respetados individuos y los linajes de jefes a los que pertenecieron.

Es más es conocido que durante ciertas épocas del año, el "asensie" era el centro de oraciones, libaciones y otras ofrendas que aseguraban el continuo apoyo y protección de los ancestros.

Para finalizar como curiosidad subrayar que en gran parte de África, la arcilla es un medio artístico asociado principalmente a las mujeres.

Los visitantes europeos documentaron en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.) una tradición akan de la escultura funeraria de tamaño natural elaborada por artistas femeninas.

Por lo que los investigadores consideran que aunque no se puede identificar a ciencia cierta a las creadoras de éste tipo de esculturas conmemorativas (de un tamaño menor), lo más probable es que por el material utilizado, las esculturas también fueran obras de artistas femeninas akan.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tekoteko

El Tekoteko es una escultura datada aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Tekoteko

Tekoteko
(detalles)

Lo primero que se conoce es que fue elaborado en Aotearoa (nombre maorí de Nueva Zelanda, que se traduce como "La Tierra de la Gran Nube Blanca"), ubicado en el suroeste del océano Pacífico.

También se sabe que perteneció a la colección del coleccionista de arte neozelandés y comerciante de manuscritos, bellas artes y artefactos etnográficos asociados con los pueblos de Oceanía Kenneth Athol Webster, ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Entre los años 1.994 d.C. y 2.022 d.C. la escultura formaba parte de la colección de arte de un coleccionista privado afincado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.022 d.C. el Tekoteko fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Tekoteko

Descripción

Tiene una altura de 109, 2 cm, una anchura de 9,2 cm y una profundidad de 11,4 cm. Está elaborado en madera y concha de pāua.

Se trata de un tekoteko, es decir, una escultura con dos figuras talladas (una encima de la otra) de forma humana (masculina y femenina), que destacan por su virtuosismo y maestría técnica.

El aspecto extraordinario de las dos figuras ancestrales talladas destacan por sus cuerpos expresivos y flexibles.

Sobretodo llama la atención la delgadez y la forma afilada de sus dedos y sus pies palmeados, similares a los de las aves, que confirman su descendencia directa de los primeros ancestros primordiales con forma de ave.

También resalta como sus distintivas marcas faciales y corporales grabadas (tā moko) indican su alto estatus y el linaje de jefatura.

Las figuras constituyen una poderosa referencia visual a los seres que evolucionaron durante la creación, cuando la noche sagrada (te po) fue atravesada por la primera luz de la creación (te ao marama), momento en que las fuerzas creativas del universo se encontraban en su máximo esplendor.

Con respecto a la composición resaltar que la poderosa creatividad se refleja en la unión de figuras masculinas y femeninas, cuya unión se celebraba y realzaba colocándolas en su lugar prominente en la cúspide de la casa o tienda ceremonial (pātaka), dónde podían ser vistas desde lejos.

La pátina negra de la madera de ésta talla es el resultado de su inmersión en paru (un barro negro especial impregnado de hierro), lo que ha contribuido a su conservación.

Aparte las incrustaciones de conchas colocadas en los ojos de cada figura, proporcionaban destellos centelleantes que contrastaban con el fondo oscuro de cada pieza escultórica, desafiando a quienes osaban acercarse a estos espacios ceremoniales, dominio sagrado de los jefes y centro de las comunidades tribales maoríes del siglo XVIII  (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

Para finalizar subrayar que el Tekoteko está considerada una escultura excepcional dentro de la figurativa maorí, es más enfatiza como la talla alude a la unión ancestral temprana entre lo masculino y lo femenino, expresada como una primera generación de seres ancestrales con forma de ave, que se yerguen desafiantes en su panel de espíritus guardianes protectores (kaitiaki) de la comunidad.

Asimismo se piensa que originalmente la escultura estaría colocada en lo alto del frontón de una casa o tienda ceremonial conocida como pātaka.

Además de que las dos figuras representadas en el Tekoteko representan los cimientos de la comunidad, una encarnación visible de poderosos principios genealógicos que garantizan la vitalidad continua del grupo trival (iwi, hapu) y el futuro de sus descendientes, un símbolo de su riqueza espiritual y autoridad política.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mujer con Gato

La Mujer con Gato es una pintura datada aproximadamente en el año 1.875 d.C., perteneciente al impresionismo.

Mujer con Gato

Fue pintada por el pintor francés Pierre-Auguste Renoir.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del magnate de los negocios, crítico y coleccionista de arte francés Ernest Hoschedé.

El 6 de junio del año 1.878 d.C. la pintura fue vendida en una subasta realizada en la ciudad de París (Francia), siendo adquirida por la aristocrática Gabrielle de Rasty (también conocida como Condesa de Rasty).

En el año 1.925 d.C. Mujer con Gato fue comprada por el marchante de arte francés Paul Rosenberg.

En el año 1.932 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista de arte Benjamin E. Levy.

Hasta que en el año 1.950 d.C. fue donada a la National Gallery of Art (Galería Nacional de Arte de Washington), en los Estados Unidos de América, pasando a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 56 cm y una anchura de 46,4 cm. Mientras que la pintura con marco presenta una altura de 85,1 cm, una anchura de 75,9 cm y un grosor de 7,6 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven ataviada de blanco, de medio cuerpo y sentada en un sillón acurrucando a un gato atigrado marrón y negro.

La pared del fondo es de color verde agua y el borde de una cortina amarilla con estampado floral bordea el margen derecho de la pintura.

Llama la atención como el cuerpo de la mujer se encuentra ligeramente girado hacia el lado izquierdo, mientras mira al gato con ojos oscuros.

En el rostro de la mujer destacan las cejas oscuras, los ojos almendrados entrecerrados, la nariz recta, los labios carnosos, las mejillas sonrosadas realzan su tez pálida y el mentón redondeado.

Aparte resalta como el cabello castaño claro está recogido en un moño alto que le dejan algunos mechones que le caen por la frente, la nuca y le enmarca el rostro.

Se puede apreciar como los brazos desnudos de la mujer envuelven al gato, que sostiene erguido contra su costado izquierdo, de modo que su cabeza descansa sobre su mejilla.

Con la mano derecha, en la que luce un anillo de esmeralda, sostiene la parte superior del cuerpo del gato, mientras que la parte inferior del cuerpo del gato se acurruca en el hueco del brazo izquierdo de la mujer, con sus patas extendidas y la cabeza echada hacia atrás.

También destaca como los tonos blancos y azules del vestido de manga corta de la mujer y el pañuelo que lleva al cuello contrastan con el suave rojo burdeos del sillón que se encuentra detrás de ella.

En el lado derecho, detrás de la mujer, unas pinceladas sueltas y vibrantes en rojo, naranja, verde, violeta y blanco que podrían ser la representación de un arreglo floral.

Con respecto a la composición destaca como la escena se encuentra pintada con pinceladas suaves que le confieren un aspecto delicado, puesto que se ha pintado con una atención meticulosa y precisa, con una gran atención al detalle en la calidad de la luz y en la creación de la forma.

Además resalta el uso de la policromía con la priorización de los colores vivos sobre los detalles, con la utilización de una gran cantidad de tonalidades vividas, aunque el bordado del fondo del cuadro no se puede distinguir un patrón detallado.

Para finalizar subrayar que se puede observar como situado en la parte de abajo, a la izquierda, la firma del autor: "Renoir". 

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, Estados Unidos de América.

Naturaleza Muerta con Metrónomo

La Naturaleza Muerta con Metrónomo, también conocida como Naturaleza Muerta con Mandola y Metrónomo, es una pintura en el año 1.909 d.C., perteneciente al cubismo.

Naturaleza Muerta con Metrónomo

Naturaleza Muerta con Metrónomo

Fue pintado por el pintor y escultor francés Georges Braque.

En el año 1.914 d.C. la pintura se encontraba en posesión del escritor, coleccionista y marchante de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler, formando parte de la colección de la galería de arte "Galerie Kahnweiler", ubicada en la ciudad de París (Francia).

El 13 de junio del año 1.921 d.C. fue vendida por un precio de 1.600 francos al coleccionista de arte y escultor estadounidense Oscar Miestchaninoff.

El 20 octubre del año 1.926 d.C. fue subastada en la ciudad de París (Francia), siendo comprada por un precio de 13.000 francos por el marchante de arte y galerista belga Louis Manteau.

La pintura Naturaleza Muerta con Metrónomo fue trasladada a la ciudad de Bruselas (Bélgica), dónde poco después pasó a ser propiedad del artista y escritor belga Édouard León Théodore Mesens.

En el año 1.936 d.C. la pintura fue adquirida por el historiador, crítico y coleccionista de arte británico Douglas Cooper (también conocido como Douglas Lord).

En el año 1.984 d.C. fue legada al diseñador de interiores estadounidense y filántropo William Mc Carty-Cooper. 

En noviembre del año 1.986 d.C. fue comprado por multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

Hasta que en el año 2.025 d.C. la Naturaleza Muerta con Metrónomo fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Naturaleza Muerta con Metrónomo

Descripción

Tiene una altura de 81 cm y una anchura de 54,1 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que utiliza la fragmentación geométrica y múltiples puntos de vista para representar una mandola de gran tamaño (instrumento de cuerda pulsada en forma de pera con trastes y cuatro pares de cuerdas que se toca con un plectro) y un metrónomo (aparato usado para indicar el tempo o pulso de las composiciones musicales).

Con respecto a la composición destacar como es un ejemplo importante del cubismo analítico, caracterizado por la descomposición de las formas en figuras geométricas y el uso de una paleta simplificada.

Sobretodo enfatizar que la forma del metrónomo es un elemento clave para transmitir profundidad y perspectiva, mientras que la mandola es un instrumento musical que habría sido un objeto familiar para un público moderno.

Éstos dos puntos ayudan a que las nuevas innovaciones pictóricas del cubismo fueran más accesibles para el público.

Aparte resaltar que la pintura se encuentra firmada, aunque en la actualidad la firma se encuentra oculto por el reentelado (técnica de restauración de pinturas sobre lienzo que consiste en adherir una tela nueva al reverso del lienzo original para reforzarlo cuando se encuentra muy degradado o cuando ha perdido su función de soporte).

También subrayar que el lienzo de la Naturaleza Muerta con Metrónomo, es uno de los cinco lienzos de bodegones dedicados a la música que el pintor y escultor francés George Braque realizó entre finales del año 1.909 d.C. y principios del año 1.910 d.C. y que amplia radicalmente los experimentos cubistas del artista.

Para finalizar enfatizar que los derechos y reproducción de la pintura Naturaleza Muerta con Metrónomo es de © 2025 Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Mujer como Virgen Sabia

El Retrato de Mujer como Virgen Sabia, también conocida como Retrato de una Mujer como la Virgen Prudente, es un retrato datado aproximadamente en el año 1.510 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Mujer como Virgen Sabia

Fue pintado por el pintor italiano Sebastiano Luciani (también conocido como Sebastiano del Piombo).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.650 d.C. se encontrada en la colección de arte del marchante de arte y coleccionista de arte flamenco (personas de la región de Flandes) Jean and Jacques van Veerle, ubicada en la ciudad de Amberes (Bélgica).

En el año 1.870 d.C. la pintura fue adquirida por el coleccionista de arte Edward White, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

El 5 de abril del año 1.872 d.C. fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por por el marchante de arte y coleccionista británico Sir Francis Cook (primer baronet y primer vizconte Monserrate).

En el año 1.901 d.C. el Retrato de Mujer como Virgen Sabia, por herencia, pasó a formar parte de la colección del empresario textil y político del Partido Conservador británico Sir Frederick Lucas Cook (segundo baronet).

En el año 1.920 d.C., por herencia, pasó a formar parte de la colección del mecenas e historiador de arte británico Sir Herbert Frederick Cook (tercer baronet).

En el año 1.939 d.C. el retrato por herencia pasó a ser propiedad por el artista británico y coleccionista de arte Sir Francis Ferdinand Maurice Cook (cuarto baronet).

El 18 de febrero del año 1.947 d.C. la pintura fue vendida a la Fundación Samuel H. Kress de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de la colección de arte "Samuel H. Krees Collection".

Hasta que en el año 1.952 d.C. el Retrato de Mujer como Virgen Sabia fue donado a la National Gallery de Washington (Galería Nacional de Arte de Washington), en Estados Unidos de América, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 54,7 cm y una anchura de 47,5 cm, mientras que se enmarcado tiene una altura de 77,5 cm, una anchura de 69.4 cm y un grosor de 7,3 cm.

Está pintado al óleo sobre tabla, transferido de un papel.

Se trata del retrato del busto de una mujer joven, representada de medio cuerpo, con el torso girado en tres cuartos hacia el lado izquierdo, con la cabeza ligeramente girada hacia el lado izquierdo y sobre un fondo oscuro que resalta su anatomía.

Llama la atención como la joven muestra en primer plano su brazo derecho, desnudo desde el codo, con el que sostiene una lámpara apagada.

También cabe resaltar que la lámpara apagada probablemente hace alusión a la parábola evangélica de las vírgenes prudentes e insensatas y posiblemente sea un pretexto utilizado por el artista para dotar a la pintura de un trasfondo religioso.

En el rostro destacan las cejas finas, los ojos almendrados con la mirada firme que delata cierta timidez, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

Además destaca como el cabello castaño claro está recogido en un elaborado peinado trenzado que le cae por el hombro izquierdo.

Se encuentra ataviada con un vestido de satén azul con un escote cuadrado (escote de corte recto y horizontal que forma ángulos rectos en los hombros), con las mangas abullonada fruncida sobre la camisa de algodón retorcida sobre la manga.

Con respecto a la composición resaltar que la fisonomía de la figura se muestra meticulosa, al igual que el estudio de la luz sobre la manga de satén azul fruncida, todo ello realzado por el fondo oscuro y uniforme.

Para finalizar subrayar que abajo a la derecha, situada debajo de la mano, se puede observar la firma del autor: V. (C) OLONNA.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, Estados Unidos de América.